viernes, 25 de noviembre de 2022
domingo, 20 de noviembre de 2022
HASTA QUE LLEGÓ SU HORA (C'era una volta il West, 1968)
CARTELERÍA
Después de finalizar la llamada "Trilogía del Dollar" con "El bueno, el feo y el malo"(1966), Sergio Leone no tenía ningún interés en seguir rodando westerns y lo que realmente deseaba era producir películas en Estados Unidos y a la vez, poner en marcha su sueño: una superproducción que trataría sobre las andanzas de una pandilla de gansters judios en Nueva York.
Ese sueño que terminó titulándose "Érase una vez en América"(1984) y tardó muchos años en gestarse, necesitó mucho dinero para su realización y Leone para poder sacarlo adelante, no tuvo más remedio que dirigir un par de películas de encargo; dos westerns. El primero de ellos, en España se tituló: "Hasta que llegó su hora"
Con este film, el director italiano iba a acometer su proyecto más ambicioso hasta ese momento. Una producción financiada por la "Paramount" y con un holgado presupuesto que le iba a permitir, entre otras cosas, contratar un reparto de auténtico lujo
Con "Hasta que llegó su hora"(Érase una vez en el Oeste), Leone comenzó una nueva trilogía, la "Trilogía Americana" o la del "Érase una vez..." que es como empezaban los títulos originales de las tres películas. Tras este film, rodó su segundo encargo "Erase una vez la revolución" que en España se convirtió en "¡Agáchate, maldito!"(1971) y concluyó con su indiscutible obra maestra titulada "Érase una vez en América"(1984).
Una extensa obra que es un recorrido por tres periodos de la Historia de Estados Unidos
Sergio Leone se encerró en su casa con los realizadores Bernardo Bertolucci y Dario Argento para crear la historia de este primer film. Ayudados con el visionado de un buen montón de westerns clásicos dieron forma a una trama que terminaría convertida por el propio Leone y Sergio Donati en el guion de la película
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| ITALIA |
El primer borrador del guion tenía 436 páginas que tras distintas revisiones se quedaron en tan solo 15. Con esas 15 páginas de guion, Leone rodó un film que duraba 3 horas y pico. De este metraje se cortaron 22 minutos para que en los cines se pudiera dar un pase más.
La duración final de la peli es de 2 horas y 45 minutos
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| ALEMANIA |
Esta es la única película de Sergio Leone en que la acción gira en torno de una mujer y es una cosa que le debemos a Bernardo Bertolucci porque fue idea suya que uno de los personajes protagonistas fuera femenino. Tuvo que discutir mucho con Leone para poder convencerlo ya que el realizador, tachado por mucha gente de misógino convencido, no estaba para nada por la labor
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| UCRANIA |
Si el personaje de Jill McBain se lo debemos a Bertolucci, el personaje de "Cheyenne" fue obra del guionista Sergio Donati. "Cheyenne" no aparecía en la historia ideada inicialmente, de hecho Donati lo escribió pensando en que lo interpretaría Eli Wallach. Leone descartó enseguida a Wallach para el papel porque pensó que el público lo identificaría con "Tuco" su personaje en "El bueno, el feo y el malo"(1966) y buscó a otro actor para que lo interpretara
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| ESPAÑA |
La producción reunió un reparto excepcional. Los cuatro personajes principales están interpretados por Henry Fonda (Frank), Charles Bronson (Armónica), Claudia Cardinale (Jill) y Jason Robards (Cheyenne).
Los papeles secundarios fueron asignados a actores veteranos de la talla de Gabriele Ferzetti, Paolo Stoppa, Lionel Stander y Keenan Wynn
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| JAPÓN |
"Hasta que llegó su hora" comienza con una secuencia que, por el mimo que puso el director para rodarla, se puede considerar una lección magistral de buen cine. Una apertura que sirve para presentar al personaje interpretado por Bronson y que está protagonizada por Woody Strode y Jack Elam, dos de los actores clásicos del género y por Al Mulock, un actor que se suicidó durante el rodaje del film
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| SUECIA |
En un principio para esta secuencia se iba a utilizar la música de Ennio Morricone, pero finalmente se tomó la decisión de eliminarla y grabar únicamente los sonidos ambientales de la estación de tren con ese inquietante chirrido del molino de viento.
