martes, 30 de diciembre de 2025
ATRAPADO EN EL TIEMPO (Groundhog Day, 1993)
CARTELERÍA
La mayoría de aficionados al cine, recuerdan a Harold Ramis (1944-2014) por dar vida en la pantalla al Dr. Egon Spengler, el miembro más “cuerdo” del equipo de “Los Cazafantasmas”(1984), pero lo que muchos desconocen es que antes de hacerse mundialmente famoso gracias al film de Ivan Reitman, Ramis había escrito algunas de las comedias más gamberras y populares de finales de los 70 y principios de los 80, me refiero a títulos como: “Desmadre a la Americana” (National Lampoon's Animal House, 1978), “El Club de los Chalados” (Caddyshack, 1980) donde debutó como director o “El Pelotón Chiflado” (Stripes, 1981) donde debutó también como actor
Prácticamente toda su filmografía como director está compuesta por comedias, algunas buenas como: “Una Terapia Peligrosa” (Analyze This, 1999) y otras no tanto, pero entre todas ellas, hay una que le salió francamente bien y me atrevo a decir que posiblemente sea una de las mejores comedias de la década ochentera, me refiero a “Atrapado en el Tiempo” (Groundhog Day, 1993), la película que vamos a repasar para terminar el año
En 1990, Danny Rubin era un escritor que intentaba colocar alguno de sus escritos en alguna productora de Hollywood.
Rubin llevaba tiempo trabajando en una historia sobre un tipo que se despertaba siempre el mismo día. Tras leer la novela de Anne Rice “Entrevista con el Vampiro”, y plantearse como sería lo de vivir eternamente, se le ocurrió escribir un guion fusionando esas dos ideas. La historia la tuvo tan clara, que en dos meses tenía terminado el libreto
El guion tuvo un periplo por distintas productoras y en 1991 cayó en las manos de Harold Ramis que buscaba algo distinto a lo que había hecho hasta ese momento. Aunque en un principio estuvo trabajando junto a Rubin, fue Harold Ramis quien realizó la reescritura final del guion cambiando incluso el final de la historia
Para el papel principal, la primera elección de Ramis fue Tom Hanks, pero el actor lo rechazó alegando que él era un tipo demasiado agradable para interpretar al hastiado y malhumorado Phil Connors.
Otro actor que rechazó el papel y hoy en día sigue arrepintiéndose, fue Michael Keaton.
Robin Williams, John Travolta, Steve Martin y Chevy Chase también fueron considerados para el papel
Finalmente y tras pensarlo mucho, Ramis le ofreció el personaje a su amigo Bill Murray, una decisión acertadísima porque viendo los resultados, nadie mejor que él para dar vida a un personaje que con tan solo una película ha resultado tan carismático y reconocible. Y eso que la relación entre ambos durante el rodaje, no fue precisamente una balsa de aceite.
Murray estaba pasando por un mal momento porque se estaba divorciando. Obsesionado con su papel en el film, llamaba a Ramis de madrugada para preguntarle cosas de su personaje o reprocharle ideas con las que no estaba de acuerdo. Harto de él, Ramis le envió al guionista Danny Rubin para que le aclarara todas sus dudas. Y esto es algo que al actor le sentó muy mal
La tensión durante el rodaje fue subiendo y las diferencias creativas entre ambos (Murray quería más filosofía y Ramis tan solo pretendía hacer una comedia romántica y sin tanta transcendencia) terminaron por casi hacer zozobrar todo el proyecto. Es más, tras el rodaje no se volvieron a hablar durante años y tan solo poco antes de la muerte de Ramis fue cuando hicieron las paces.
Ramis conocía de sobra a Bill Murray puesto que habían colaborado ya en seis proyectos juntos y sabía que el actor tendía a disminuir su interés y entusiasmo según iba avanzando el rodaje, así que filmó primero todas las escenas alegres en las que intervenía Murray y dejó para el final las escenas con las que comienza la película y en las que el actor está bastante más malhumorado.
Bill Murray cobró por protagonizar el film: 10.000.000$
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| ESPAÑA |
Para acompañar a Murray, se pensó en la cantante Tori Amos, pero Harold Ramis se decantó al final por Andie MacDowell. Al director le había cautivado su interpretación en el film de Michael Lindsay-Hogg “Objeto de Seducción”(1991) donde daba la réplica a John Malkovich. Además si había alguna duda de que era la elección correcta para interpretar a Rita, esta quedó disipada el día que se reunió con Bill Murray para leer el guion. Todos salieron maravillados de la química que transmitían juntos.
