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miércoles, 26 de agosto de 2026
MOBY DICK (Moby Dick, 1956)
CARTELERÍA
Hoy vamos a recordar la que posiblemente sea la mejor versión cinematográfica de la inmortal novela de Herman Melville, un autor considerado actualmente como uno de los mejores literatos de Norteamérica pero que, como otros muchos artistas, no conoció el reconocimiento del público mientras vivió
Personalmente, tengo que admitir que “Moby Dick” no es de mis novelas favoritas.
La primera edición se publicó el 14 de noviembre de 1851. En sus más de 800 páginas, Melville va más allá de una clásica novela de aventuras, enfrascándose de una manera trascendental en simbolismos y referencias religiosas. Es más, es todo un tratado sobre barcos balleneros, en “Moby Dick”, el lector va a encontrar todo el temario decimonónico necesario para sacarse la carrera de ballenero, un máster de arponero de primera y un ferviente deseo de que termine el tostón en el que se va convirtiendo la novela.
Vamos que para contar la historia del capitán Ahab y “su ballena”, creo yo que hubiera bastado con unas 200 o 300 páginas
Fue a finales de los años 40 cuando John Huston decidió adaptar la novela para hacer un film en el que su progenitor, el actor Walter Huston, encarnaría al trastornado capitán. Era un sueño que rondaba desde hacía años por su cabeza pero que desafortunadamente la repentina muerte en 1950 del actor dejó el proyecto de su hijo en dique seco
En 1953, Huston se encontraba en Europa rodando “La Burla del Diablo” (Beat the Devil, 1953) cuando “Moulin Pictures”, la productora que tenía en Londres junto a los hermanos Woolf, y “Warner Bros.” se hicieron con los derechos de la novela.
Como en él era costumbre, Huston estaba decidido a hacer una adaptación lo más fiel posible a la novela, y aunque llevaba años trabajando partes del guion, decidió encargar el libreto a James Agee con quien ya había compartido sugerencias y horas de trabajo en el proyecto de “Moby Dick” mientras trabajaban en “La Reina de África”(1951)
James Agee tenía en esos momentos otras prioridades y rehusó el ofrecimiento. Rápidamente Huston se puso en contacto con su amigo Ray Bradbury y le dijo que tenía 12 horas para decidir si quería escribir su primer guion cinematográfico.
Cuando Huston le comentó al autor de “Fahrenheit 451” que tenía que escribir un guion para “Moby Dick”, la contestación de Bradbury fue: “Nunca he podido leer esa maldita cosa”. Huston simplemente, le entregó una copia de la novela y le dijo: “Ve a casa y lee lo que puedas, mañana empezamos a trabajar”
Bradbury aceptó la propuesta y puso rumbo a la casa que Huston tenía en Irlanda. Como tenía pavor a coger el avión, pilló un pasaje marítimo que sin saberlo llevaba incluido un huracán (nada como sufrir una buena tempestad en el mar para entrar en materia) y se plantó en la residencia del director.
Estuvo trabajando en el guion desde el otoño de 1953 hasta la primavera de 1954 y en esos 6 meses, el hombre se leyó 9 veces la novela, escribió la friolera de 1.500 folios, corrigió algunas partes hasta 30 veces, eliminó personajes y pasajes de la novela y por si todo eso fuera poco, le dio tiempo a sufrir hasta una crisis nerviosa. Una vez recuperado, le entregó a Huston un libreto de 134 páginas
Lo que Bradbury no podía imaginarse es que después de todo su trabajo, Huston cogiera su guion y lo reescribiera. Y aunque los dos constan como guionistas del film, hubo demandas por en medio, terminaron malamente y estuvieron sin hablarse hasta poco antes de la muerte del director.
La financiación de “Warner Bros” estaba sujeta a que la película fuera protagonizada por una estrella y se empezaron a barajar nombres como los de Gary Cooper, Errol Flynn, Burt Lancaster, Marlon Brando y hasta el de John Wayne
El personaje del capitán Ahab era muy goloso y en ese momento era el papel codiciado por todos los actores. Fredric March y Laurence Olivier también fueron considerados para interpretarlo.
Huston se lo ofreció a su buen amigo Orson Welles que lo rechazó porque iba a interpretarlo en un montaje teatral que él mismo estaba escribiendo en ese momento.
Fue “La Warner” finalmente quien impuso a Gregory Peck
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| ESPAÑA |
Aunque en el fondo no tuviese claro que él fuese el actor más idóneo, Peck aceptó el papel. Lo hizo tras comprobar la confianza que Huston tenía depositada en su manera de interpretar. El director lo halagaba con frases como: “Nadie podría hacer este papel excepto tú”.
En realidad, el actor pensaba que era muy joven para un personaje que en la novela era descrito con 20 años más de los que él tenía y por otra parte creía que era un personaje perfecto para que lo interpretara el propio Huston.
Huston, que era un viejo zorro sabía que como no convenciera al actor para hacer la peli, "Warner Bros." no pondría el dinero y su sueño de hacer la película se iría al garete
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| ITALIA |
Montgomery Clift iba loco por hacerse con el papel de Ismael, el personaje que narra toda la historia y que terminó interpretando Richard Basehart, el inolvidable almirante Nelson de la mítica serie televisiva “Viaje al Fondo del Mar”(1964-1968).