Estos silencios, el juego de miradas, el ritmo pausado y unos movimientos de cámara calculadísimos crean una sensación de parsimonia que Leone utiliza para desde el comienzo del film meter al espectador en una tensión creciente que culmina repentinamente en un estallido de extremada violencia
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| ALEMANIA |
Las actitudes intrascendentes de los tres pistoleros en esta primera secuencia están absolutamente estudiadas por Leone para mostrarnos una serie de detalles realistas del Far West. La suciedad, el sudor, el ambiente polvoriento, las gotas de agua sobre el sombrero de Woody Strode y hasta la mosca en la cara de Jack Elam está todo premeditado y calculado al milímetro, de hecho, cubrieron la cara del actor con mermelada mientras dejaban salir unas moscas de un frasco para obtener la reacción de Elam cuando una aterrizara en su mejilla. Y que decir de esos guardapolvos que visten los personajes y que tras el estreno del film se pusieron de moda.
Toda esta secuencia en la estación de Flagstone costó 200.000$ tanto como el presupuesto total de "Por un puñado de dólares"(1964)
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| TURQUÍA |
La primera elección del director para interpretar el personaje de "Armónica" fue Clint Eastwood pero el actor lo rechazó porque tras protagonizar la "Trilogía del Dolar" salió harto de Leone y de los spaghetti westerns.
James Coburn, Warren Beatty, Jean-Paul Belmondo y Terence Stamp fueron otras opciones.
Al final el personaje lo interpretó Charles Bronson que había rechazado papeles en las tres películas anteriores del director. A Leone le corresponde el mérito del extraordinario rendimiento que le sacó a las limitaciones interpretativas del actor que borda un personaje de pistolero casi fantasmal claramente inspirado en el Shane interpretado por Alan Ladd en "Raices Profundas"(Shane, 1954) de George Stevens
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| ITALIA |
La elección de Henry Fonda para interpretar al despiadado y sanguinario Frank, escalofriante villano de la función, fue otro gran acierto de Leone.
El director voló hasta Estados Unidos para convencer a Fonda de que aceptase el papel. El actor que hasta entonces, salvo en "Fort Apache"(1948), solo había interpretado papeles de "chico bueno", no veía nada claro lo de hacer este personaje y le dijo a Leone que se lo pensaría. Casualmente fue Eli Wallach, gran amigo de Fonda, quien lo convenció para que hiciese la peli y Fonda se presentó en Italia con un par de lentes de contacto de color marrón y un bigote que cuando Leone lo vio le hizo que se lo quitara inmediatamente.
Sergio Leone tenía planeada la presentación del personaje de Fonda en la película. Iba a filmar un primer plano del actor con sus inconfundibles (y reconocibles por el público) ojos azules. Lo que Leone buscaba con esto era sorprender al espectador con la aparición de un Henry Fonda de malo-malísimo y lo menos disfrazado posible, sin bigote y sin ojos marrones
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| ITALIA |
Inicialmente, Leone había pensado en Sophia Loren para interpretar a Jill McBain, además sabía que si ella estaba en la peli, su esposo, el productor Carlo Ponti estaría dispuesto a aportar una considerable suma de respaldo económico para el film. Sin embargo, decidió finalmente no elegirla porque dada la personalidad tan temperamental y testaruda de la estrella, el director temió que intentara influir más de la cuenta en la forma de hacer su película. En su lugar eligió a Claudia Cardinale que hizo una creación inolvidable del personaje, una mujer de fuerte personalidad que sobrevive en un entorno extremadamente hostil y varonil.
La relación de la bellísima Jill con los tres protagonistas masculinos marca el desarrollo de toda la acción del film
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| FRANCIA |
Para el papel de "Cheyenne", la "Paramount" había pensado en Kirk Douglas y el actor seguro que habría estado encantado de interpretarlo porque era un gran admirador de Sergio Leone, pero fue Jason Robards quien terminó encarnando al personaje, un pistolero que representa la vieja tradición del bandido romántico que actua por su cuenta y riesgo sin venderse al mejor postor
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| CHECOSLOVAQUIA |
La película se rodó entre los meses de abril y julio de 1968.
A diferencia de la "Trilogía del Dolar" que se rodó practicamente toda en España, en "Hasta que llegó su hora" a las localizaciones españolas tenemos que añadir el icónico "Monument Valley", lugar favorito de filmación de John Ford, donde el equipo viajó para rodar algunas escenas.