Andie MacDowell cita esta peli como la favorita de toda su filmografía
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| ANDRE M. BARNETT |
El reparto principal lo completan Chris Elliott como Larry, el cámara que acompaña a Phil y a Rita; Stephen Tobolowsky como Ned Ryerson, un agente de seguros con el que Phil se encuentra una y otra vez en unas inolvidables secuencias que ambos actores improvisaban y Brian Doyle-Murray que interpreta a Buster Green y que por si alguno no lo sabe, le diré que es el hermano mayor de Bill Murray en la vida real
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| STEVE THOMAS |
El rodaje se realizó en 86 días entre el 16 de marzo y el 10 de junio de 1992. Aunque la película se desarrolla en Punxsutawney (Pensilvania), Harold Ramis prefirió filmar en Woodstock, un pequeño pueblo de Illinois que se amoldaba mejor a la idea de localidad costumbrista que había imaginado.
Este cambio disgustó tanto a los dirigentes de Punxsutawney que se negaron a prestar a la auténtica marmota Phil para que apareciese en el film. Para sustituirla, la producción se hizo con “Scooter” la marmota protagonista y tres marmotas más por si “Scooter” se encontraba indispuesta. Será por marmotas…
A Bill Murray tuvieron que vacunarle contra la rabia, porque en la secuencia en la que secuestra a la marmota, el bicho le mordió un par de veces
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| JOHN DUNN |
La ceremonia que todos los años se celebra en Punxsutawney, proviene de una tradición de la década de 1880. Cuentan las crónicas que un grupo de amigos de esta localidad salieron al bosque, el Día de la Candelaria, a buscar marmotas y que esta práctica se convirtió desde 1887 y hasta nuestros días, en una costumbre para los lugareños.
Desde el estreno de la película, la ciudad se ha convertido en una importante atracción turística y la famosa ceremonia que se celebra cada 2 de febrero en el paraje de “Gobbler’s Knob” donde unos tipos con chistera consultan con la marmota lo que va a durar el invierno, atrae a unas 30.000 personas
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| FRANCIA |
La producción contó con un holgado presupuesto de 28.000.000$ que le permitió al diseñador de producción Dave Nichols y a su equipo construir los sets del “Tip Top Café”, de “Gobbler’s Knob”, de los interiores de la casa de huéspedes donde se hospeda Phil, de su dormitorio… tras el éxito del film, el set del “Tip Top Café” que se había construido en la plaza del pueblo de Woodstock se quedó abierto como restaurante. Hoy en día creo que es un restaurante mexicano llamado “La Plazita”.
Las figuras de hielo que aparecen en el film fueron esculpidas por Randy Rupert “El Mago de la Motosierra”
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| CHINA |
Fue un rodaje bastante duró porque hacía un frío que pelaba. La temperatura rondaba los 7ºC bajo cero y no paraba de nevar.
Para alentar a los 400 o 500 “extras” que se necesitaban para algunas secuencias, la producción sorteaba cada hora premios en dinero en efectivo con el fin de que el frío que pasaban fuera más soportable
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| REPÚBLICA CHECA |
La dirección artística corrió a cargo de Peter Landsdown Smith que al año siguiente conseguiría una nominación al Oscar por su trabajo en “Cadena Perpetua” (The Shawshank Redemption, 1994).
Como director de fotografía ficharon a John Bailey, un veterano que ya había mostrado su valía en títulos como “Silverado”(1985) o “El Turista Accidental”(1988) y que ese mismo año filmó también “En la Linea de Fuego”(1993) a las órdenes de Wolfgang Petersen.
Pembroke J. Herring, editor de “Memorias de África”(1985) se encargó del montaje del film
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| ALEMANIA |
Mención especial merece la extraordinaria banda sonora de la película. Por un lado por la partitura original compuesta por George Fenton, un músico que ya contaba con gran solvencia gracias a la composición de la música para “Gandhi”(1982), “Grita Libertad”(1987) o “El Rey Pescador”(1991). Y por otro por la selección de canciones y piezas de otros autores.
Entre las melodías de Fenton hay que resaltar el “Quartet Nº 1 in D – The Groundhog”, el sensual tema “Phil Getz The Girl” con un delicado saxo interpretado por Dan Higgins y por supuesto “Clouds”, un claro homenaje al maestro Nino Rota.