La primera opción para interpretar al arponero Queequeg, un caníbal polinésico, fue Woody Strode, pero el actor se encontraba en esos momentos rodando “Los Diez Mandamientos” (1956) a las órdenes de Cecil B. DeMille y tuvo que rechazar la oferta. Huston le dio el papel al actor Friedrich Ledebur, un conde austriaco amigo y compañero de juergas suyo
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| SUECIA |
El reparto principal se completó con Leo Genn, el inolvidable Petronio de “Quo Vadis”(1951) que interpretó a “Starbuck”, el primer oficial del “Pequod”.
Entre la marinería tenemos un extraordinario plantel de secundarios de lujo como: James Robertson Justice, Harry Andrews, Noel Purcell, Bernard Miles y Francis De Wolff.
Mención especial para la aportación de Orson Welles interpretando al Padre Mapple en una secuencia inolvidable en la que sermonea al populacho desde el púlpito con forma de navío que tiene en su parroquia.
Welles escribió personalmente todo el discurso y sin ensayar previamente, logró que se rodara en una sola toma. Eso sí, cuentan las malas lenguas que para motivarlo, antes de rodar la secuencia, John Huston se tomó una botella entera de coñac francés con él. No hay nada mejor para paliar el miedo escénico
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| CHECOSLOVAQUIA |
Encontrar el “Pequod”, el navío descrito en la novela fue una búsqueda bastante complicada. Tras intentarlo por medio mundo, lo encontraron finalmente en Scarborough, en la costa de Yorkshire (Inglaterra). El “Rylands” era un navío de 340 metros de eslora con el casco de madera y tres mástiles. Una goleta que ya había aparecido en la pantalla “interpretando” a “La Hispaniola” en la versión que Byron Haskin hizo de “La Isla del Tesoro”(1950) para Walt Disney.
Un equipo capitaneado por Geoffrey Drake y Ralph W. Brinton se encargo de diseñar y reconstruir ciertas partes de la embarcación; como un timón hecho con el cráneo de una orca y la mandíbula de un cachalote, además de acondicionar habitáculos y recovecos donde instalar las luces, cámaras, motores y generadores necesarios para la filmación y que no pueden verse en la pantalla.
Mientras se filmaba en la cubierta, una tripulación de marineros reales gobernaba el buque desde abajo
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| FRANCIA |
Para representar a “Moby Dick” se construyeron dos bestias de 30 metros de largo y varias toneladas de peso cuyos controles electrónicos les permitían sumergirse, emerger, lanzar un chorro de agua, embestir a un barco e incluso destrozar un bote de un coletazo. Unos cachalotes que básicamente estaban construidos por un armazón de hierro recubierto de una mezcla de gomas y látex con un coste por unidad de 30.000$.
Eran tan grandes y pesados, que constantemente rompían los cables que los remolcaban y terminaron perdiéndose allende los mares. Por esa razón hubo que construir un tercero cuando el rodaje se trasladó a las Islas Canarias.
Para las secuencias en el estudio que se filmaron en tanques de agua se construyeron 20 maquetas mini-mobydicks y varias secciones a tamaño real de distintas partes de la ballena que Huston utilizó para la filmación de primeros planos
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| ALEMANIA |
El rodaje que comenzó el 15 de julio de 1954 y se prolongó hasta el mes de marzo de 1955 fue toda una odisea. Lo iniciaron en Youghal (Irlanda), el lugar elegido para representar New Bedford, la localidad portuaria de Massachusetts donde comienza la narración de la novela.
La mayoría de las casas y tiendas de Youghal eran construcciones de piedra, así que se tuvieron que gastar 50.000$ en revestir de madera todas las fachadas que daban a los muelles del puerto.
Un puerto que tampoco reunía las mejores condiciones para albergar un navío tan grande como el “Rylands/Pequod”. Hubo que dragar todo el fondo para poder filmar la salida del barco al mar abierto porque el gran calado del navío solo permitía maniobrar dentro del puerto cuando había marea alta y eso solo ocurría durante una hora al día
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| CUBA |
Tras cuatro semanas de rodaje se trasladaron a Fishguard en la costa de Gales, donde habían planificado rodar todas las secuencias en mar abierto y donde realmente se iba a desatar el apocalipsis que convirtió toda la filmación en un infierno.
Llovió durante 70 días seguidos. Cuando por fin el tiempo mejoró, dos vendavales dañaron la goleta que tuvo que ser reparada suspendiendo el rodaje otras dos veces.
El fuerte oleaje hacía prácticamente imposible poder aprovechar un metro de filmación y por si todo esto no fuera suficiente, uno de esos días en que salir a navegar era una auténtica locura, el cable de la ballena se partió y varios técnicos cayeron al mar, teniendo que ser rescatados por el resto del equipo. Un peligroso accidente que, milagrosamente, no se cobró ninguna vida humana pero que originó que la ballena se perdiera y no se volviese a saber nada de ella
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| AUSTRALIA |
El espíritu aventurero de Huston motivado muchas veces por los lingotazos de whisky que se metía, le hacía tomar decisiones que muchas veces ponían en peligro la vida de sus trabajadores y de él mismo.
Durante este rodaje, Richard Basehart se rompió un tobillo saltando sobre una de las lanchas; Leo Genn, además de enfermar de neumonía, se precipitó desde una altura de 6 metros provocándose una hernia discal en la espalda.
Una de las secuencias que más peligro provocó fue la filmación del desarbolamiento de los tres mástiles del barco que estuvo a punto de ocasionar una tragedia aplastando a actores y técnicos.