Contaron para el film con un presupuesto de 5.000.000$ del que más de la mitad se gastó en los salarios de los actores.
Leone no se sintió satisfecho con el trabajo de los extras españoles y contrató, por 14 dólares diarios, a norteamericanos, escandinavos y británicos que vivían por la zona de Granada y Almería
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| ARGENTINA |
El director volvió a recurrir a la fotografía del gran Tonino Delli Colli, a quien le debemos trabajos tan espectaculares como los que realizó en "El nombre de la rosa"(1986) o "La vida es bella"(1997).
Realmente todo el equipo técnico estaba formado por colaboradores habituales de Leone como Carlo Simi, todo un especialista del género, que se hizo cargo de la dirección artística, el vestuario y los decorados; Nino Baragli su montador favorito y como no podía ser de otra manera, el maestro Ennio Morricone compuso la partitura del film
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| JAPÓN |
Morricone realizó una de sus más bellas bandas sonoras. Asignó a cada personaje un tema musical con melodías e instrumentaciones distintas con el fin de preparar al espectador a identificarlos cada vez que aparecen o van a aparecer en la pantalla. Si a esto añadimos que compuso toda la partitura antes de que comenzara el rodaje, es tras ver el resultado cuando comprobamos la grandeza de uno de los indiscutibles maestros de la música cinematográfica.
La banda sonora de la película, no tiene desperdicio
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| ITALIA |
El estreno mundial fue en Roma el 20 de diciembre de 1968.
En los Estados Unidos se estrenó en Nueva York el 28 de mayo de 1969 y el estreno en España fue en Barcelona el 24 de noviembre de ese mismo año.
Quentin Tarantino siempre cita a Leone como uno de sus directores de referencia, pero de esta película en particular, han dicho elogios Martin Scorsese, George Lucas y Steven Spielberg. Los hermanos Coen fueron más explícitos cuando declararon que para ellos era "el mejor western de la historia".
En fin, Leone hizo su más ambicioso western situando la acción en el proceso de construcción del ferrocarril en el Oeste americano. La peli contiene cantidad de referencias a westerns clásicos, homenajes que integra en el film de manera más o menos intencionada, como por ejemplo el duelo final, que está rodado de manera muy similar al de "El último atardecer"(The last sunset, 1961) o lo de los tres tipos esperando un tren como en "Solo ante el peligro"(High Noon, 1952); también hay cosas de "Johnny Guitar"(1954), de "Raices Profundas"(Shane, 1953), de "El hombre de las pistolas de oro"(Warlock, 1959) y hasta de "Grupo Salvaje"(1969) que se estrenaría al año siguiente. La lista es interminable.
Los detractores de la película dirán que es lenta, y es verdad, pero lenta no es sinónimo de mala, porque podría hacer una lista larguísima de películas lentas que son obras maestras.
Leone definió el film de esta manera: "Es un ballet de muertos, que tiene como material dramático todos los mitos del western tradicional: el vengador, el bandido romántico, el propietario rico, el criminal y la puta. A partir de estos cinco símbolos, quise mostrar el nacimiento de los Estados Unidos".
Hasta la próxima peli
sábado, 19 de noviembre de 2022
viernes, 18 de noviembre de 2022
miércoles, 2 de noviembre de 2022
ABIERTO HASTA EL AMANECER (From Dusk Till Dawn, 1996)
CARTELERÍA
El título original de la película se tomó de los carteles que se colocan en los autocines norteamericanos para indicar la duración del espectáculo ofrecido, espectáculo que se desarrolla "desde el anochecer hasta el amanecer" (From Dusk Till Dawn) y que normalmente está formado por películas de monstruos, bichos y demás criaturas nocturnas.
Cine de serie B destinado a la diversión de jóvenes noctámbulos
El film nace de una idea del maquillador de efectos especiales Robert Kurtzman que en 1988 junto a Gregory Nicotero y Howard Berger había fundado la "K.N.B. EFX Group", un estudio de efectos especiales que desde entonces ha hecho infinidad de trabajos interesantes tanto en cine como en televisión
La idea de Kurtzman era poder mostrar en una película el potencial de su estudio en la realización de efectos de maquillaje.