Y entre las composiciones de otros autores tenemos entre otras: la inolvidable “I Got You Babe” cantada por Sonny & Cher, “Pennsylvania Polka” interpretada por Frankie Yankovic, el clásico estándar “Almost Like Being In Love” en versión Nat King Cole y el “Medley: Phil's Piano Solo/ Eighteenth Variation From Rapsodie On A Theme Of Paganini” que suena en la secuencia en la que Phil deja embobada a Rita cuando esta descubre lo bien que toca el piano
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| RUSIA |
La película tuvo un preestreno en Dubois (Pensilvania) el 2 de febrero de 1993. El estreno oficial en Estados Unidos fue unos días más tarde, el 12 de febrero.
En España se estrenó el 25 de junio de ese mismo año.
El film fue todo un éxito tanto de crítica como de taquilla. En tan solo 2 semanas había amortizado el presupuesto de 28.000.000$.
Tras el rotundo éxito, aparecieron varios escritores afirmando que la historia les pertenecía y demandaron a Hamis y Rubin por plagio. Ninguna de las demandas prosperó y Rubin declaró que su única inspiración había sido un cuento publicado en 1892 de William Dean Howells titulado “Navidad todos los días”
En fin, estamos ante una de esas películas que le gustan a todo el mundo. Un film que gracias a su formidable guion, le saca punta a todas las vicisitudes por las que puede transitar un tipo atrapado en un bucle temporal. Original, romántica, divertida y con ese puntito de mala leche tan característico de su director y su protagonista. Personalmente me recuerda, salvando las distancias, a esas extraordinarias comedias de los años 40 con buen rollo y un toque sobrenatural, me refiero a títulos como “La Mujer del Obispo”(1947) o “El Invisible Harvey” (Harvey, 1950) ambas de Henry Koster e incluso al “Qué Bello es Vivir” (It’s a Wonderful Life, 1946) de Frank Capra que como “Atrapado en el Tiempo”, las considero obras maestras del género.
Hasta el año que viene
lunes, 22 de diciembre de 2025
miércoles, 26 de noviembre de 2025
ALIEN: EL OCTAVO PASAJERO (Alien, 1979)
CARTELERÍA
El éxito alcanzado por “La Profecía”(1976) y “La Guerra de las Galaxias”(1977) hizo que los ejecutivos de “20th Century Fox”, el estudio que había producido ambos films, se plantearan que fusionar el género de terror con el de ciencia-ficción podía propiciar grandes dividendos y viendo los resultados de la película que vamos a recordar hoy, pues hay que reconocer que no andaban para nada equivocados
Y digo esto porque independientemente de los beneficios que ganó en el momento de su estreno y del universo que originó en un buen número de secuelas; vista hoy, 46 años después de su estreno, “Alien: El Octavo Pasajero” me sigue pareciendo uno de los films más angustiosos e inquietantes de su género
La idea surgió de la cabeza de Dan O’Bannon que junto a su colega John Carpenter había escrito una historia que parodiaba las películas de Ci-Fi de los años 50. En ella la pequeña tripulación de una nave bregaba contra un ser alienígena para salvar sus vidas. El alienígena en cuestión era una gran pelota de playa con unas patas de cartón o plástico. La película la dirigió John Carpenter (es su primer largometraje), tan solo costó 60.000$, se titula “Estrella Oscura”(1974) y es sin duda el germen del que nació “Alien”
A O’Bannon se le ocurrió convertir esta historia, que era una coña, en una historia de terror y se puso en contacto con su colega Ronald Shusett con el que comenzó a trabajar un guion. Una vez terminado el guion fue presentado a varios estudios, entre ellos “La Fox” y ninguno estuvo interesado. Tan solo el viejo zorro de Roger Corman se sintió atraído por el proyecto
En el verano de 1976, el guion cayó en manos de Walter Hill que pagó tan solo 1.000$ a cambio de firmar un contrato que estipulaba que en caso de rodarse la película, O’Bannon tendría que dar su visto bueno al diseño visual y Shusett sería productor ejecutivo
Walter Hill y David Giler hicieron cinco reescrituras del guion e introdujeron cambios en algunas situaciones y personajes. Con ese nuevo libreto de 80 páginas acudieron a “La Fox” que acababa de pegar el gran pelotazo en la taquilla con “La Guerra de las Galaxias”(1977).
Alan Ladd Jr, el presidente de “La Fox”, sabía por boca de George Lucas que otra película de la saga galáctica necesitaría un mínimo de 3 años para estar lista así que cuando le llegó el guion de “Alien” dio en seguida luz verde al proyecto.
