martes, 28 de julio de 2026
LA LEYENDA DEL INDOMABLE (Cool Hand Luke, 1967)
CARTELERÍA
Donn Pearce nació en 1928 en el estado de Pensilvania y con tan solo 15 años se fugó de casa para alistarse al ejército. Después de mentir sobre su edad para que lo admitieran, desertó y fue capturado, arrestado y expulsado. Tras esta experiencia fallida se enroló en la Marina Mercante donde viajando por Europa, no tardó en meterse en líos involucrándose en la falsificación de dólares. Aquí también lo pillaron, lo juzgaron y lo encarcelaron, pero logró fugarse y volver a los Estados Unidos donde empezó a desbalijar cajas fuertes hasta que un juez lo condenó a dos años de trabajos forzados en el correccional de Florida. Tenía por aquel entonces 20 años
Esta dura experiencia consiguió que sentara la cabeza y años más tarde, el delincuente Pearce se convirtió en un escritor de prestigio que aprovechando sus vivencias en la cuerda de presos, escribió una novela titulada “Cool Hand Luke”
Publicada en 1965, la novela, rápidamente vendió los derechos para ser adaptada al cine.
“Jalem Productions”, la productora de Jack Lemmon, que acababa de producir “La Carrera del Siglo”( The Great Race, 1965), pagó al escritor 65.000$ para hacer una película que protagonizaría Lemmon y sería distribuida por “Columbia Pictures”, pero este proyecto nunca llegó a realizarse porque tras leer el guion, Jack Lemmon, pensó que prefería que su empresa produjera el film y que otro actor protagonizara la cinta
Y ese otro actor iba a ser Paul Newman que tras leer la novela de Pearce, ni tan siquiera tuvo que leer el guion de la película para saber que ahí había buen material para trabajar.
“Columbia Pictures” se borró del proyecto y “Warner Bros.” apareció en escena para encargarse de la distribución de la peli.
El productor Gordon Carroll, que años más tarde alcanzaría gran éxito por producir “Alien: El Octavo Pasajero”(1979) y sus secuelas, fue el encargado del proyecto
Para confeccionar el guion, llamaron a Frank Pierson, un prestigioso guionista futuro ganador del Oscar por su estupendo libreto para el film de Sidney Lumet “Tarde de Perros”(1975). También contrataron a Donn Pearce, el autor de la novela, que cobró 15.000$ por co-escribir el primer borrador.
Los últimos retoques al guion los hicieron con la participación del neoyorquino Hal Dresner que aunque no aparece en los créditos, sí que aportó algunos cambios en la estructura del film.
La famosa frase de la peli: “Lo que tenemos aquí es falta de comunicación”, no aparece en la novela, se le ocurrió a Frank Pierson y Donn Pearce, la detestaba
Stuart Rosenberg llevaba más de 10 años dirigiendo trabajos para la TV en series como “Alfred Hitchcock presenta”(1955-1962), “Los Intocables”(1959-1963) o “La Ciudad Desnuda”(1958-1963), cuando fue elegido para dirigir la película.
En la pantalla grande, había debutado en un film de gansters protagonizado por Stuart Whitman y Peter Falk, titulado “El Sindicato del Crimen” (Murder, Inc., 1960), pero por alguna razón fue despedido por el productor Burt Balaban, quien terminó de dirigirla
Antes de comenzar el rodaje, los actores se sometieron a dos semanas de ensayos. En un principio, los exteriores se iban a filmar en Florida, el lugar donde se desarrolla la acción en la novela, pero para reducir el presupuesto, “La Warner” decidió que se rodaría en California, concretamente en Stockton y el área circundante de San Joaquín en el delta del río Sacramento
Un equipo capitaneado por el director artístico Cary Odell, responsable de esta faceta en estupendas películas como “De Aquí a la Eternidad”(1953) y “El Motín del Caine”(1954) construyó un campo de prisioneros basándose en la granja-prisión de Tavares en Florida descrita en la novela.
Para ello, levantaron una docena de edificios, entre ellos: un cuartel, las oficinas, el despacho del alcaide, el comedor, las casetas de vigilancia, las perreras… y hasta los árboles, que se ornamentaron con musgo español
Contaron con un presupuesto de 3.200.000$ para un rodaje realizado entre el 3 de octubre y el 14 de diciembre de 1966.
Rosenberg que quería que los actores interiorizaran la realidad de lo que era estar condenado a trabajos forzados en una cuerda de presos, prohibió durante el rodaje la presencia de novias, amigas y esposas de todo el personal
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| ALEMANIA |
La estupenda fotografía del film fue obra de Conrad L. Hall que había trabajado sin acreditar como cámara en films como “Las Aventuras de Huckleberry Finn”(1960) o “Rebelión a Bordo” (Mutiny on the Bounty, 1962) y que en muy poco tiempo iba a ganar su primer Oscar por “Dos Hombres y Un Destino” (Butch Cassidy and The Sundace Kid, 1969).