Tras escribir las lineas generales de la historia que tenía en la cabeza, buscó a alguien para que escribiese el guion y encontró a un tipo que por aquel entonces (año 1990) , trabajaba de dependiente en un video-club, estaba "pirado" por las pelis de serie B y soñaba con poder lograr algún día estrenar sus propias películas en un cine. Un tipo llamado Quentin Tarantino
Kurtzman contrató a Tarantino para escribir el guion por 1.500$ y la promesa de que haría gratis los efectos de maquillaje de "Reservoir Dogs"(1992), la película que Tarantino estaba empezando a preparar. Por lo que el guion de "Abierto hasta el amanecer" se considera el primer trabajo remunerado como guionista del famoso director
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| ESPAÑA |
Cuando el guion estuvo terminado, el proyecto quedó en el olvido, ya que tanto Kurtzman como Tarantino se enrolaron en otras historias.
Cuenta Tarantino que Renny Harlin y Tony Scott fueron los primeros directores que mostraron interés en dirigir la película, pero que ambos se bajaron del proyecto. Digo yo que a lo mejor fue porque del guion emanaba un tufillo a serie B que tiraba de espaldas
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| ITALIA |
Así que el proyecto no se puso en marcha realmente hasta que Quentin Tarantino le dejó el guion a su buen amigo Robert Rodriguez para que lo leyera.
La única condición que puso Rodriguez para dirigir el film, fue que Tarantino reescribiera el guion
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| FRANCIA |
Aunque la producción iba a ser una desmadrada película de vampiros de serie B, la solvencia de los dos cineastas al mando, consiguió reunir un extraordinario reparto encabezado por Harvey Keitel, Juliette Lewis, el propio Quentin Tarantino y un joven George Clooney que gracias a este papel, iba a convertirse en estrella
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| POLONIA |
Clooney llevaba muchos años trabajando en series de televisión, pero en el cine no había tenido aún ningún papel relevante.
Por supuesto que él no había sido la primera opción para interpretar el rol de Seth Gecko. De hecho, tantearon antes a Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Antonio Banderas, Christopher Walken y algún otro que alegando problemas de agenda, rechazaron el trabajo
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| ALEMANIA |
John Travolta fue el único actor que rechazó el papel de forma rotunda diciendo que no estaba interesado en hacer una peli de vampiros.
George Clooney que en aquella época triunfaba en la cadena NBC con la serie "Urgencias" (ER, 1994-2009) fue por fin el elegido y a partir de interpretar a su personaje de cuello tatuado (un tatuaje que creó tendencia) en este film, pasó a jugar en la división de honor de actores hollywoodienses.
A Tarantino le gustaba la ironía de que Clooney pasara de salvar vidas en "Urgencias" a interpretar a un personaje que mandaba a la gente a "Urgencias".
El actor cobró 250.000$ por su trabajo en el film
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| HUNGRÍA |
Quentin Tarantino se reservó el papel de Ritchie Gecko, el pervertido hermano de Clooney en el film.
El veterano Harvey Keitel que ya había trabajado con Tarantino en sus dos películas estrenadas hasta entonces, no tuvo problemas en unirse a la fiesta.
Juliette Lewis estaba loca por trabajar con Tarantino e hizo todo lo posible por conseguir un papel en la película. Su personaje, la hija de Harvey Keitel en el film, era poco importante en la trama, pero Tarantino reescribió todo su papel dándole un mayor protagonismo para aprovechar todo lo posible el talento de la joven actriz
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| P-LUKASZEWSKI |
Salma Hayek protagoniza la que posiblemente sea la escena inolvidable del film. Cuando la actriz leyó el guion, pensó que nunca podría hacer la película porque tenía un miedo incontrolado hacia las serpientes. Supo que su fobia le impediría hacer su papel de "Satánico Pandemonium", la vampira que baila sensualmente con una pitón reticular albina birmana alrededor del cuello.
Robert Rodriguez le hizo creer que Madonna estaba muy interesada en conseguir el papel, así que Salma contrató a un psicólogo y estuvo dos meses de terapia con él para superar su miedo.
La única indicación que le dio el director a la hora de filmar fue que sintiera la música y la bailara. El tema "After Dark" de "Tito & Tarántula" hizo el resto
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| MIKEY PARKINSON |
El reparto lo completa un variopinto grupo de actores: el joven Ernest Liu, los veteranísimos John Saxon, Michael Parks y Fred Williamson y un par de actores habituales en las pelis de Rodriguez como Danny Trejo y Cheech Marin que en el film interpreta a tres personajes distintos.