Una locura de la que ni siquiera Gregory Peck se libró porque en ninguno de sus rodajes estuvo tan cerca de la muerte como lo estuvo en “Moby Dick”
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| ITALIA |
Mientras cualquier otro director hubiese preservado la vida de su estrella filmando las escenas más peligrosas con un doble, Huston convenció a Peck para que en la secuencia en la que Ahab se agarra a los lomos de “Moby Dick” para arponearla, la hiciera él mismo, la escusa era que así podría rodar primeros planos del rostro del actor.
Peck aceptó, lo ataron al costado de la bestia y lo lanzaron al mar. La enorme ballena iba atada a un grueso cable oculto y remolcada por una lancha. Inesperadamente se formó una repentina tormenta formándose un espeso banco de niebla que hizo que el actor perdiera de vista la lancha que lo remolcaba. Lo que en ese momento desconocía el actor, es que el cable de sujeción se había partido y él iba a la deriva
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| POLONIA |
Rodeado de niebla y con olas de 5 metros, Peck llegó a pensar que iba a morir ahogado atado al lomo de ese artefacto mecánico y comenzó a gritar como en su vida había gritado. Tras diez eternos minutos lograron rescatarlo indemne de entre la niebla. Más tarde, se comprobaría que el actor, tan solo se había lesionado una rodilla.
A quien no pudieron rescatar fue a la ballena, que terminó perdiéndose y apareció al cabo del tiempo por las costas holandesas
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| ESPAÑA |
Tras este percance y viendo que las inclemencias marítimas y climatológicas no mejoraban, Huston decidió poner rumbo a los estudios Elstree de Londres donde se pudo recuperar algo de tiempo de un rodaje que sufría ya de un excesivo retraso.
El mes de diciembre de 1954 se decidió que había que volver al mar para completar el rodaje de las secuencias que faltaban y como en el mar de Irlanda hacía un frío que pelaba, eligieron ir a Las Palmas de Gran Canaria, donde sin tanto frío continuaron el infernal rodaje marítimo.
Por lo que cuentan los viejos del lugar, más de cien carpinteros canarios se pusieron manos a la obra para construir una tercera ballena
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| BÉLGICA |
Terminado el rodaje, Huston contaba con unos 120.000 metros de película positivada y junto a Russell Lloyd, uno de sus montadores habituales se puso a trabajar durante 15 meses en el montaje del film. Seleccionaron 3.500 metros para dejar un film con una duración de una hora y 56 minutos.
Gracias a la original fotografía de Oswald Morris, la factura final es extraordinaria.
La banda sonora corrió a cargo de Philip Sainton, un compositor francés que no se prodigó en la realización de música para el cine.
Tantas dificultades y retrasos en el rodaje, originaron que el presupuesto inicial estimado en 3.000.000$, se disparara hasta los 4.500.000$ y aunque obtuvo una buena recaudación, “La Warner” no la consideró una peli rentable
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| HUNGRÍA |
El estreno mundial fue el 27 de junio de 1956 en Bedford, Massachusetts. Warner Bros. no escatimó gastos y montó una gala inolvidable con desfile incluido al que asistieron más de 100.000 almas.
La crítica fue unánime catalogando el film con los mayores elogios. El “New York Herald-Tribune” llegó a publicar que “Moby Dick es, quizá, la mejor película que se ha hecho en este país”.
En España se estrenó el 15 de septiembre de 1958.
Gregory Peck sí tuvo alguna mala crítica porque para parte del público, Peck siempre era el chico bueno y en sus papeles de tipo turbio, si exceptuamos el interpretado en “Duelo al Sol”(1946) siempre salía mal parado. El actor tampoco quedó contento de su trabajo y tanto es así que cuando Steven Spielberg le pidió permiso para usar una escena suya de “Moby Dick” en “Tiburón” (Jaws, 1975) el actor no se lo dio
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| JAPÓN |
Aun así, la actuación de Peck para John Huston fue magistral y su compromiso en todo el proyecto estuvo siempre fuera de toda duda. Sobre esto, Huston declaró: “Greg se pasó media película en el agua. Hizo cosas que la mayoría de los especialistas no harían. Por ejemplo, la escena final donde Ahab muere… cada vez que la ballena se daba la vuelta, las sogas se apretaban más y él se sumergía de nuevo. Peck estaba medio ahogado pero cuando la escena estuvo terminada, quiso hacerla de nuevo por si nos habíamos perdido algo”.
No quiero terminar sin recomendar “En el Corazón del Mar”(2015), una de las mejores películas de Ron Howard. Un film moderno hecho con el patrón del mejor cine clásico basado en la historia real que inspiró a Melville la escritura de su famosa novela
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| ARGENTINA |
En su autobiografía Huston cita que “Moby Dick” fue: “la película más difícil que jamás hice” y aunque ese año la Asociación de Críticos Cinematográficos de Nueva York eligió a John Huston como mejor director del año, su película no obtuvo ninguna nominación para los Oscars. Ese año la gran triunfadora fue “La Vuelta al Mundo en 80 días”(1956).
En fin, el rodaje de la película fue toda una aventura comparable a la narrada en la novela. Huston enroló a su equipo en un tormento para hacer realidad su deseado sueño, una obsesión a la que el director había dedicado muchos años de su vida, más de los que el capitán Ahab consagró a perseguir a “Moby Dick” y todo eso, para poder dejarnos un film vibrante y fascinante que captura toda la esencia trascendental de la novela.