Hill y Giler, serían dos de los productores del film
Aunque parezca increíble, el primer candidato para dirigir la película fue Robert Altman, lógicamente, no se cerró el acuerdo con él y el estudio intentó la contratación de Walter Hill que tuvo que rehusar porque estaba comprometido para dirigir “Los Amos de la Noche” (The Warriors, 1979)
A Peter Yates y Jack Clayton se les ofreció la dirección y la rechazaron. Dan O’Bannon iba como loco por hacerse con la silla de director, pero la verdad es que el estudio no llegó ni a planteárselo. Robert Aldrich fue el que estuvo más cerca de hacerse con la dirección, pero quería rodar la peli en los Estados Unidos y el rodaje ya estaba previsto que fuera en Inglaterra. Además, cuentan las malas lenguas que el bueno de Aldrich, quería utilizar como alienígena a un orangután afeitado, una propuesta que terminó descartándolo para la dirección
Fue David Giller quien propuso a Ridley Scott para dirigir el film tras ver en el Festival de Cannes su primera película: “Los Duelistas”(1977).
Scott que acababa de flipar en el cine viendo la aventura galáctica de George Lucas, no dudo ni un segundo en aceptar el trabajo
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| POLONIA |
Ridley Scott pensaba que el talón de Aquiles del proyecto estaba en la concepción tan vaga que había del bicho sobre el que giraba toda la trama y que en el guion se definía de este modo: “Un monstruo de metro ochenta de alto aparece en la entrada. Espantoso más allá de lo imaginable, escamoso, cubierto de tentáculos, salta como una especie de gigantesco pájaro y atrapa a Melkonis con sus afilados tentáculos”
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| GABZ |
O’Bannon, Chris Foss y Ron Cobb habían presentado diferentes diseños del bicho pero ninguno era del agrado de Ridley Scott.
Fue Dan O’Bannon quien le enseñó a Scott un libro de ilustraciones de un pintor suizo llamado H. R. Giger titulado “Necronomicon”. En cuanto el director vio el trabajo de Giger, supo que había encontrado al diseñador del monstruo y además tuvo claro que “su monstruo” tenía que parecerse al “Necronom IV”, uno de los dibujos de ese libro
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| HUNGRÍA |
Además de contratar a Giger para diseñar al alien, el “Necronomicon” se convirtió en el cuaderno de bitácora de Scott durante todo el rodaje.
Mientras esperaba a que decidieran el presupuesto con el que iba a poder contar, Ridley Scott dibujó un extraordinario “storyboard” desarrollando toda la película. Se inspiró en la obra gráfica del maestro Jean “Moebius” Giraud, concretamente en “El Largo Mañana”, comic que también utilizó para el diseño de decorados de “Blade Runner”(1982), su siguiente film. Cuando los ejecutivos del estudio vieron el “storyboard” se quedaron tan impresionados que decidieron duplicar el presupuesto inicial de 4.200.000$ a 8.400.000$
Finalmente, la película terminó costando 11.000.000$
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| REINO UNIDO |
Para confeccionar el reparto Ridley Scott y los productores se fueron a Nueva York. Sobre todo para encontrar a la actriz que tenía que interpretar el papel de Ripley. Jane Fonda y Candice Bergen fueron dos de las actrices que rechazaron el papel. Kay Lenz hizo una audición pero no terminó de convencer al director.
Cuentan que fue Warren Beatty quien recomendó a los productores a Sigourney Weaver. El actor la había visto actuando en Broadway y había quedado encantado por la fuerza de su interpretación.
La decisión final estaba entre Sigourney Weaver y Meryl Streep, que habían sido compañeras en la universidad de Yale.
El día de su audición, Weaver llegó tarde y acalorada. Se había equivocado y pensaba que la prueba era en otro sitio. Cuenta Scott que en cuanto la vio supo que había dado con la actriz idónea para el papel. Weaver cobró por su trabajo 30.000$
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| FRANCIA |
La primera opción para interpretar al Capitán Dallas fue Tommy Lee Jones, pero el actor tras leer el guion rechazó la oferta. Les dijo a los productores que el único papel interesante era el del monstruo.
Harrison Ford también rechazó el papel. Cuando Tom Skerritt leyó el guion, la película tenía un presupuesto muy escaso y ni tan siquiera sabía quien la iba a dirigir, así que tampoco aceptó el trabajo. Pero cuando los productores le dijeron que iba a dirigirla Ridley Scott, el actor se apuntó al proyecto
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| ESPAÑA |
Para interpretar a Kane, los productores querían a John Hurt, pero el actor se había comprometido para rodar en Sudáfrica “Amanecer Zulú”(1979) y rechazó la propuesta. El papel se lo dieron a John Finch.
