viernes, 29 de abril de 2022
EL BAILE DE LOS VAMPIROS (Dance of the Vampires, 1967)
CARTELERÍA
Tras conseguir el Oso de Oro en el Festival de Berlín con su cinta "Callejón Sin Salida"(Cul-De-Sac, 1966), a Roman Polanski se le abrieron las puertas del cine norteamericano y afrontó el reto con una película rodada en Europa pero con capital estadounidense.
Metro-Goldwyn-Mayer se encargaría de distribuirla en Estados Unidos y Polanski contaría con un presupuesto de 2.000.000$ para filmar una de las películas de vampiros más bellas y originales de todos los tiempos
Tarea que fue posible porque el director polaco se rodeó de un gran equipo de técnicos y un extraordinario plantel de actores
Con la excepción, claro está, del infame productor Martin Ransohoff, que además de cambiarle el "Dance of the Vampires" del título original por el rimbombante "The Fearless Vampire Killers Or: Pardon Me, But Your Teeth Are In My Neck", se cargó la versión norteamericana del film cortándole más de 20 minutos y dejando una película tan incomprensible para el público, que tuvieron que añadir una secuencia de animación para que la trama quedara un poco más clara y para rematar la jugada doblaron a los dos protagonistas Jack MacGowran y el propio Polanski. En fin, un auténtico despropósito del que aquí en Europa, nos libramos
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| ITALIA |
Pero vamos a lo bueno que luego ya os contaré porqué el "pájaro" este hizo lo que hizo.
Para escribir la historia, Polanski volvió a echar mano de su guionista habitual, Gerard Brach, con el que confeccionó un guion cómico en el que no falta ninguno de los códigos exigibles en una peli de este género, es decir: el castillo, el conde, la cripta, los ajos, los ataudes, las estacas y por supuesto los héroes y una fémina en apuros
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| DINAMARCA |
Con todo este canon, compusieron una parodia que deambula claramente por los terrenos de la comedia y que utiliza recursos clásicos del slapstick del cine mudo con sus tropezones, caidas y golpes, con otros más modernos de humor absurdo y por supuesto, la refinada "mala leche" que destilan muchos de sus diálogos
En un principio, Polanski quería rodar la película en un castillo de Suiza que había visitado durante unas vacaciones, pero al final esta idea se desestimó porque rodar allí resultaba muy caro.
Así que decidieron filmar en la zona de los Dolomitas italianos.
El castillo Gardena ubicado en la región italiana de Trentino-Alto Adigio sirvió como morada del Conde Von Krolock. En los valles cercanos se rodaron las escenas en exteriores y para el resto se utilizaron los míticos estudios Pinewood y los británicos de la Metro.
En los estudios Elstree en Hertfordshire se construyó el gran salón para la escena del baile
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| FRANCIA |
Entre febrero y julio de 1966 se completó todo el rodaje. En aquel momento, Roman Polanski contaba con 32 años, había rodado 9 cortos y 3 películas de bajo presupuesto, pero con la puesta en escena que desplegó para realizar el film, demostro ser un consumado cineasta y sobre todo, tener muy claro la película que quería hacer. Para este cometido, Metro-Goldwyn-Mayer puso a su disposición un grupo de técnicos sencillamente espectacular
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| MATT NEEDLE |
El diseño de producción corrió a cargo de Wilfred Shingleton que había sido el director artístico de peliculones como "La Reina de África"(1951) de John Huston y "Suspense"(The Innocents, 1961) de Jack Clayton.
Para la dirección artística contó con Fred Carter, que volvería a trabajar con Polanski en su versión de "Macbeth"(1971) y que se retiraría del cine con la taquillera "Robin Hood: Príncipe de los Ladrones"(1991)
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| JAPÓN |
El director de fotografía, tres veces nominado al Oscar, Douglas Slocombe realizó un trabajo increible. Supo en todo momento utilizar la iluminación y las texturas necesarias para captar la atmósfera requerida en cada escena y logró tanto en la filmación en exteriores como en los sets de rodaje transmitir esa sutil delicadeza de las grandes películas góticas antiguas.