Al experto maquillador y diseñador de efectos especiales Tom Savini le reservaron el personaje de "Sex Machine", el macarra de bragueta peligrosa
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| JON GLANVILLE |
El rodaje se realizó en distintas localizaciones de California, Washington y Chihuahua (México) entre el 13 de junio y el 20 de agosto de 1995.
Robert Rodriguez contó con un presupuesto de 19.000.000$ para una producción que sufrió algún que otro contratiempo.
Todo el decorado exterior de "La Teta Enroscada" que habían construido en "Calico Dry Lake", en el desierto de California, se quemó durante el rodaje
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| MATT RYAN TOBIN |
También sufrieron retrasos por culpa de las tormentas de arena habituales del desierto y estuvieron a punto de que les pararan el rodaje porque no se les ocurrió otra cosa que contratar a parte del equipo técnico sin estar sindicalizado. En Estados Unidos en el mundo laboral los sindicatos ocupan un lugar muy serio y contratar a trabajadores que no pertenezcan a un sindicato y que te pillen, es suficiente para cargarse una producción, principalmente por dos razones: una porque te paran la película y otra porque te meten una sanción que te doblan
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| TAILANDIA |
Debido a la acumulación de efectos especiales durante la segunta mitad del film, el equipo técnico tuvo que ingeniárselas para que el presupuesto no se descontrolase e idearon una serie de trucajes para poder rodar las escenas completas sin necesidad de cortes. Con este fin, construyeron 6 "trajes" de vampiro de cuerpo completo que asignaron a 6 actores determinados. En el climax del film, estos mismos 6 actores interpretan a todos los vampiros asesinados una y otra vez.
En las tomas donde se utilizan enfoques con mucha profundidad de campo, usaron maniquíes, marionetas e incluso figuras recortadas en cartón para crear la ilusión de que hay una gran cantidad de vampiros.
Como no querían problemas con la censura la sangre de los vampiros es de un color verdoso. Entre sangre roja y verde, gastaron unos 500 litros
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| SHAUN WATSON |
En las labores técnicas, Rodriguez se rodeó de un buen puñado de profesionales.
La fotografía corrió a cargo de Guillermo Navarro, habitual director de fotografía de Guillermo del Toro. El director artístico fue Mayne Berke. Del vestuario se ocupó Graciela Mazón, la diseñadora encargada de vestir al "Zorro Banderas" en las dos películas que hizó del mítico personaje y también contó con la diseñadora de producción Cecilia Montiel que más tarde colaboraría con directores como Stephen Hopkins en "Bajo sospecha"(2000) y con Gore Verbinski en "The Mexican"(2001)
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| JAPÓN |
Dentro del apartado musical comentaré que aunque el score del film es obra de Graeme Revell, autor de buenas partituras en películas como "Calma Total"(1989) o "El Santo"(1997), la música que más se recuerda de "Abierto hasta el amanecer" son las "cañeras" canciones que acompañan este delirio vampírico interpretadas por "Tito & Tarántula", "The Blasters", "ZZ Top" y "The Mavericks" entre otros
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| DAVE MERRELL |
La película se estrenó el 19 de enero de 1996 en Estados Unidos y Canadá.
El estreno en España fue el 17 de abril de ese mismo año.
El film que obtuvo un considerable éxito en la taquilla, se convirtió en un auténtico "pelotazo" cuando pasó a su explotación en video, considerándose desde entonces como una cinta de culto. Tanto es así que generó dos secuelas, una novela gráfica y una serie de televisión
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| FRANK FRAZETTA |
En fin, una peli de terror donde George Clooney se erige como amo y señor de una función que si la dividimos en dos mitades, encontramos una primera parte que es un film de Tarantino. Una road movie con una pareja de asesinos que se van uniendo a una serie de personajes (a cual más estrambótico) formando un excéntrico y peculiar equipo. Todo ello adornado de la original verborrea habitual del director que como siempre está preñada de ingeniosos diálogos. Una primera parte que podemos decir que finaliza con la mítica escena del baile de Salma Hayek con la serpiente.
A partir de ahí, la peli se convierte en una gamberrada, un catálogo de tiros, empalamientos y explosiones. Un desmadre sobre las 1.000 maneras de reventar a un vampiro que homenajea al cine gore de serie B y que desde luego cumple con nota la propuesta planteada que no es otra que divertir a los jóvenes y no tan jóvenes espectadores.
Hasta la próxima