El primer día de rodaje Finch, que era diabético, enfermó gravemente y tuvo que abandonar el proyecto. Mientras tanto, John Hurt estaba de vuelta en Inglaterra. Al actor, por un error burocrático, le habían negado la entrada en Sudáfrica y se encontraba sin trabajo. Scott se presentó en su casa con el guion de la película un fin de semana y el lunes siguiente a primera hora, Hurt se presentó en el set de rodaje listo para empezar
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| CHECOSLOVAQUIA |
El día que Harry Dean Stanton hizo su audición, le dijo a Ridley Scott: “Ni me gusta la ciencia ficción, ni las películas de monstruos”. Scott se rió de la franqueza y tras una charla con el actor, le convenció para que interpretara el papel de Brett asegurándole que la peli sería un thriller, una especie de “Diez Negritos en el Espacio”
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| ITALIA |
Veronica Cartwright era toda una veterana en series de TV y ya había trabajado con grandes directores en películas como “Los Pájaros”(1963) de Alfred Hitchcock y “La Invasión de los Ultracuerpos”(1978) de Philip Kaufman. La actriz había audicionado para el papel de Ripley, pero como finalmente se lo dieron a Sigourney Weaver, los productores le asignaron el personaje de Lambert. Un papel que estuvo muy cerca de interpretar Helen Mirren
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| JAPÓN |
Yaphet Kotto que, a raíz de su doble papel de villano en “Vive y Deja Morir”(1973), había alcanzado gran popularidad en el mundillo cinematográfico se hizo con el papel de Parker y el veterano Ian Holm, que por aquellas fechas llevaba dos años haciendo únicamente trabajos televisivos, fue el encargado de dar vida a Ash, el androide del grupo, un personaje que no existía en el primer borrador del guion
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| CHRIS CHRISTODOULOU |
El 8º pasajero, es decir, el bicho terrible que se va merendando todo lo que encuentra por la nave, iba a ser transparente para que se viera bien que su cabeza estaba llena de gusanos vivos. Por problemas de logística y sobre todo para que la producción comenzase lo antes posible, se decidió que sería un traje de látex negro estándar
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| BENEDICT WOODHEAD |
Un traje que costó 250.000$ y se enfundó Bolaji Badejo, un estudiante de artes gráficas nigeriano que uno de los directores de casting había conocido en un pub. El joven que medía 2,08 metros tuvo que asistir a clases de tai-chi y de mimo para aprender a ralentizar los movimientos de la criatura y gracias a sus largos brazos y su delgada constitución parecía más un insecto que un ser humano. Se construyó una especie de columpio para que el actor pudiera descansar durante el rodaje porque debido a la cola del monstruo, Badejo no podía sentarse en una silla normal con el traje puesto
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| ESPAÑA |
Además, para los primeros planos de la criatura, contrataron al italiano Carlo Rambaldi que construyó, basándose en los diseños de H. R. Giger, tres cabezas del Alien para crear los movimientos del rostro y la boca del alienígena. Rambaldi venía de crear para Spielberg los extraterrestres de “Encuentros en la Tercera Fase”(1977) y unos años más tarde volvería a trabajar con él construyendo el animatronic para “E.T. El Extraterrestre”(1982)
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| LAURENT DURIEUX |
El rodaje comenzó el 5 de julio de 1978 en los estudios Shepperton de Surrey (Inglaterra). Del presupuesto del film se destinaron más de 3.000.000$ en los efectos especiales que se crearon en los estudios Bray en Berkshire (Inglaterra), donde finalizaron el rodaje en diciembre de ese mismo año.
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| TAILANDIA |
El puente de mando del “Nostromo” se construyó utilizando chatarra y su forma hexagonal con un techo tan bajo se hizo para aumentar la sensación de claustrofobia. Originalmente todo este decorado estaba pintado de un tono apagado de amarillo, pero tras varias jornadas de rodaje, Scott no estaba contento con los resultados, desechó todo lo filmado y ordenó que el “Nostromo” se repintara de color gris acorazado
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| SIMON CARPENTER |
Una de las secuencias más impactantes del film es cuando la cría de alien sale del cuerpo de Kane. La secuencia necesitó de dos tomas filmadas desde múltiples angulos. En la primera toma, la criatura no pudo atravesar la camiseta de Kane y hubo que hacer otra. Aun así, ese intento fallido se quedó en el montaje final porque Ridley Scott pensó que añadía violencia a la escena. Hay que decir que, salvo Kane (John Hurt) que había estado preparando todo con el departamento de efectos especiales, ninguno de los actores tenían idea de lo que iba a pasar en el set. O sea, que realmente, ninguno estaba actuando. De hecho alguno, hasta creyó que John Hurt se estaba muriendo de verdad
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| TURQUÍA |
Como director de fotografía, Scott eligió a Derek Vanlint, un especialista en anuncios publicitarios con el que llevaba trabajando varios años. Era su primer largometraje y tuvo verdaderos problemas de iluminación durante el rodaje.