“Hay películas que se hacen por dinero y otras se hacen por el simple placer de hacerlas”
(John Huston)
Hasta la próxima
lunes, 24 de agosto de 2026
martes, 28 de julio de 2026
LA LEYENDA DEL INDOMABLE (Cool Hand Luke, 1967)
CARTELERÍA
Donn Pearce nació en 1928 en el estado de Pensilvania y con tan solo 15 años se fugó de casa para alistarse al ejército. Después de mentir sobre su edad para que lo admitieran, desertó y fue capturado, arrestado y expulsado. Tras esta experiencia fallida se enroló en la Marina Mercante donde viajando por Europa, no tardó en meterse en líos involucrándose en la falsificación de dólares. Aquí también lo pillaron, lo juzgaron y lo encarcelaron, pero logró fugarse y volver a los Estados Unidos donde empezó a desbalijar cajas fuertes hasta que un juez lo condenó a dos años de trabajos forzados en el correccional de Florida. Tenía por aquel entonces 20 años
Esta dura experiencia consiguió que sentara la cabeza y años más tarde, el delincuente Pearce se convirtió en un escritor de prestigio que aprovechando sus vivencias en la cuerda de presos, escribió una novela titulada “Cool Hand Luke”
Publicada en 1965, la novela, rápidamente vendió los derechos para ser adaptada al cine.
“Jalem Productions”, la productora de Jack Lemmon, que acababa de producir “La Carrera del Siglo”( The Great Race, 1965), pagó al escritor 65.000$ para hacer una película que protagonizaría Lemmon y sería distribuida por “Columbia Pictures”, pero este proyecto nunca llegó a realizarse porque tras leer el guion, Jack Lemmon, pensó que prefería que su empresa produjera el film y que otro actor protagonizara la cinta
Y ese otro actor iba a ser Paul Newman que tras leer la novela de Pearce, ni tan siquiera tuvo que leer el guion de la película para saber que ahí había buen material para trabajar.
“Columbia Pictures” se borró del proyecto y “Warner Bros.” apareció en escena para encargarse de la distribución de la peli.
El productor Gordon Carroll, que años más tarde alcanzaría gran éxito por producir “Alien: El Octavo Pasajero”(1979) y sus secuelas, fue el encargado del proyecto
Para confeccionar el guion, llamaron a Frank Pierson, un prestigioso guionista futuro ganador del Oscar por su estupendo libreto para el film de Sidney Lumet “Tarde de Perros”(1975). También contrataron a Donn Pearce, el autor de la novela, que cobró 15.000$ por co-escribir el primer borrador.
Los últimos retoques al guion los hicieron con la participación del neoyorquino Hal Dresner que aunque no aparece en los créditos, sí que aportó algunos cambios en la estructura del film.
La famosa frase de la peli: “Lo que tenemos aquí es falta de comunicación”, no aparece en la novela, se le ocurrió a Frank Pierson y Donn Pearce, la detestaba
Stuart Rosenberg llevaba más de 10 años dirigiendo trabajos para la TV en series como “Alfred Hitchcock presenta”(1955-1962), “Los Intocables”(1959-1963) o “La Ciudad Desnuda”(1958-1963), cuando fue elegido para dirigir la película.
En la pantalla grande, había debutado en un film de gansters protagonizado por Stuart Whitman y Peter Falk, titulado “El Sindicato del Crimen” (Murder, Inc., 1960), pero por alguna razón fue despedido por el productor Burt Balaban, quien terminó de dirigirla
Antes de comenzar el rodaje, los actores se sometieron a dos semanas de ensayos. En un principio, los exteriores se iban a filmar en Florida, el lugar donde se desarrolla la acción en la novela, pero para reducir el presupuesto, “La Warner” decidió que se rodaría en California, concretamente en Stockton y el área circundante de San Joaquín en el delta del río Sacramento
Un equipo capitaneado por el director artístico Cary Odell, responsable de esta faceta en estupendas películas como “De Aquí a la Eternidad”(1953) y “El Motín del Caine”(1954) construyó un campo de prisioneros basándose en la granja-prisión de Tavares en Florida descrita en la novela.
Para ello, levantaron una docena de edificios, entre ellos: un cuartel, las oficinas, el despacho del alcaide, el comedor, las casetas de vigilancia, las perreras… y hasta los árboles, que se ornamentaron con musgo español
Contaron con un presupuesto de 3.200.000$ para un rodaje realizado entre el 3 de octubre y el 14 de diciembre de 1966.
Rosenberg que quería que los actores interiorizaran la realidad de lo que era estar condenado a trabajos forzados en una cuerda de presos, prohibió durante el rodaje la presencia de novias, amigas y esposas de todo el personal
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| ALEMANIA |
La estupenda fotografía del film fue obra de Conrad L. Hall que había trabajado sin acreditar como cámara en films como “Las Aventuras de Huckleberry Finn”(1960) o “Rebelión a Bordo” (Mutiny on the Bounty, 1962) y que en muy poco tiempo iba a ganar su primer Oscar por “Dos Hombres y Un Destino” (Butch Cassidy and The Sundace Kid, 1969).
El montaje corrió a cargo de Sam O’Steen, habitual colaborador de Roman Polansky en films como: “La Semilla del Diablo” (Rosemary’sBaby, 1968) y “Chinatown”(1974)
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| FRANCIA |
Uno de los actores que audicionó para hacerse con el personaje de Dragline, fue Aldo Ray, pero tanto el productor Gordon Carroll como Rosenberg querían a Telly Savalas para el papel.