Slocombe fue un maestro a la hora de fotografiar todo tipo de géneros, desde el cine histórico como demostró en la medieval "El León en Invierno"(1968) al musical moderno de "Jesucristo Superstar"(1973) y pasando por el mejor cine de aventuras con las tres primeras entregas de Indiana Jones
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| FINLANDIA |
El vestuario es otra faceta del film donde se cuidó el detalle al milímetro. Fue el último trabajo de la aclamada diseñadora Sophie Harris que, aunque estuvo más vinculada al mundo del teatro, diseñó el vestuario de un buen número de películas británicas como "Cadenas Rotas"(Great Expectations, 1946) de David Lean o "Siempre Estoy Sola"(The Pumpkin Eater, 1964) de Jack Clayton con la que ganó el prestigioso Premio BAFTA en 1965
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| POLONIA |
En el apartado interpretativo, Polanski consiguió un elenco de estupendos actores, en su mayoría británicos, para dar vida a unos personajes, sencillamente: adorables.
Empezando por la pareja protagonista, que es sin duda heredera directa de muchas parejas cómicas del celuloide que se complementan perfectamente, y que en este film, se convierten en una caricatura de héroes en busca de la salvación mundial
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| SUECIA |
El profesor Ambrosius (Jack MacGowran) es un intelectual, un científico, curioso investigador del mundo de los murciélagos y que está convencido de la existencia de los vampiros.
El actor está caracterizado con un elaborado maquillaje para parecerse al doctor que interpretaba Jan Hieronimko en "Vampyr"(1932), una película pionera del género vampírico dirigida por Carl Theodor Dreyer.
El resultado es un chiflado Albert Einstein que no conoce el miedo porque es tan despistado que la mitad de las veces no se entera de lo que está pasando. Descacharrante sujeto.
MacGowran ya había intervenido en películas míticas como " El HombreTranquilo"(1952)(Ver Cartelería en DICIEMBRE 2019)
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| BÉLGICA |
El otro miembro de la pareja de héroes es Alfred (Roman Polanski) el ayudante del profesor, su único y fiel discípulo, con menos sesos que un mosquito. Un muchacho bastante torpe y miedoso al que si además le añadimos un desacerbado descontrol hormonal del que hace gala cada vez que ve un escote, pues ya tenemos al tipo más indicado para ayudar a su maestro a terminar con los vampiros
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| REINO UNIDO |
Cuando el productor Martin Ransohoff aceptó producir el film, le impuso como condición a Polanski que el papel de Sarah, la hija del posadero, tenía que ser para una joven actriz cuya carrera comenzaba a despegar y que él apadrinaba, llamada Sharon Tate. El director había pensado para interpretar este personaje en Jill St. John, una actriz que más tarde sería chica Bond en "Diamantes para la eternidad"(1971), pero al final aceptó la exigencia del productor y no solo le dio el papel a Sharon Tate sino que durante el rodaje, se convirtió en su amante (lo que sentó como un tiro a Ransohoff) y digo yo que esta puede ser la razón de que el productor se vengara tan mezquinamente de Polanski, destrozando el montaje del director en la versión que se estrenó en Estados Unidos
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| ALEMANIA |
El Conde Krolock (Ferdy Mayne), su hijo gay (Iain Quarrier), el jorobado (Terry Downes), Shagal el posadero (Alfie Bass), su celosa esposa (Jessie Robins) y la criada de escote generoso (Fiona Lewis) completan el reparto del film
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| ITALIA |
Polanski tuvo la suerte de contar también con su productor habitual Gene Gutowski, con el que ya había trabajado en "Repulsión"(1965) y "Callejón sin Salida"(Cul-De-Sac, 1966) y que también produciría "El Pianista"(2002) la película con la que consiguió el Oscar al mejor director.