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| NEIL DAVIES |
La película ha originado todo un universo cinematográfico con infinidad de secuelas y precuelas, han ensanchado este universo uniéndolo al de “Depredador” (Predator, 1987) y hasta se ha estrenado recientemente una serie televisiva titulada “Alien: Planeta Tierra”(2025).
Hasta la próxima
martes, 25 de noviembre de 2025
miércoles, 29 de octubre de 2025
EL MAYOR ESPECTÁCULO DEL MUNDO (The Greatest Show On Earth, 1952)
CARTELERÍA
Desde los inicios del cine, el circo ha sido uno de los escenarios más recurrentes donde ambientar infinidad de producciones, principalmente porque el universo circense tiene la particularidad de ajustarse estupendamente a todo tipo de géneros
Comedias como “El Circo”(1928) de Chaplin o “Una Tarde en el Circo” (At The Circus, 1939) de los Marx; cine de terror como “La Parada de los Monstruos” (Freaks, 1932); dramas románticos como “Trapecio”(1956) o la más reciente “Agua para Elefantes”(2011); cine de animación como “Dumbo”(1941) y hasta musicales como “El Gran Showman”(2017) sirven como ejemplo de lo que digo. Os aseguro que si os ponéis a pensar la lista es interminable.
Personalmente creo que la película más representativa de este tipo de cine es “El Mayor Espectáculo del Mundo” de Cecil B. DeMille y no es porque sea la única peli de circo que ha ganado el Oscar a la Mejor Película, sino porque es de esas películas con las que aprendes a amar el Cine, sobre todo si la ves siendo un niño
En 1948, se rumoreaba por los mentideros de Hollywood que el prestigioso productor David O. Selznick iba a dejar la producción de películas para pasarse al incipiente medio televisivo. Para acallar estas habladurías, Selznick anunció que iba a hacer una superproducción sobre el mundo del circo protagonizada por entre otros: Gregory Peck, Jennifer Jones, Joseph Cotten, Shirley Temple y Robert Mitchum
La idea era empezar a rodar el invierno de ese mismo año. Contaba con un elevado presupuesto de 6.000.000$ y se titularía: “The Greatest Show on Earth”, que era el eslogan del “Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus”, el circo más famoso de todos los tiempos.
Selznick se reunió con John Ringling North, el “mandamás” del circo y adquirió los derechos por 250.000$, pero en mayo de 1949 Selznick no renovó su contrato con North y perdió los derechos, desentendiéndose del proyecto y dejando vía libre para que otro estudio aprovechase la idea
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| BÉLGICA |
“La Metro” y “20th Century-Fox” entraron en la disputa pero fue “Paramount” quien finalmente, se hizo con los derechos en julio de 1949.
Cecil B. DeMille acababa de dirigir “Sansón y Dalila”(1949) que se había convertido en la película más taquillera de “Paramount” hasta ese momento y llevaba mucho tiempo queriendo hacer uno de sus peliculones ambientado en el mundo del circo, así que el estudio le asignó la dirección del film. Además de dirigir, DeMille se hizo cargo de la producción como solía hacer en todas sus películas
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| ALEMANIA |
DeMille reunió a un grupo de escritores para que empezaran a escribir el guion. Únicamente les recomendó que consideraran como referencia de la peli que pretendía hacer el clásico alemán de cine mudo “Varieté”(1925) de Ewald André Dupont.
Hasta 5 guionistas participaron en el libreto. Fredrick M. Frank, Theodore St. John y Frank Cavett crearon el argumento; Barré Lyndon, que entre otras cosas había firmado los guiones de “Jack, el destripador” (The Lodger, 1944) y de “Concierto Macabro” (Hangover Square, 1945) dos estupendas películas de terror dirigidas por John Brahm y protagonizadas por Laird Cregar y George Sanders, fue otro de los guionistas y Jack Gariss, aunque no tiene créditos en el film, también aportó diálogos al escrito
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| ITALIA |
Los derechos adquiridos incluían el uso del lema para el título del film y también el uso de las instalaciones además de la filmación de las funciones del “Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus”.