El montaje corrió a cargo de Sam O’Steen, habitual colaborador de Roman Polansky en films como: “La Semilla del Diablo” (Rosemary’sBaby, 1968) y “Chinatown”(1974)
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| FRANCIA |
Uno de los actores que audicionó para hacerse con el personaje de Dragline, fue Aldo Ray, pero tanto el productor Gordon Carroll como Rosenberg querían a Telly Savalas para el papel.
Savalas en ese momento se encontraba en Europa filmando “Doce del Patíbulo” (The Dirty Dozen, 1967), además no paraba de trabajar en series de TV como “El Agente de Cipol” (The Man from U.N.C.L.E., 1964-1968) y decidió no acudir a su audición.
George Kennedy, compañero de Telly Savalas en el film de Robert Aldrich, se enteró de que Savalas no iba a acudir, se metió en un avión, se presentó a la audición y consiguió el papel que iba a cambiar toda su carrera
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| CANADÁ |
El reparto se completó con muy buenos actores de carácter como Strother Martin, que dio vida al pérfido alcaide de la prisión en uno de esos papeles que le iban como anillo al dedo, un personaje que de algún modo le abrió grandes posibilidades para sus siguientes trabajos. Todo un veterano que los cinéfilos recordaran por sus trabajos con Sam Peckinpah en films como “Grupo Salvaje”(1969) o también en algunas películas de John Wayne como “El Hombre que mató a Liberty Valance” (1962) o “Valor de Ley”(1969)
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| HUNGRÍA |
Tenemos también a J.D. Cannon, que muchos recordaréis por su papel en la serie televisiva “McCloud”(1970-1977) donde interpretaba al jefe del protagonista.
Clifton James, el inolvidable sheriff J.W. Pepper, en las primeras pelis de Roger Moore interpretando a James Bond, también aparece en el film.
El veterano Morgan Woodward interpretó al jefe Godfrey, icónico personaje que sin decir una palabra queda grabado en el subconsciente de todo el que ve la película. El actor describió su personaje como un “Mefistófeles ambulante”. Cuentan que no dejaba el personaje ni en los descansos. Entre escena y escena, se sentaba en una silla con sus gafas de sol de espejo y no hablaba con nadie
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| ITALIA |
Mención especial para Jo Van Fleet que interpreta a la madre de Luke. La actriz, había ganado ya el Oscar en su debut cinematográfico interpretando a la madre de James Dean en “Al Este del Edén”(1955) y era toda una veterana con un gran bagaje profesional tanto en teatro como en cine y TV. Un papel que en un principio se lo ofrecieron a Bette Davis pero lo rechazó.
Entre el resto del reparto, los cinéfilos más entrenados, descubrirán también a Dennis Hopper, Harry Dean Stanton y un debutante Anthony Zerbe
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| ESPAÑA |
Fue Harry Dean Stanton el que enseñó a Paul Newman a tocar la canción “Plastic Jesus”. Originalmente, esta escena estaba programada para los primeros días de rodaje, pero Newman le insistió al director con que sería capaz de aprender a tocar el banjo y de cantar la canción, así que Rosemberg retrasó la filmación unas semanas. Cuando la rodaron, la secuencia no fue del gusto del director y le dijo a Newman que la filmarían doblándole en playback, lo que hizo que se montara la de Dios es Cristo en el set.
Para el actor era muy importante ser capaz de cantar y tocar esa melodía puesto que era un perfeccionista que necesitaba sentir la escena para poder interpretarla. Finalmente, esta emotiva secuencia se filmó el penúltimo día de rodaje y cuando terminó, Newman insistió en que podía hacerlo mejor, a lo que Rosenberg le contesto: “Nadie podría hacerlo mejor, Paul”
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| SUECIA |
La inolvidable secuencia del lavado del coche, con Joy Harmon y el cupé DeSoto de 1941, se filmó solo con la actriz, sin estar en ese momento los actores cavando delante. Eso obligó a los actores a usar su imaginación mientras filmaron la secuencia por separado. La magia del montaje, hizo el resto.
Cuenta George Kennedy que el rodaje con la voluptuosa chica estaba programado para hacerse en media jornada de un día pero que se demoró durante tres días. Riendo, el actor comentó: “En algún lugar…¡hay 18.000 metros de película con Joy Harmon lavando ese coche!”.
A la actriz, descubierta por Groucho Marx, siempre le sorprendió que esa breve secuencia fuera lo único que la gente recordaba de toda su carrera
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| JAVIER |
La secuencia más famosa del film es sin duda, la de los huevos duros. Para filmarla, se suministraron 200 huevos cocidos. Gracias también a la magia del montaje, Paul Newman tan solo tuvo que comerse 8, los restantes se los comieron entre el equipo y los actores provocando algún que otro problema de flatulencia en el set.
Si os fijáis, esa secuencia termina con Luke recostado en una mesa en una postura de crucifixión, cosa que tiene su lógica puesto que durante el film, encontramos muchas alusiones al cristianismo
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| UCRANIA |
Y es que Rosenberg hace de Luke un remedo de Jesucristo. Sin mostrarlo directamente pero si dejando caer innumerables pistas durante el metraje.