Savalas en ese momento se encontraba en Europa filmando “Doce del Patíbulo” (The Dirty Dozen, 1967), además no paraba de trabajar en series de TV como “El Agente de Cipol” (The Man from U.N.C.L.E., 1964-1968) y decidió no acudir a su audición.
George Kennedy, compañero de Telly Savalas en el film de Robert Aldrich, se enteró de que Savalas no iba a acudir, se metió en un avión, se presentó a la audición y consiguió el papel que iba a cambiar toda su carrera
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| CANADÁ |
El reparto se completó con muy buenos actores de carácter como Strother Martin, que dio vida al pérfido alcaide de la prisión en uno de esos papeles que le iban como anillo al dedo, un personaje que de algún modo le abrió grandes posibilidades para sus siguientes trabajos. Todo un veterano que los cinéfilos recordaran por sus trabajos con Sam Peckinpah en films como “Grupo Salvaje”(1969) o también en algunas películas de John Wayne como “El Hombre que mató a Liberty Valance” (1962) o “Valor de Ley”(1969)
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| HUNGRÍA |
Tenemos también a J.D. Cannon, que muchos recordaréis por su papel en la serie televisiva “McCloud”(1970-1977) donde interpretaba al jefe del protagonista.
Clifton James, el inolvidable sheriff J.W. Pepper, en las primeras pelis de Roger Moore interpretando a James Bond, también aparece en el film.
El veterano Morgan Woodward interpretó al jefe Godfrey, icónico personaje que sin decir una palabra queda grabado en el subconsciente de todo el que ve la película. El actor describió su personaje como un “Mefistófeles ambulante”. Cuentan que no dejaba el personaje ni en los descansos. Entre escena y escena, se sentaba en una silla con sus gafas de sol de espejo y no hablaba con nadie
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| ITALIA |
Mención especial para Jo Van Fleet que interpreta a la madre de Luke. La actriz, había ganado ya el Oscar en su debut cinematográfico interpretando a la madre de James Dean en “Al Este del Edén”(1955) y era toda una veterana con un gran bagaje profesional tanto en teatro como en cine y TV. Un papel que en un principio se lo ofrecieron a Bette Davis pero lo rechazó.
Entre el resto del reparto, los cinéfilos más entrenados, descubrirán también a Dennis Hopper, Harry Dean Stanton y un debutante Anthony Zerbe
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| ESPAÑA |
Fue Harry Dean Stanton el que enseñó a Paul Newman a tocar la canción “Plastic Jesus”. Originalmente, esta escena estaba programada para los primeros días de rodaje, pero Newman le insistió al director con que sería capaz de aprender a tocar el banjo y de cantar la canción, así que Rosemberg retrasó la filmación unas semanas. Cuando la rodaron, la secuencia no fue del gusto del director y le dijo a Newman que la filmarían doblándole en playback, lo que hizo que se montara la de Dios es Cristo en el set.
Para el actor era muy importante ser capaz de cantar y tocar esa melodía puesto que era un perfeccionista que necesitaba sentir la escena para poder interpretarla. Finalmente, esta emotiva secuencia se filmó el penúltimo día de rodaje y cuando terminó, Newman insistió en que podía hacerlo mejor, a lo que Rosenberg le contesto: “Nadie podría hacerlo mejor, Paul”
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| SUECIA |
La inolvidable secuencia del lavado del coche, con Joy Harmon y el cupé DeSoto de 1941, se filmó solo con la actriz, sin estar en ese momento los actores cavando delante. Eso obligó a los actores a usar su imaginación mientras filmaron la secuencia por separado. La magia del montaje, hizo el resto.
Cuenta George Kennedy que el rodaje con la voluptuosa chica estaba programado para hacerse en media jornada de un día pero que se demoró durante tres días. Riendo, el actor comentó: “En algún lugar…¡hay 18.000 metros de película con Joy Harmon lavando ese coche!”.
A la actriz, descubierta por Groucho Marx, siempre le sorprendió que esa breve secuencia fuera lo único que la gente recordaba de toda su carrera
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| JAVIER |
La secuencia más famosa del film es sin duda, la de los huevos duros. Para filmarla, se suministraron 200 huevos cocidos. Gracias también a la magia del montaje, Paul Newman tan solo tuvo que comerse 8, los restantes se los comieron entre el equipo y los actores provocando algún que otro problema de flatulencia en el set.
Si os fijáis, esa secuencia termina con Luke recostado en una mesa en una postura de crucifixión, cosa que tiene su lógica puesto que durante el film, encontramos muchas alusiones al cristianismo
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| UCRANIA |
Y es que Rosenberg hace de Luke un remedo de Jesucristo. Sin mostrarlo directamente pero si dejando caer innumerables pistas durante el metraje.
El número de preso que lleva Luke (Lucas) es el 37, posiblemente una referencia bíblica del Evangelio de Lucas 1:37: “Porque para Dios, nada es imposible”. También la fotografía de Luke con las dos chicas que después de rota es reparada visiblemente con otra cruz. Y por si fuera poco, se puede decir que hasta el personaje de George Kennedy, al final se convierte en su apostol. Vamos que Luke lucha contra la opresión con acciones y palabras, representa la esperanza para el conjunto de presos y antes de su llegada las vidas de todos ellos eran insustanciales y carentes de espíritu.