Para ir recopilando anécdotas e ideas y conocer la jerga utilizada por los artistas y empleados circenses, DeMille se fue dos meses de gira con el circo por el Medio Oeste. La publicidad tanto de la película que estaba preparando como de su participación como acompañante de la gira de ese año, atrajo una afluencia de público impresionante que agotaba las entradas a diario
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| JAPÓN |
Aunque el reparto lo encabeza Charlton Heston, en ese momento, el actor era un auténtico desconocido. Todos sus compañeros de reparto eran actores famosos, pero él tan solo había protagonizado una película “Ciudad en sombras”(1950) de William Dieterle.
Consiguió el papel porque un día que iba conduciendo por el estudio de “Paramount Pictures” vio a Cecil B. DeMille, a quien no conocía de nada, y le saludó con la mano. DeMille se quedó tan impresionado del porte y seguridad que desprendía el individuo que hizo averiguaciones y terminó dándole el papel de Brad Braden, el director del circo. Un personaje bastante antipático que se va suavizando mientras avanza la historia. Fue el papel que catapultó a Heston a la fama.
Cuentan que DeMille recibió una carta de una fan que le decía lo que había disfrutado con la película y le comentaba: “Me sorprende lo bien que el director del circo (refiriéndose a Heston) trabajó con los actores reales”. Heston la recuerda como una de las mejores críticas recibidas en toda su carrera
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| ESPAÑA (MAC) |
El personaje principal femenino es el de la trapecista Holly. Para interpretarlo, DeMille dudaba entre Hedy Lamarr y Marlene Dietrich, pero finalmente se decidió por Betty Hutton que acababa de triunfar haciendo de Annie Oakley en “La Reina del Oeste” (Annie Get Your Gun, 1950) un musical de George Sidney.
La primera opción de DeMille para el papel de El Gran Sebastián fue Burt Lancaster, algo normal porque el actor era un experto acróbata y parecía ser el más apropiado para dar vida a la estrella del trapecio fichada por el circo. Lancaster rechazó la oferta y se fue a hacer de pirata en “El Temible Burlón” (The Crimson Pirate, 1952). Kirk Douglas también fue considerado para el papel que terminó interpretando Cornel Wilde
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| ALEMANIA |
Wilde era un actor especializado en películas de aventuras. Muy buen espadachín (había sido miembro del equipo olímpico estadounidense de esgrima), un guaperas que igual te hacía de D’Artagnan que de Aladino. El único problema es que padecía de acrofobia y haciendo de trapecista, pues lo pasó un poco mal.
DeMille era un perfeccionista y exigía a los actores que aprendieran a realizar las acrobacias circenses que iban a interpretar. Tanto Betty Hutton como Cornel Wilde aprendieron a usar el trapecio e hicieron muchas de sus acrobacias, eso sí, con medidas de seguridad. Existen imágenes de Betty Hutton ensayando a 12 metros del suelo, hablando con DeMille, quien había llegado a su altura en una grúa de cámara.
Las secuencias de rivalidad entre Holly y Sebastián solo utilizaron dobles en los planos generales y ni que decir tiene, que ambos tuvieron que mantener durante todo el rodaje un estado de forma espectacular para parecerse a los trapecistas profesionales que los doblaban
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| YUGOSLAVIA |
Gloria Grahame, que interpreta a Angel, también tuvo que hacer sus escenas de riesgo, como la del elefante que apoya la pata a unos centímetros de su cara. Paulette Goddard iba loca por hacerse con el papel pero no lo consiguió por negarse a hacer este tipo de escenas.
En un principio, DeMille quería darle el personaje a Lucille Ball pero la actriz estaba embarazada y tuvo que rechazar la oferta siendo sustituida por Gloria Grahame que en ese momento, se encontraba en la cresta de la ola de toda su carrera
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| POLONIA |
Para dar vida a Phyllis, DeMille eligió a la exótica Dorothy Lamour, una actriz muy popular gracias a una serie de películas (La Ruta a …) que protagonizaba en los años 40 junto a Bing Crosby y Bob Hope. Los dos actores hacen un cameo en el film como espectadores del circo mientras ella canta el tema: “Lovely Luawana Lady”.
Otro simpático cameo es el de Edmond O’Brien, la voz del pregonero que se escucha en algunos momentos de la película y que finalmente se descubre que es él.
El narrador del film en la versión original es el propio Cecil B. DeMille
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| ARGENTINA |
Pero si hay que elegir un personaje inolvidable de la peli, es Botones, uno de los payasos del circo. James Stewart logró una de sus memorables interpretaciones en un personaje que requería tener la capacidad de combinar la comicidad física, el canto y también una dosis de carga dramática. Además debido a la trama del film, Stewart aparece durante todo el metraje con su maquillaje de payaso.