El número de preso que lleva Luke (Lucas) es el 37, posiblemente una referencia bíblica del Evangelio de Lucas 1:37: “Porque para Dios, nada es imposible”. También la fotografía de Luke con las dos chicas que después de rota es reparada visiblemente con otra cruz. Y por si fuera poco, se puede decir que hasta el personaje de George Kennedy, al final se convierte en su apostol. Vamos que Luke lucha contra la opresión con acciones y palabras, representa la esperanza para el conjunto de presos y antes de su llegada las vidas de todos ellos eran insustanciales y carentes de espíritu.
Y todo esto, Rosenberg no lo hace para ensalzar la religión, sino para hacer una dura crítica de ella, diciéndonos que no hace falta ser hijo de un dios para dar esperanzas a la gente
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| CHECOSLOVAQUIA |
El género carcelario nos ha proporcionado un buen número de peliculones, por citar solo media docena: “El Hombre de Alcatraz” (Birdman of Alcatraz, 1962) de John Frankenheimer, “Papillon”(1973) de Franklin J. Schaffner , “El Expreso de Medianoche”(1978) de Alan Parker, “Fuga de Alcatraz”(1979) de Don Siegel, “Brubaker”(1980) otra gran película de Stuart Rosenberg y “Cadena Perpetua” (The Shawshank Redemption, 1994) de Frank Darabont.
Y si ya lo unimos con el subgénero bélico-carcelario, es inevitable no acordarse de películas como: “Traidor en el Infierno” (Stalag 17, 1953) de Billy Wilder, “El Puente sobre el Río Kwai”(1957) de David Lean y “La Gran Evasión”(1963) de John Sturges
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| JAPÓN |
“La Leyenda del Indomable” cuenta con una extraordinaria banda sonora a cargo del compositor argentino Lalo Schifrin. Un músico que alcanzó fama mundial tras componer el tema principal de la serie “Misión Imposible”(1966-1973), una de las melodías más populares de la TV, que más tarde pasaría al cine acompañando los films sobre esta serie protagonizados por Tom Cruise.
Para la película, Schifrin compuso una partitura repleta de bellas melodías con tintes jazzísticos mezclados con pasajes de folk sureño. Muy en la línea de sus composiciones en films como: “Bullit”(1968), “Los Violentos de Kelly” (Kelly’s Heroes, 1970) o toda la saga de “Harry El Sucio”(1971).
La banda sonora se completa con algunas canciones populares interpretadas por el actor Harry Dean Stanton
El estreno en Estados Unidos fue el 1 de noviembre de 1967. En España se estrenó el 20 de enero de 1969.
Paul Newman cobró un salario de algo más de 750.000$.
El film obtuvo 4 nominaciones al Oscar: A la mejor partitura, guion adaptado, actor de reparto y actor principal. Solo George Kennedy ganó el Oscar como mejor actor de reparto. Era la cuarta vez que nominaban a Newman para el Oscar y esta vez, tampoco lo ganó.
En fin, ambientada a principio de los años 50, la peli de Stuart Rosenberg es, sin ninguna duda, uno de los mejores films de toda su carrera; uno de los mejores dramas carcelarios de la Historia del Cine y una de las películas fundamentales en la carrera de Paul Newman, un actor al que la crítica, en ese momento, siempre lo estaba esperando con la escopeta cargada. En su anterior película “Un Hombre”(1967), un extraordinario western de Martin Ritt, la crítica machacó al actor de mala manera. Su papel en “La Leyenda del Indomable” y el enorme éxito de taquilla alcanzado con una recaudación mundial de más de 32.000.000$, originó que la crítica a partir de ese momento se diera cuenta de que no estaba ante un actor más, sino ante uno que se estaba convirtiendo en una de las indiscutibles estrellas del 7º arte
Hasta la próxima
domingo, 26 de julio de 2026
jueves, 25 de junio de 2026
SOPA DE GANSO (Duck Soup, 1933)
CARTELERÍA
“Plumas de Caballo”(1932), la cuarta película que los hermanos Marx hicieron para la “Paramount” fue la película más taquillera del estudio ese año. Así que había que aprovechar el momento de popularidad logrado y rápidamente preparar un nuevo film
En un principio, la nueva película se anunció que sería dirigida por el prestigioso director berlinés Ernst Lubitsch, pero una serie de problemas retrasaron el inicio del rodaje y cuando por fin arrancó la producción, Lubitsch estaba ya enfrascado en la filmación de “Una Mujer para Dos” (Design for Living, 1933).
"Paramount" en esos momentos atravesaba un mal momento financiero. Bueno, "Paramount" y el mundo entero. La crisis financiera de 1929 había hecho estragos y los Estados Unidos estaban inmersos en el periodo conocido como “La Gran Depresión”. Paramount debía dinero a los Marx por porcentajes de taquilla generados por sus películas y como no pagaba, los Marx amenazaron con abandonar el estudio y no hacer esa quinta película que tenían por contrato
Adolph Zukor, el mandamás de "Paramount", terminó pagando y se dio luz verde a la producción. Una película, ambientada en un reino mítico, que se iba a titular: “Oo La La”.