Durante el rodaje en Italia tuvieron que contratar a una veintena de carpinteros para construir la gran cantidad de ataudes que se necesitaron para el film. Era una zona de bastante turismo y prácticamente la totalidad de artesanos locales estaban haciendo ataudes, tal fue la conmoción causada a los visitantes que los hoteles tuvieron que poner carteles donde aseguraban a sus huéspedes que la zona no estaba afectada por ninguna plaga y que el motivo de tanto ataud era consecuencia de la filmación de una película
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| JAN KRATOCHVIL |
Para la famosa secuencia del espejo en el que solo se ven reflejados los tres protagonistas, los decoradores construyeron un salón exactamente igual al que se desarrolla el baile pero a la inversa, de forma que al separarlos por un hueco, que en la película simula ser un espejo (que en realidad, no existe), de la sensación de que es el mismo salón reflejado. Los actores son tomados de frente por la cámara, mientras que tres figurantes en el salón falso son los que bailan hacia el inexistente espejo.
Un alarde más del ingenio de Polanski a la hora de resolver un problema técnico. En la década de los 60, no existían ni los efectos digitales ni los procesados por ordenador, los efectos especiales eran de verdad, ingeniosos y artesanales
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| ITALIA |
Christopher Komeda, un joven compositor polaco que además de ser un gran pianista fue uno de los precursores del jazz en la Europa del Este, fue el autor de la banda sonora.
Acostumbrado a poner la música en las películas de Polanski, Komeda compuso para "El Baile de los Vampiros" una partitura muy original logrando mezclar música de cámara con momentos sinfónicos e incluso algún que otro apunte jazzistico. La utilización de los coros de tinte sobrenatural resultaron muy apropiados en ciertas escenas y en los títulos de crédito para crear un clima extraño, irreal.
El estreno mundial fue en los Paises Bajos el 2 de noviembre de 1967.
En España se vio por primera vez en el Festival de Cine de Sitges en octubre de 1968 y su estreno oficial fue el 13 de marzo de 1969.
En Estados Unidos se estrenó en Nueva York el 13 de noviembre de 1967. La mutilación que Martin Ransohoff hizo con la película sin el consentimiento de su autor, propició un espectacular fracaso comercial en Norteamérica, sin embargo en Europa que pudimos ver el montaje original de Polanski, fue un gran éxito
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| ESPAÑA |
Se hizo una adaptación musical del film que se estrenó en el Teatro Raimund de Viena el 4 de octubre de 1997. Fue dirigida por el propio Polanski y contó con música de Jim Steinman, un rockero conocido principalmente por componer la música más exitosa de Meat Loaf.
En fin, estamos ante una peli que es un cuento encantador, una sátira con un toquecillo muy británico. Con una ambientación apabullante donde cada estancia del castillo, cada metro de escalera laberíntica está cuidado al detalle. El mobiliario, las pinturas, los candelabros con esos montones de telarañas, la elaborada secuencia del baile con ese minuetto tan bien filmado... muchas cosas que componen una auténtica delicia para el amante del mejor cine gótico.
Dicen que "El Baile de los Vampiros" es una carta de amor a las películas de terror de la Hammer, si es así, lo único que puedo decir es que es una carta muy bien escrita.
NOTA: El cartel de España es una muy buena copia del cartel norteamericano original del film que fue obra del extraordinario ilustrador Frank Frazetta. Este cartel (y otros muchos) lo encontraréis en la GUÍA ALFABÉTICA DE CARTELERÍA CINEMATOGRÁFICA situada en el margen derecho de la página.