Y todo esto, Rosenberg no lo hace para ensalzar la religión, sino para hacer una dura crítica de ella, diciéndonos que no hace falta ser hijo de un dios para dar esperanzas a la gente
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| CHECOSLOVAQUIA |
El género carcelario nos ha proporcionado un buen número de peliculones, por citar solo media docena: “El Hombre de Alcatraz” (Birdman of Alcatraz, 1962) de John Frankenheimer, “Papillon”(1973) de Franklin J. Schaffner , “El Expreso de Medianoche”(1978) de Alan Parker, “Fuga de Alcatraz”(1979) de Don Siegel, “Brubaker”(1980) otra gran película de Stuart Rosenberg y “Cadena Perpetua” (The Shawshank Redemption, 1994) de Frank Darabont.
Y si ya lo unimos con el subgénero bélico-carcelario, es inevitable no acordarse de películas como: “Traidor en el Infierno” (Stalag 17, 1953) de Billy Wilder, “El Puente sobre el Río Kwai”(1957) de David Lean y “La Gran Evasión”(1963) de John Sturges
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| JAPÓN |
“La Leyenda del Indomable” cuenta con una extraordinaria banda sonora a cargo del compositor argentino Lalo Schifrin. Un músico que alcanzó fama mundial tras componer el tema principal de la serie “Misión Imposible”(1966-1973), una de las melodías más populares de la TV, que más tarde pasaría al cine acompañando los films sobre esta serie protagonizados por Tom Cruise.
Para la película, Schifrin compuso una partitura repleta de bellas melodías con tintes jazzísticos mezclados con pasajes de folk sureño. Muy en la línea de sus composiciones en films como: “Bullit”(1968), “Los Violentos de Kelly” (Kelly’s Heroes, 1970) o toda la saga de “Harry El Sucio”(1971).
La banda sonora se completa con algunas canciones populares interpretadas por el actor Harry Dean Stanton
El estreno en Estados Unidos fue el 1 de noviembre de 1967. En España se estrenó el 20 de enero de 1969.
Paul Newman cobró un salario de algo más de 750.000$.
El film obtuvo 4 nominaciones al Oscar: A la mejor partitura, guion adaptado, actor de reparto y actor principal. Solo George Kennedy ganó el Oscar como mejor actor de reparto. Era la cuarta vez que nominaban a Newman para el Oscar y esta vez, tampoco lo ganó.
En fin, ambientada a principio de los años 50, la peli de Stuart Rosenberg es, sin ninguna duda, uno de los mejores films de toda su carrera; uno de los mejores dramas carcelarios de la Historia del Cine y una de las películas fundamentales en la carrera de Paul Newman, un actor al que la crítica, en ese momento, siempre lo estaba esperando con la escopeta cargada. En su anterior película “Un Hombre”(1967), un extraordinario western de Martin Ritt, la crítica machacó al actor de mala manera. Su papel en “La Leyenda del Indomable” y el enorme éxito de taquilla alcanzado con una recaudación mundial de más de 32.000.000$, originó que la crítica a partir de ese momento se diera cuenta de que no estaba ante un actor más, sino ante uno que se estaba convirtiendo en una de las indiscutibles estrellas del 7º arte
Hasta la próxima
domingo, 26 de julio de 2026
jueves, 25 de junio de 2026
SOPA DE GANSO (Duck Soup, 1933)
CARTELERÍA
“Plumas de Caballo”(1932), la cuarta película que los hermanos Marx hicieron para la “Paramount” fue la película más taquillera del estudio ese año. Así que había que aprovechar el momento de popularidad logrado y rápidamente preparar un nuevo film
En un principio, la nueva película se anunció que sería dirigida por el prestigioso director berlinés Ernst Lubitsch, pero una serie de problemas retrasaron el inicio del rodaje y cuando por fin arrancó la producción, Lubitsch estaba ya enfrascado en la filmación de “Una Mujer para Dos” (Design for Living, 1933).
"Paramount" en esos momentos atravesaba un mal momento financiero. Bueno, "Paramount" y el mundo entero. La crisis financiera de 1929 había hecho estragos y los Estados Unidos estaban inmersos en el periodo conocido como “La Gran Depresión”. Paramount debía dinero a los Marx por porcentajes de taquilla generados por sus películas y como no pagaba, los Marx amenazaron con abandonar el estudio y no hacer esa quinta película que tenían por contrato
Adolph Zukor, el mandamás de "Paramount", terminó pagando y se dio luz verde a la producción. Una película, ambientada en un reino mítico, que se iba a titular: “Oo La La”.
En octubre de 1932, Bert Kalmar, Arthur Sheekman y Harry Ruby empezaron a trabajar en el guion. Tras un primer borrador de 27 páginas, la peli había cambiado el título por “Firecrackers”. Mientras el guion se fue desarrollando, el film iba cambiando de título, primero a “Cracked Ice” y más tarde a “Grasshoppers”.
Los guionistas Nat Perrin y Grover Jones se sumaron al equipo para añadir diálogos al libreto
El 18 de enero de 1933 se presentó un guion provisional de 98 páginas. Se asignó a Herman J. Mankiewicz la supervisión de producción y Leo McCarey se haría cargo de la dirección del film. Vaya pareja de figuras, para conocer cosas del primero, os recomiendo que veais “Mank”(2020) una estupenda peli de David Fincher protagonizada por Gary Oldman, que trata entre otras cosas del momento en el que estaba escribiendo junto a Orson Welles el guion de “Ciudadano Kane”(1941). Y de Leo McCarey, directamente cogeros una caja de “kleenex” y ver “Tu y Yo” (An Affair to Remember, 1957)… peliculón
“Sopa de Ganso”, el título final de la película, fue idea de Leo McCarey que ya lo había utilizado en uno de los films que dirigió para Stan Laurel y Oliver Hardy.