En octubre de 1932, Bert Kalmar, Arthur Sheekman y Harry Ruby empezaron a trabajar en el guion. Tras un primer borrador de 27 páginas, la peli había cambiado el título por “Firecrackers”. Mientras el guion se fue desarrollando, el film iba cambiando de título, primero a “Cracked Ice” y más tarde a “Grasshoppers”.
Los guionistas Nat Perrin y Grover Jones se sumaron al equipo para añadir diálogos al libreto
El 18 de enero de 1933 se presentó un guion provisional de 98 páginas. Se asignó a Herman J. Mankiewicz la supervisión de producción y Leo McCarey se haría cargo de la dirección del film. Vaya pareja de figuras, para conocer cosas del primero, os recomiendo que veais “Mank”(2020) una estupenda peli de David Fincher protagonizada por Gary Oldman, que trata entre otras cosas del momento en el que estaba escribiendo junto a Orson Welles el guion de “Ciudadano Kane”(1941). Y de Leo McCarey, directamente cogeros una caja de “kleenex” y ver “Tu y Yo” (An Affair to Remember, 1957)… peliculón
“Sopa de Ganso”, el título final de la película, fue idea de Leo McCarey que ya lo había utilizado en uno de los films que dirigió para Stan Laurel y Oliver Hardy.
En los años 30, decir en Estados Unidos que algo era sopa de ganso, se refería a hacer algo sencillo, un trabajo fácil. Lo que nosotros venimos a decir que “es pan comido”.
La verdad es que al director no le hacía mucha gracia dirigir a los Marx, porque pensaba que estaban completamente locos, pero como buen profesional terminó haciendo buenas migas con ellos y aportó algunas ideas a la película que no estaban en el guion, como la secuencia en la que Harpo y Chico simulan un robo en la casa de la Sra. Teadale o la famosa secuencia del espejo de la que hablaremos más adelante
Cuando estaba prácticamente todo preparado para comenzar el rodaje, Sam “Frenchie” Marx, el padre de los Marx, murió a causa de un ataque al corazón.
Finalmente, en junio de 1933, comenzó el rodaje en los estudios de “Paramount” en Los Angeles (California).
Uno de los mayores aciertos del film, fue recuperar a Margaret Dumont, que no había intervenido ni en “Pistoleros de Agua Dulce (Monkey Business, 1931) ni en “Plumas de Caballo”(1932), y que en “Sopa de Ganso” interpreta a la señora Teasdale en uno de esos personajes recurrentes que la actriz bordaba en muchas de las películas de los Marx. El de señora adinerada que bebe los vientos por Groucho y que este aprovecha para decirle todas las barbaridades que se le pasan por la cabeza
También tenemos en el film a uno de los mejores actores de carácter de todos los tiempos, me refiero a Louis Calhern que da vida al embajador Trentino. Aunque había comenzado su carrera a principio de los años 20 en el cine mudo, todos los cinéfilos lo recordaran por sus trabajos en papeles secundarios de muy buenas películas de los años 40 y 50 como: “Encadenados” (Notorious, 1946) de Alfred Hitchcock, “El Prisionero de Zenda”(1952) de Richard Thorpe o “Julio César”(1953) de Joseph L. Mankiewicz donde interpretaba al emperador romano
Completaron el reparto con una serie de actores pertenecientes a la vieja escuela como: Edgard Kennedy que interpreta al vendedor ambulante que junto a Chico y Harpo realiza una de las inolvidables secuencias del film; Edmund Breese en el papel del expresidente Zander, Leonid Kinsky como el agitador de Trentino o Charles B. Middleton que interpretó al fiscal y que tan solo unos años más tarde se haría muy popular interpretando al Emperador Ming en los seriales de “Flash Gordon” que hacían furor en las salas de cine entre 1936 y 1940
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| FRANCIA |
Groucho encarnó a Su Excelencia Rufus T. Firefly, presidente del gobierno de la pequeña república de Fredonia, un “cantamañanas” puesto a dedo por mediación de una millonaria. Harpo es uno de los espías de Trentino, el embajador de Sylvania, la república rival; Chico es el otro espía que por razones del destino termina siendo nombrado ministro de la guerra por Groucho y Zeppo interpretó a Bob Roland, el secretario particular de Firefly
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| ESPAÑA |
Fue la última película en la que participó Zeppo. Insatisfecho por su aportación interpretativa, el hombre estaba cansado de ser el hermano “poco gracioso”, blanco de las bromas de los demás y relegado únicamente al interés amoroso de alguna fémina si se terciaba. En “Sopa de Ganso” toda esta trama de amoríos terminó siendo desechada en la sala de montaje. Posiblemente fue la gota que colmó el vaso y Zeppo tras cinco películas se convirtió en un exitoso agente de nuevos talentos
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| GRECIA |
En el apartado técnico hay que reconocer que McCarey tuvo a su disposición a la flor y nata de “Paramount”. Empezando por la dirección artística donde contó con Hans Dreier, un tipo que en ese momento ya contaba con varias nominaciones al Oscar y que con el tiempo se convertiría en el jefe del departamento artístico del estudio. Ganó el Oscar en 3 ocasiones y su carrera está plagada de films memorables como: “Tres Lanceros Bengalíes” (The Lives of a Bengal Lancer, 1935), “Beau Geste”(1939) o “El Crepúsculo de los Dioses” (Sunset Boulevard, 1950)
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| SUECIA |
Dreier estuvo acompañado de Wiard Ihnen, uno de los mejores diseñadores de decorados de la época que colaboró con grandes directores como Josef von Sternberg, Fritz Lang o John Ford para el que realizó los decorados de “La Diligencia”(1939).