Hasta la próxima peli
miércoles, 27 de abril de 2022
martes, 26 de abril de 2022
domingo, 24 de abril de 2022
sábado, 16 de abril de 2022
SOLO LOS ANGELES TIENEN ALAS (Only Angels Have Wings, 1939)
CARTELERÍA
En 1933, Howard Hawks viajó a México para preparar la producción de "Viva Villa"(1934), un film de la Metro que terminó dirigiendo Jack Conway. Mientras buscaba localizaciones para el film descubrió un pequeño aeropuerto donde unos pilotos trabajaban para una compañía de correo aéreo
De la azarosa vida de estos profesionales enseguida pensó que había buen material para hacer una película. Escribió un primer guion titulado "Piloto nº 4" y presentó la idea a varios estudios pero, en ese momento fue rechazada por todos
Durante esa década de los años 30, Howard Hawks abordó el tema de las aventuras aereas en "Aguilas Heroicas"(Ceiling Zero, 1936), pero no fue hasta después de dirigir su primera obra maestra "La Fiera de mi Niña"(Bringing Up Baby, 1938)(Ver Cartelería en DICIEMBRE 2019) y por supuesto, de conocer a Cary Grant, cuando afrontó la realización de "Solo los Ángeles tienen Alas"
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Lo primero que hizo fue contratar a Jules Furthman para que se hiciera cargo del guion y diera forma a la historia que tenía en mente a la que había titulado "Plane from Barranca". Una historia sobre un grupo de aviadores que arriesgan sus vidas mientras transladan el correo y mercancias de un lugar a otro
Cary Grant se involucró en el proyecto desde un principio para interpretar un personaje bastante menos cómico de los que había hecho hasta ese momento. Su personaje, Geoff Carter, además de piloto es uno de los jefes de la compañía aérea y Hawks nos lo muestra como un tipo duro, frío y aparentemente, carente de sentimientos. El auténtico macho-alpha del grupo
Harry Cohn, el jefazo de Columbia Pictures estaba buscando el juntar en una película a Cary Grant con Jean Arthur, una de las actrices que tenía en nómina y que además de haber hecho, entre otros personajes a Calamity Jane junto a un Wild Bill Hickok interpretado por Gary Cooper en "Bufalo Bill"(The Plainsman, 1936), era una de las actrices fetiche de Frank Capra, el director estrella del estudio, con el que había triunfado en dos extraordinarias películas suyas: "El Secreto de Vivir"(Mr. Deeds Goes To Town, 1936) y "Vive como Quieras"(You Can't Take It With You, 1938).
Así que Harry Cohn convenció a Hawks para que Jean Arthur compartiera el protagonismo de su nuevo film con Cary Grant interpretando el rol de Bonnie Lee
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| ARGENTINA |
La pareja protagonista funcionó a las mil maravillas. Hawks estableció un inteligente equilibrio en la relación de los dos personajes utilizando el drama pero sin dejar de lado la estructura de comedia romantica y la inevitable "guerra de sexos" que tan bien había funcionado en su anterior peli: La Fiera de mi Niña.
Ella es una mujer fuerte, que transmite confianza, pero a la vez es el personaje de la película que se encuentra completamente fuera de lugar, en ese recóndito poblacho llamado Barranca, y que poco a poco se va ganando el aprecio de todos. Este tipo de personaje femenino desubicado es recurrente en la filmografía de Hawks, ya que, de algún modo es similar en muchos aspectos a la Sugarpuss O'Shea interpretada por Barbara Stanwyck en "Bola de Fuego"(1941)
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| FRANCIA |
Una estrella del cine mudo, el actor Richard Barthelmess, hizo en esta película la que posiblemente sea su mejor interpretación en el cine sonoro.
El actor, que debido a una infección durante una operación de cirugía plástica, tenía cicatrices en el rostro y que para eliminarlas en la pantalla, cubría con maquillaje, se dejó convencer por Hawks para mostrarlas en esta película. Según le explicó el director, esas cicatrices contaban parte de la historia del personaje que interpretaba: Bath MacPherson, un piloto de oscuro pasado
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| SUECIA |
La otra chica de la película es una jovencísima Rita Hayworth con 20 años recién cumplidos, que aunque había aparecido en muchos films, fue este papel de Judy MacPherson el que la presentó al cine serio que en pocos años la convertiría en un mito.
Hawks había probado a un par de actrices (Dorothy Comingore y Rochelle Hudson) para el papel, pero seleccionó a Rita porque "tiene un rostro que le gusta a la cámara". Y realmente, no solo era el rostro, la sensualidad que emanaba de ella, subyugó al director, a sus compañeros de reparto y por supuesto, a los espectadores que vieron el film
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| FRANCIA |
El elenco principal lo completan dos de los secundarios de lujo habituales en las mejores producciones de cine clásico.