En los años 30, decir en Estados Unidos que algo era sopa de ganso, se refería a hacer algo sencillo, un trabajo fácil. Lo que nosotros venimos a decir que “es pan comido”.
La verdad es que al director no le hacía mucha gracia dirigir a los Marx, porque pensaba que estaban completamente locos, pero como buen profesional terminó haciendo buenas migas con ellos y aportó algunas ideas a la película que no estaban en el guion, como la secuencia en la que Harpo y Chico simulan un robo en la casa de la Sra. Teadale o la famosa secuencia del espejo de la que hablaremos más adelante
Cuando estaba prácticamente todo preparado para comenzar el rodaje, Sam “Frenchie” Marx, el padre de los Marx, murió a causa de un ataque al corazón.
Finalmente, en junio de 1933, comenzó el rodaje en los estudios de “Paramount” en Los Angeles (California).
Uno de los mayores aciertos del film, fue recuperar a Margaret Dumont, que no había intervenido ni en “Pistoleros de Agua Dulce (Monkey Business, 1931) ni en “Plumas de Caballo”(1932), y que en “Sopa de Ganso” interpreta a la señora Teasdale en uno de esos personajes recurrentes que la actriz bordaba en muchas de las películas de los Marx. El de señora adinerada que bebe los vientos por Groucho y que este aprovecha para decirle todas las barbaridades que se le pasan por la cabeza
También tenemos en el film a uno de los mejores actores de carácter de todos los tiempos, me refiero a Louis Calhern que da vida al embajador Trentino. Aunque había comenzado su carrera a principio de los años 20 en el cine mudo, todos los cinéfilos lo recordaran por sus trabajos en papeles secundarios de muy buenas películas de los años 40 y 50 como: “Encadenados” (Notorious, 1946) de Alfred Hitchcock, “El Prisionero de Zenda”(1952) de Richard Thorpe o “Julio César”(1953) de Joseph L. Mankiewicz donde interpretaba al emperador romano
Completaron el reparto con una serie de actores pertenecientes a la vieja escuela como: Edgard Kennedy que interpreta al vendedor ambulante que junto a Chico y Harpo realiza una de las inolvidables secuencias del film; Edmund Breese en el papel del expresidente Zander, Leonid Kinsky como el agitador de Trentino o Charles B. Middleton que interpretó al fiscal y que tan solo unos años más tarde se haría muy popular interpretando al Emperador Ming en los seriales de “Flash Gordon” que hacían furor en las salas de cine entre 1936 y 1940
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| FRANCIA |
Groucho encarnó a Su Excelencia Rufus T. Firefly, presidente del gobierno de la pequeña república de Fredonia, un “cantamañanas” puesto a dedo por mediación de una millonaria. Harpo es uno de los espías de Trentino, el embajador de Sylvania, la república rival; Chico es el otro espía que por razones del destino termina siendo nombrado ministro de la guerra por Groucho y Zeppo interpretó a Bob Roland, el secretario particular de Firefly
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| ESPAÑA |
Fue la última película en la que participó Zeppo. Insatisfecho por su aportación interpretativa, el hombre estaba cansado de ser el hermano “poco gracioso”, blanco de las bromas de los demás y relegado únicamente al interés amoroso de alguna fémina si se terciaba. En “Sopa de Ganso” toda esta trama de amoríos terminó siendo desechada en la sala de montaje. Posiblemente fue la gota que colmó el vaso y Zeppo tras cinco películas se convirtió en un exitoso agente de nuevos talentos
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| GRECIA |
En el apartado técnico hay que reconocer que McCarey tuvo a su disposición a la flor y nata de “Paramount”. Empezando por la dirección artística donde contó con Hans Dreier, un tipo que en ese momento ya contaba con varias nominaciones al Oscar y que con el tiempo se convertiría en el jefe del departamento artístico del estudio. Ganó el Oscar en 3 ocasiones y su carrera está plagada de films memorables como: “Tres Lanceros Bengalíes” (The Lives of a Bengal Lancer, 1935), “Beau Geste”(1939) o “El Crepúsculo de los Dioses” (Sunset Boulevard, 1950)
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| SUECIA |
Dreier estuvo acompañado de Wiard Ihnen, uno de los mejores diseñadores de decorados de la época que colaboró con grandes directores como Josef von Sternberg, Fritz Lang o John Ford para el que realizó los decorados de “La Diligencia”(1939).
La aportación de ambos fue fundamental para escenas como la de la recepción inicial, la batalla final en las ruinas o en la del juicio que culmina con el número musical y la canción “The Country's Going to War”, la única secuencia de toda la filmografía marxiana en la que aparecen bailando los cuatro hermanos juntos
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| FRANCIA |
Como director de fotografía, McCarey contó con Henry Sharp, un veterano de la época del cine mudo responsable de la fotografía en alguno de los mejores films de Douglas Fairbanks.
El montaje se le asignó a LeRoy Stone que para esta película tuvo como asistente a un joven llamado Edward DmytryK que con el tiempo se convertiría en el famoso director de grandes películas como “El Motín del Caine”(1954) o “Lanza Rota”(1954)
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| ESPAÑA |
La secuencia del espejo es, sin duda, una de las más míticas del film. Como ya he dicho antes, se le ocurrió agregarla a Leo McCarey, un director acostumbrado a escribir guiones y gags visuales. No era una idea original suya. Era un número de vodevil que Harold Lloyd, Charles Chaplin y el maestro de todos ellos Max Linder ya habían utilizado antes. Eso sí, tal y como la planificó McCarey en el film, hay que reconocer que el resultado es insuperable.