La aportación de ambos fue fundamental para escenas como la de la recepción inicial, la batalla final en las ruinas o en la del juicio que culmina con el número musical y la canción “The Country's Going to War”, la única secuencia de toda la filmografía marxiana en la que aparecen bailando los cuatro hermanos juntos
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| FRANCIA |
Como director de fotografía, McCarey contó con Henry Sharp, un veterano de la época del cine mudo responsable de la fotografía en alguno de los mejores films de Douglas Fairbanks.
El montaje se le asignó a LeRoy Stone que para esta película tuvo como asistente a un joven llamado Edward DmytryK que con el tiempo se convertiría en el famoso director de grandes películas como “El Motín del Caine”(1954) o “Lanza Rota”(1954)
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| ESPAÑA |
La secuencia del espejo es, sin duda, una de las más míticas del film. Como ya he dicho antes, se le ocurrió agregarla a Leo McCarey, un director acostumbrado a escribir guiones y gags visuales. No era una idea original suya. Era un número de vodevil que Harold Lloyd, Charles Chaplin y el maestro de todos ellos Max Linder ya habían utilizado antes. Eso sí, tal y como la planificó McCarey en el film, hay que reconocer que el resultado es insuperable.
Tras la película, este número se ha seguido replicando en infinidad de programas de cine y TV. Desde Bugs Bunny en el corto “Hare Tonic”(1945) al agente Fox Mulder en el episodio “Dreamland” de la sexta temporada de “Expediente X”(1993-2018)
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| BÉLGICA |
Poco antes del estreno de la película, se filtró a los medios de comunicación que los Marx habían utilizado el nombre de Fredonia como gentilicio del país imaginario donde iban a desarrollar sus tropelías.
El ayuntamiento de la autentica Fredonia, una pequeña ciudad en el estado de Nueva York, escribió una carta a la “Paramount” quejándose de que utilizaran ese nombre en la película y exigiendo que lo cambiaran porque podía dañar la imagen de su ciudad. Cuando se lo comunicaron a los Marx, estos escribieron una carta al ayuntamiento de Fredonia sugiriéndoles que cambiaran el nombre de la ciudad, porque podía ofender la reputación de su nueva película
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| FRANCIA |
La vista panorámica que aparece en el film del ficticio país de Sylvania, es una toma del pueblo granadino de Loja. Por lo visto, un tipo llamado Manuel Marín, vecino de esta localidad andaluza, emigró a los Estados Unidos y empezó a trabajar en la emergente industria de Hollywood. Estos pequeños trabajos hacían que frecuentara los distintos estudios y en una de sus visitas a “Paramount” conoció a Harpo Marx. Enseguida conectaron y surgió entre ellos una buena amistad, tanto es así, que decidió ayudarlo y le presentó a Groucho que era el que partía el bacalao en la empresa familiar
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| ESPAÑA |
Acababan de comenzar el rodaje de “Sopa de Ganso” y Groucho, ni corto ni perezoso, nombró al amigo Manolo “Jefe de Plató de Exteriores” del film. Realmente, un cargo bastante surrealista porque la peli se iba a filmar toda en estudio. El caso es que le pidió que buscara un sitio en Europa donde localizar el ficticio país de Sylvania ya que se necesitaba algún plano general para el film. Manolo no se comió mucho el coco y envió al cámara a su pueblo y debieron de quedarse muy satisfechos con su elección porque Manolo siguió trabajando los Marx muchos años… Y esta es la historia de por qué un pequeño pueblo de la geografía española aparece en una peli de los Marx.
Si visitáis Loja (Granada), no dejéis de ir al mirador que existe en el lugar desde el que se filmó la panorámica
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| ALEMANIA |
La película se estrenó en Estados Unidos el 17 de noviembre de 1933. Con un metraje de tan solo 70 minutos que prescindía de los clásicos interludios musicales de Chico con el piano y de Harpo con el arpa, las expectativas del estudio eran muy optimistas porque sus anteriores cuatro películas habían logrado buenas recaudaciones. La realidad es que el film estuvo muy lejos de recaudar los beneficios esperados y frases como la que Groucho suelta: “Y recuerden que mientras ustedes están ahí fuera arriesgando sus vidas entre balas y proyectiles, nosotros estaremos aquí dentro pensando lo ingenuos que son”, fueron consideradas de muy mal gusto y muy criticadas por la prensa.
En España se estrenó en marzo de 1939.