El actor, que era toda una estrella, aceptó rebajarse el caché y cobró 50.000$ (lo mismo que Heston, Hutton, Wilde y Grahame) una cifra muy alejada de los 600.000$ que había cobrado dos años antes en “Winchester '73”(1950).
Para aprender todos los trucos necesarios para ser un payaso creíble, Stewart ensayó con Emmett Kelly, el famoso payaso del “Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus” que aparece con él en la película
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| NORUEGA |
El rodaje comenzó el 31 de enero de 1951 en Saratosa (Florida). DeMille filmó la película en 83 días. Tras filmar 6 semanas en Saratosa, todo el equipo acompañó al circo en sus actuaciones en Filadelfia y Washington DC donde filmaron todas las actuaciones en directo.
Se necesitaron miles de extras para las secuencias en el circo y también para el desfile. Entre actores, miembros del equipo, artistas y personal del circo participaron unas 1.800 personas en el film.
La carpa grande utilizada en la peli costó 100.000$ y fue diseñada por Norman Bel Geddes.
Miles White diseñó todo el vestuario circense de los actores que costó 200.000$.
El presupuesto final fue de 4.000.000$
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| FRANCIA |
Para la secuencia del descarrilamiento se utilizaron maquetas de trenes. Los vagones medían unos 2 metros de largo y estaban pintados con todo tipo de detalles. Se habían construido para que se deformaran con gran realismo durante el impacto. Estas mismas maquetas son las que vemos durante la película cuando el tren del circo va de ciudad en ciudad.
DeMille además compró varios vagones reales rescatados de accidentes ferroviarios para las escenas de después del accidente. Todas esas secuencias se filmaron en el Estudio 16 de Paramount. Fue allí donde se soltaron los animales que se suponía que habían escapado de las jaulas durante el percance del tren. Todo iba bien hasta que abrieron la jaula de los monos. Con leones y tigres sueltos, los monos entraron en pánico y huyeron del edificio refugiándose en el Cementerio de Hollywood, donde fue imposible recuperarlos
George Barnes, que ya había ganado el Oscar con “Rebeca”(1940) de Alfred Hitchcock, fue el director de fotografía. El montaje corrió a cargo de Anne Bauchens, colaboradora habitual de DeMille en películas como “Los Inconquistables”(1947)y “Los Diez Mandamientos”(1956). De la dirección artística se encargaron Walter H. Tyler y Hal Pereira. Pereira unos años más tarde sería el responsable en esta faceta de “El Hombre que mató a Liberty Valance”(1962) una de las obras maestras de John Ford y la música del film fue compuesta por Victor Young, autor de extraordinarias bandas sonoras como la del film de Michael Anderson “La Vuelta al Mundo en 80 días”(1956) con la que ganó el Oscar
La película tuvo un preestreno en la ciudad de Nueva York el 10 de enero de 1952 y en mayo de ese mismo año se estrenó oficialmente en el resto de Estados Unidos.
El estreno en España fue el 18 de diciembre de 1953.
Fue un gran éxito de taquilla que en sus primeros 6 meses de exhibición recaudó 10.000.000$. A finales de la década de los 50 se encontraba entre las 5 películas más taquilleras de todos los tiempos con una taquilla acumulada de más de 36.000.000$ en todo el mundo.
También obtuvo muchos elogios por parte de la crítica. Recibió 5 nominaciones para el Oscar ganando el de Mejor Película y Mejor Argumento. Este éxito propició que la cadena ABC hiciera una serie de TV titulada también “El Mayor Espectáculo del Mundo”(1963-1964) protagonizada por Jack Palance.
Algunos críticos no estuvieron de acuerdo con que la Academia le concediese el Oscar a la Mejor Película en un año que competía con: “Solo ante el Peligro” (High Noon), “Ivanhoe”, “Moulin Rouge” y “El Hombre Tranquilo” pero todos sabemos que la lotería de los Oscars siempre ha estado sembrada de infamias. O acaso… ¿no os parece una infamia mayor que “Cantando bajo la Lluvia” ni tan siquiera estuviera entre las nominadas a Mejor Película?
En fin, estamos ante todo un ejemplo del mejor cine clásico de los años 50, con un deslumbrante Technicolor y la ostentosa exhibición de medios típica de Cecil B. DeMille. Personalmente creo que es la peli que mejor muestra lo que era mover un circo de grandes dimensiones, además, nos cuenta una bonita historia; emocionante, emotiva y con puro sabor americano.
Hasta la próxima