El eterno Thomas Mitchell, del que ya hemos repasado muchas de sus películas en esta página. Este actor salía en todas las pelis buenas de la época. Para que os hagáis una idea del nivel que se gastaba este tipo, os comentaré que en el glorioso año cinematográfico de 1939, el bueno de Thomas Mitchell intervinó, además de en la peli que nos ocupa, en cuatro peliculones más, a saber: "Lo que el Viento se Llevó", "Caballero sin Espada (Mr. Smith Goes To Whasington)", "Esmeralda, La Zíngara (The Hunchback Of Notre Dame)"(Ver Cartelería en NOVIEMBRE 2020) y "La Diligencia"(Ver Cartelería en MARZO 2020) con la que ganó el Oscar al mejor actor secundario. Vaya repoker
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| ESPAÑA |
Y que decir del otro secundario en discordia, ni más ni menos que Sig Ruman, habitual sufridor de las trastadas de los hermanos Marx en varias de sus películas, como en "Una Noche en la Ópera"(1935)(Ver Cartelería en AGOSTO 2019) y que en este mismo año de 1939, estrenaba también la magnífica comedia de Ernst Lubitsch "Ninotchka"(Ver Cartelería en JUNIO 2021).
En "Solo los Ángeles tienen Alas"es Dutchy alias "Holandés" co-propietario de la compañía aérea y encargado de la cantina donde se desarrolla buena parte de la trama del film
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| BÉLGICA |
El rodaje se realizó íntegramente en decorados. En el rancho que la Columbia compartía con Warner Bros. en Burbank (California) se construyó el pueblo de Barranca que el film lo sitúa en un recóndito lugar rodeado de montañas en América del Sur. También el paisaje selvático, el pequeño aeropuerto y la concurrida cantina donde hacen vida en común todo el personal
La película contó con un presupuesto muy bajo como era habitual en las producciones de Columbia Pictures, pero se contaba con la imaginación de Hawks. El director se rodeó de un equipo técnico de extraordinarios profesionales: Lionel Banks, director artístico habitual del estudio, fue el encargado de diseñar y construir los decorados ayudado por un especialista en pinturas mate como Chesley Bonestell.
En aquella época si no había montañas en el lugar, se pintaban y asunto solucionado
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| ALEMANIA |
La impecable fotografía del film corrió a cargo de Joseph Walker, director de fotografía favorito de Frank Capra.
La película fue nominada a los mejores efectos especiales, una categoría que era el primer año que se concedía. Roy Davidson y Edwin C. Hahn fueron sus creadores.
La banda sonora fue obra de Dimitri Tiomkin
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| JAPÓN |
La puesta en escena es, en muchos momentos, casi teatral. Viendo la peli, se percibe la buena armonía existente entre actores y director durante la producción.
El rodaje comenzó el 19 de diciembre de 1938 y se prolongó hasta el 24 de marzo de 1939.
Tanto en el tono como en la actitud, los actores transmiten una absoluta naturalidad en unas relaciones donde se mezcla el romanticismo y el cinismo. El saber captar las emociones que surgen de esa versatilidad, es uno de los recursos fundamentales en el cine de Howard Hawks
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| ITALIA |
El estreno mundial fue en Nueva York el 12 de mayo de 1939.
En España se estrenó el 23 de septiembre de 1943
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| ESPAÑA |
La película tuvo tanto éxito que la expresión: ¡Llamando a Barranca!¡Llamando a Barranca! se convirtió en una de las frases recurrentes en los dibujos animados de la Warner.
En fin, "Solo los Ángeles tienen Alas" es mucho más que una peli de aventuras. Hawks nos muestra en ella un amplio abanico de todas sus virtudes cinematográficas: diálogos rápidos e ingeniosos, chicas duras, la camaradería masculina, la lealtad, el coraje y todo ello acompañado de las mejores imágenes de tomas aéreas que se habían visto en una película hasta entonces.
Hawks saca partido de todo esto y consigue llevarnos a su terreno para engancharnos en el día a día de estos profesionales de futuro incierto cuyas vidas penden de un hilo, mostrándolos como tipos inmunes a las tragedias, como anestesiados ante la perdida de cualquiera de ellos y preparados para afrontar su próximo vuelo sin pensar que puede ser el último de su vida.
Aunque no sea de las películas más famosas de su director, personalmente la considero una joya y sin duda, otro de los grandes films que se hicieron en ese año dorado para el cine que fue 1939.
Hasta la próxima