Benito Mussolini la prohibió en Italia porque pensaba que la película hacía una crítica contra su gobierno y en Alemania, donde Adolf Hitler acababa de ser nombrado canciller, casualmente, no se estrenó hasta el mes de julio de 1949
“Paramount” se encontraba económicamente en una situación de bancarrota y necesitaba encadenar un éxito tras otro y los Marx, conociendo la situación, no se fiaban ya del estudio. Abandonaron “Paramount”, Chico conoció al productor Irving G. Thalberg en una mesa de “bridge” y llegaron sus películas en Metro-Goldwyn-Mayer, “Una Noche en la Ópera”(1935), “Un Día en las Carreras”(1937), “Una Tarde en el Circo” (At the Circus, 1939)… pero eso señoras y señores es ya, otra historia.
En fin, "Sopa de Ganso" es una película adelantada a su tiempo. En 1933 cuando se estrenó, el presidente Franklin Delano Roosevelt acababa de llegar al poder y el país se encontraba económicamente arruinado. Era la llamada época de entreguerras y este film fue un atrevimiento que la gente no entendió porque una cosa tan seria como la guerra o la política, no se podía acometer con tanto cinismo y cachondeo. De hecho, parece increíble que en aquella época hubiera tanta libertad para hacer ciertas cosas en las pelis.
Esta es, sin lugar a dudas, la película más políticamente incorrecta de toda su filmografía. Con una ausencia absoluta de diplomacia, Groucho y sus hermanos nos proponen una devastadora sátira sobre la política, mostrando como cualquier caradura con algo de ambición puede hacer carrera aprovechándose de la buena fe de sus conciudadanos. Vamos que la política en manos de un insensato es un peligro. Sin apenas darte cuenta puedes pasar de un gobierno democrático a una dictadura totalitaria. Algo que viendo como está el patio en Estados Unidos, me sigue pareciendo un asunto de rabiosa actualidad.
Hasta la próxima
lunes, 15 de junio de 2026
miércoles, 27 de mayo de 2026
AMADEUS (Amadeus, 1984)
CARTELERÍA
Wolfgang Amadeus Mozart es, sin ninguna duda, uno de los músicos más populares de la Historia. Sobre él, se han escrito cientos de obras narrando su vida, exaltando su contribución a la música clásica y especulando sobre su muerte con tan solo 35 años. Esta temprana muerte, hizo nacer en el siglo XIX, la leyenda de que Mozart había sido asesinado por Antonio Salieri, que motivado por la envidia que sentía por su talento decidió envenenarlo.
Una leyenda cuyo argumento ha dado pie a un buen número de obras
El 2 de noviembre de 1979, se estrenaba en Londres una obra de teatro titulada “Amadeus” escrita por Peter Shaffer, un dramaturgo que había alcanzado ya el reconocimiento de la crítica y del público gracias a “Equus” otra obra suya que ya había sido llevada al cine en 1977 por Sidney Lumet
A una de las representaciones asistió el director de cine Milos Forman que tras ver el primer acto, le comentó al autor que si el segundo acto era tan bueno como el primero, conseguiría financiación para hacer una película
Tras el éxito obtenido en Londres, la obra se estrenó en Broadway el 17 de diciembre de 1980. Estuvo protagonizada por Ian McKellen y Tim Curry, alcanzó 1181 representaciones y ganó el Tony a la mejor obra de ese año.
La única propuesta que obtuvo llevaba la condición de que Mozart fuera interpretado por Walter Matthau, pero Forman ni se lo planteó porque el actor tenía más de 60 años y Mozart solo vivió 35.
Finalmente, Forman acudió al productor Saul Zaent, con el que ya había trabajado en “Alguien voló sobre el nido del cuco”(1975), que aceptó hacerse cargo del proyecto.
Saul Zaent tan solo produjo 9 películas en toda su vida, pero su filmografía cuenta con autenticas joyitas como “La costa de los mosquitos”(1986), “Jugando en los campos del Señor”(1991) o “El paciente inglés”(1996)
En febrero de 1982, Shaffer se instaló en la granja que Milos Forman tenía en Connecticut para empezar a escribir el guion. Nadie mejor que el autor de la obra teatral para hacerse cargo del guion de la película. En 4 meses tenían el libreto terminado. Habían agregado personajes, ampliado el papel de Mozart y reelaborado los monólogos de Salieri además de incluir todas las piezas musicales que se iban a mostrar en el film y que no existían en el montaje teatral
Buscar a los dos actores que se hicieran cargo de los personajes de Mozart y Salieri fue una labor titánica.
En un principio, un casi desconocido Kenneth Branagh iba a interpretar a Mozart y el papel de Salieri iba a recaer en el veterano Ben Kingsley que acababa de ganar el Oscar por su trabajo en “Gandhi”(1982), pero Milos Forman quería para estos dos personajes a actores norteamericanos.
La lista de actores que audicionaron para hacerse con estos dos personajes fue muy extensa y curiosa
Para el personaje de Mozart, probaron con Mel Gibson, Mick Jagger, Peter MacNicol y Tim Curry. Sam Waterston, David Bowie y el bailarín Mikhail Baryshnikov también fueron considerados para el papel.
Mark Hamill, el Luke Skywalker de “La guerra de las galaxias” (Star Wars, 1977) que había sustituido a Tim Curry durante las representaciones de la obra de teatro en Broadway, habló con Milos Forman para conseguir el papel, pero el director le dijo que nadie creería en un Mozart con la cara de Luke Skywalker y ni se planteó el darle el papel. El enorme éxito obtenido por el film de George Lucas, siempre fue un auténtico lastre para la futura carrera del actor.