Tras la película, este número se ha seguido replicando en infinidad de programas de cine y TV. Desde Bugs Bunny en el corto “Hare Tonic”(1945) al agente Fox Mulder en el episodio “Dreamland” de la sexta temporada de “Expediente X”(1993-2018)
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| BÉLGICA |
Poco antes del estreno de la película, se filtró a los medios de comunicación que los Marx habían utilizado el nombre de Fredonia como gentilicio del país imaginario donde iban a desarrollar sus tropelías.
El ayuntamiento de la autentica Fredonia, una pequeña ciudad en el estado de Nueva York, escribió una carta a la “Paramount” quejándose de que utilizaran ese nombre en la película y exigiendo que lo cambiaran porque podía dañar la imagen de su ciudad. Cuando se lo comunicaron a los Marx, estos escribieron una carta al ayuntamiento de Fredonia sugiriéndoles que cambiaran el nombre de la ciudad, porque podía ofender la reputación de su nueva película
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| FRANCIA |
La vista panorámica que aparece en el film del ficticio país de Sylvania, es una toma del pueblo granadino de Loja. Por lo visto, un tipo llamado Manuel Marín, vecino de esta localidad andaluza, emigró a los Estados Unidos y empezó a trabajar en la emergente industria de Hollywood. Estos pequeños trabajos hacían que frecuentara los distintos estudios y en una de sus visitas a “Paramount” conoció a Harpo Marx. Enseguida conectaron y surgió entre ellos una buena amistad, tanto es así, que decidió ayudarlo y le presentó a Groucho que era el que partía el bacalao en la empresa familiar
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| ESPAÑA |
Acababan de comenzar el rodaje de “Sopa de Ganso” y Groucho, ni corto ni perezoso, nombró al amigo Manolo “Jefe de Plató de Exteriores” del film. Realmente, un cargo bastante surrealista porque la peli se iba a filmar toda en estudio. El caso es que le pidió que buscara un sitio en Europa donde localizar el ficticio país de Sylvania ya que se necesitaba algún plano general para el film. Manolo no se comió mucho el coco y envió al cámara a su pueblo y debieron de quedarse muy satisfechos con su elección porque Manolo siguió trabajando los Marx muchos años… Y esta es la historia de por qué un pequeño pueblo de la geografía española aparece en una peli de los Marx.
Si visitáis Loja (Granada), no dejéis de ir al mirador que existe en el lugar desde el que se filmó la panorámica
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| ALEMANIA |
La película se estrenó en Estados Unidos el 17 de noviembre de 1933. Con un metraje de tan solo 70 minutos que prescindía de los clásicos interludios musicales de Chico con el piano y de Harpo con el arpa, las expectativas del estudio eran muy optimistas porque sus anteriores cuatro películas habían logrado buenas recaudaciones. La realidad es que el film estuvo muy lejos de recaudar los beneficios esperados y frases como la que Groucho suelta: “Y recuerden que mientras ustedes están ahí fuera arriesgando sus vidas entre balas y proyectiles, nosotros estaremos aquí dentro pensando lo ingenuos que son”, fueron consideradas de muy mal gusto y muy criticadas por la prensa.
En España se estrenó en marzo de 1939.
Benito Mussolini la prohibió en Italia porque pensaba que la película hacía una crítica contra su gobierno y en Alemania, donde Adolf Hitler acababa de ser nombrado canciller, casualmente, no se estrenó hasta el mes de julio de 1949
“Paramount” se encontraba económicamente en una situación de bancarrota y necesitaba encadenar un éxito tras otro y los Marx, conociendo la situación, no se fiaban ya del estudio. Abandonaron “Paramount”, Chico conoció al productor Irving G. Thalberg en una mesa de “bridge” y llegaron sus películas en Metro-Goldwyn-Mayer, “Una Noche en la Ópera”(1935), “Un Día en las Carreras”(1937), “Una Tarde en el Circo” (At the Circus, 1939)… pero eso señoras y señores es ya, otra historia.
En fin, "Sopa de Ganso" es una película adelantada a su tiempo. En 1933 cuando se estrenó, el presidente Franklin Delano Roosevelt acababa de llegar al poder y el país se encontraba económicamente arruinado. Era la llamada época de entreguerras y este film fue un atrevimiento que la gente no entendió porque una cosa tan seria como la guerra o la política, no se podía acometer con tanto cinismo y cachondeo. De hecho, parece increíble que en aquella época hubiera tanta libertad para hacer ciertas cosas en las pelis.
Esta es, sin lugar a dudas, la película más políticamente incorrecta de toda su filmografía. Con una ausencia absoluta de diplomacia, Groucho y sus hermanos nos proponen una devastadora sátira sobre la política, mostrando como cualquier caradura con algo de ambición puede hacer carrera aprovechándose de la buena fe de sus conciudadanos. Vamos que la política en manos de un insensato es un peligro. Sin apenas darte cuenta puedes pasar de un gobierno democrático a una dictadura totalitaria. Algo que viendo como está el patio en Estados Unidos, me sigue pareciendo un asunto de rabiosa actualidad.
Hasta la próxima
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