Tom Hulce, que era prácticamente un desconocido y en cine había aparecido en “Desmadre a la americana” (National Lampoon's Animal House, 1978) y poco más, se hizo con el papel de su vida. Su creación de Mozart en “Amadeus” perdurará para siempre en la memoria de cualquier cinéfilo
Las primeras opciones para interpretar a Antonio Salieri fueron John Savage, Burt Reynolds y Donald Sutherland que llegó a audicionar para conseguir el papel.
F. Murray Abraham era uno de los muchos actores que se presentaron al casting para conseguir algún papel en la película. Durante una de las sesiones de lectura del libreto, Milos Forman le pidió que leyera el texto de Salieri, su lectura fue tan buena que el director decidió darle el papel
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| POLONIA |
Abraham llevaba ya una larga trayectoria como actor de teatro; además era un magnífico actor de doblaje, pero en el cine, aunque había trabajado en buenas películas como “Serpico”(1973) o “Todos los hombres del presidente”(1976) siempre había sido desempeñando pequeños papeles. De hecho, por aquel entonces, estaba trabajando en el film de Brian De Palma “El precio del poder” (Scarface, 1983) y ni que decir tiene que cuando comunicó a sus compañeros que había conseguido el personaje de Salieri en “Amadeus” su prestigio subió muchos enteros. En ese momento, en Hollywood, era uno de los papeles más codiciados.
Para interpretar a Salieri, el actor aprendió a tocar el piano y a dirigir música. Además, para caracterizar su aspecto anciano, estaba en manos de los maquilladores cuatro horas y media diarias
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| CHECOSLOVAQUIA |
Tom Hulce sabía tocar la guitarra, pero Forman lo puso a estudiar piano durante 6 meses a una media de 4 horas al día. El actor ensayaba con su maestro todas las piezas de Mozart que aparecen en el film. Mientras se filmaban las escenas, la música pregrabada era reproducida de fondo y el actor tocaba en playback.
En cuanto a la odiosa risa de Amadeus, fue Milos Forman quien le pidió al actor que ideara algo esperpéntico para darle un toque más estrafalario a su personaje… Y vaya si lo consiguió. Mucha gente piensa que es la risa más odiosa del 7º arte.
También estudió imágenes de las rabietas de John McEnroe en las pistas de tenis para incorporar al personaje aspectos más ridículos y extravagantes
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| COREA |
Tom Hulce y F. Murray Abraham mantuvieron, al igual que sus personajes en el film, una relación distante durante todo el rodaje. Tomaron esa decisión porque les ayudaba más a meterse en sus papeles. Aun así, ambos se ayudaron mutuamente en sus interpretaciones.
Mientras rodaban la secuencia en la que Amadeus moribundo está dictando a Salieri el “Requiem”, Hulce olvidaba deliberadamente partes de su texto desconcertando a Abraham y acrecentando con eso el efecto de confusión que requería la secuencia.
Inolvidable la secuencia en la que Salieri, hombre creyente y temeroso de Dios, muestra al emperador la pieza de piano que le ha escrito y por una de esas casualidades del destino, aparece Amadeus por la corte en ese momento y tras oír la música decide hacerle unos retoques. Las caras de F. Murray Abraham, que considera a Amadeus un tipo moralmente mediocre, no tienen desperdicio. Salieri, en el fondo de su ser, lo que realmente siente es envidia por el don que el Señor le ha dado a un ser que para él es poco más que un mono de feria
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| ESPAÑA |
Milos Forman quería para interpretar el personaje de Constance a Amy Irving, la actriz que lo había interpretado en Broadway, pero Irving no estaba dispuesta a enrolarse en un rodaje de 6 meses en Praga y rechazó el ofrecimiento.
Tras esta negativa probaron con Rebecca de Mornay, Elizabeth McGovern, Diane Franklin, Elizabeth Berridge y Meg Tilly que fue la elegida para interpretar a la esposa de Amadeus; pero la actriz el día antes de empezar el rodaje, se rompió el ligamento de la pierna jugando un partido de futbol callejero y se quedó fuera del proyecto. Finalmente fue Elizabeth Berridge quien terminó interpretando a Constance Mozart.
Roy Dotrice (Leopold Mozart), Simon Callow (Emanuel Schikaneder), Jeffrey Jones (Emperador Joseph II), Christine Ebersole (Katerina Cavalieri) y el veterano Charles Kay (Conde Orsini-Rosenberg) completan el reparto principal
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| ALEMANIA |
El rodaje se prolongó durante 6 meses entre el 31 de enero y el 20 de julio de 1983 en Checoslovaquia. Prácticamente todo se realizó en Praga. Milos Forman que era de origen checoslovaco, eligió Praga porque la ciudad, que permanecía desde hacía mucho bajo un régimen comunista, no había evolucionado apenas y bastaba con echar tierra en las calles y quitar las farolas para que se asemejara mucho a Viena en el siglo XVIII que es donde se desarrolla la acción de la película
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| REINO UNIDO |
Tanto el Gobierno checo como el Ministerio de Cultura dieron todo tipo de facilidades a la producción cediendo todas las localizaciones necesarias. Forman tuvo a su disposición 6 palacios completamente amueblados con antigüedades auténticas; también el “Teatro Tyl”, anteriormente conocido como “Teatro de los Estados” donde Milos Forman tuvo el lujo de poder filmar allí las escenas de la ópera “Don Giovanni”, el lugar original donde Mozart había estrenado su obra en 1787 y que se encontraba prácticamente igual que entonces.
Gracias a esto, en los estudios Barrandov de Praga tan solo tuvieron que construir 4 decorados: la habitación de hospital de Salieri, el apartamento de Amadeus, una escalera y el teatro popular de Emanuel Schikaneder, con capacidad para 700 personas y donde entre otras secuencias se filmó la parodia de “La flauta mágica”
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| POLONIA |
El presupuesto del film, que en un principio se estimó en unos 13.000.000$ se fue hasta los 18.000.000$.
En pelucas nada más, se gastaron 500.000$, eso sí, necesitaron para todo el rodaje, más de mil quinientas.
Milos Forman acordó con Miroslav Ondříček, su director de fotografía que para mantener la autenticidad de la época, rodarían todo el film con luz natural. Todas las secuencias en la sala de conciertos, estaba iluminada únicamente con velas, así que para tener suficiente abastecimiento contrataron durante meses, toda la producción de una fábrica cercana.
El diseño de producción corrió a cargo de la americana Patrizia von Brandenstein, colaboradora habitual de Milos Forman y que cuenta en su filmografía con películas tan interesantes como “Los intocables de Eliot Ness”(1987) o “Armas de mujer” (Working girl, 1988)
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| ITALIA |
Durante los seis meses que duró el rodaje, Milos Forman, considerado por unos un traidor por huir a América y por otros un héroe local por haberse rebelado contra el régimen comunista, estuvo estrechamente vigilado por la policía secreta. Las escenas de la representación de Don Giovanni, se rodaron el 4 de julio (el Día de la Independencia de EE.UU.), durante una de las tomas, cuando Forman gritó ¡Acción!, se desplegó una enorme bandera estadounidense desde el techo del teatro y 500 extras se pusieron de pie y empezaron a cantar el conocido “The star spangled banner”. Más de 30 extras permanecieron sentados con cara de no saber lo que estaba pasando. Se presume que todos ellos eran miembros de la StB, la policía secreta checa, el principal instrumento de represión del régimen
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| KEVIN TONG |
El director de orquesta británico Neville Marriner, todo un experto de la música barroca y de la figura de Mozart, se encargó de supervisar toda la banda sonora del film. Tan solo les puso a Forman y a su productor una condición: no cambiaría ni una nota de la música de Wolfgang Amadeus Mozart.
Al mes de su lanzamiento, el álbum de la banda sonora de la película, había alcanzado el nº 1 en la lista de álbumes pop de Billboard. Era la primera vez que un disco de música clásica figuraba entre los discos de artistas populares del momento
Tras un preestreno en Westwood (California) el 6 de septiembre, “Amadeus” se estrenó en los Estados Unidos el 19 de Septiembre de 1984.
El estreno en España fue el 1 de marzo de 1985.
La película fue todo un éxito de crítica y de taquilla recaudando 52.000.000$ solo en Estados Unidos y Canadá. Se estima que su recaudación mundial alcanzó los 90.000.000$. Nada mal si tenemos en cuenta que es una peli histórica de casi tres horas de duración.
De las 11 nominaciones otorgadas por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, ganó 8 Oscars, los de Mejor película, director, guion adaptado, dirección artística, vestuario, sonido, maquillaje y actor principal, que se lo dieron a F. Murray Abraham (Tom Hulce, también estuvo nominado en esta categoría).
En fin, con esta obra maestra del género, Milos Forman nos propone una especulación sobre la vida de uno de los músicos más celebres de la Historia. Para ello, se sirve de una supuesta confesión de su más acérrimo rival para hacer que reflexionemos, entre otras cosas sobre los celos, la envidia, el sufrimiento, la infelicidad, la justicia divina, el talento, la mediocridad… La peli no es un biopic al uso, ya que no hay ninguna certeza histórica de que las cosas ocurrieran como se narran, lo que ocurre es que la ambientación, el vestuario y toda la factura técnica es tan formidable que sin querer creemos que estamos contemplando hechos históricos irrefutables. Tom Hulce no está interpretando a Mozart, sino a Amadeus, un personaje salido de la imaginación del escritor Peter Shaffer y otro tanto pasa con el personaje de Antonio Salieri, sus actos y reacciones no corresponden con las que ocurrieron en realidad sino con las que imaginó el escritor. De hecho, tras la muerte de Mozart, fue Salieri quien se hizo cargo de la tutela de su hijo menor.
Sin duda, junto con “Barry Lyndon”(1975) de Stanley Kubrick, una de las mejores películas ambientada en el siglo XVIII de la Historia
Hasta la próxima
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