miércoles, 28 de enero de 2026
EL SUEÑO ETERNO (The Big Sleep, 1946)
CARTELERÍA
Raymond Chandler nació en Chicago el 23 de julio de 1888. Cuando tenía 7 años, su padre abandonó la familia y él, junto a su madre, se trasladó a Londres donde vivió su infancia y adolescencia. Allí fue maestro de escuela, ingresó en el ejército y sirvió en la RAF durante la 1ª Guerra Mundial e incluso escribió algunos artículos en el “Daily Express”. Sin nada que perder, en 1919 decidió mudarse a California donde vivió el resto de su vida
En Los Angeles y muy a su pesar se convirtió en un alto ejecutivo de la petrolera “Dabney Oil Syndicate” pero el crack del 29 le dejó sin trabajo y a los 43 años decidió comenzar a escribir relatos de misterio para las revistas “pulp”
En diciembre de 1933 en la revista “Black Mask” consiguió publicar su primer relato titulado: “Blackmailers Don’t Shoot”, había tardado 1 año en escribirlo y tan solo cobró por él 180$. En este primer relato ya aparecía un detective privado llamado Mallory cuyo nombre fue cambiando en los siguientes relatos que escribió durante los años 30. Finalmente en 1939, ese detective se quedó con el nombre de Philip Marlowe que en lo sucesivo sería el personaje central de todas sus novelas. Un personaje icónico y sin duda, junto al Sam Spade de Dashiell Hammett, el auténtico “sabueso” por antonomasia
El 6 de febrero de 1939 se publicó “El Sueño Eterno” su primera novela. Para escribirla, Chandler “canibalizó” dos de sus relatos publicados en “Black Mask”: “Asesino bajo la Lluvia”(1935) y “El Telón”(1936). La novela logró un éxito inmediato y rápidamente la industria cinematográfica se interesó por hacerse con los derechos para llevarla a la pantalla
Cuando se publicó “El Sueño Eterno”, Howard Hawks, alias “el zorro plateado”, se encontraba terminando el rodaje de “Solo los ángeles tienen alas”(1939) un film cuyo éxito iba a propiciar que el director retomara el prestigio perdido con su anterior film, la extraordinaria comedia “La Fiera de mi Niña” (Bringing Up Baby, 1938) que incomprensiblemente, no había tenido el éxito esperado.
Hawks volvía a ser un tipo seguro de sí mismo, independiente y al que no le gustaba estar controlado por ningún directivo del estudio, de hecho, cuando aparecía alguno por el set, no decía nada pero paraba la filmación y a estos no les quedaba más remedio que ahuecar el ala para no retrasar el rodaje
En 1942 había firmado un contrato con Warner Bros. por 5 años y 5 películas; en él se especificaba que trabajaría bajo la supervisión directa del jefazo del estudio Jack L. Warner, o de un productor designado por él. Tras el éxito de las 2 primeras: “El Bombardero Heroico” (Air Force, 1943) y “Tener y No Tener”(1944) ignoró esta cláusula de su contrato y decidió negarse a trabajar bajo ningún tipo de supervisión
Jack L. Warner le dio a Hawks 50.000$ para que intentara hacerse por este precio con los derechos de la novela de Chandler. Lo que no sabía Warner es que los derechos de “El Sueño Eterno” ya hacía tiempo que estaban en poder de Hawks, que los había obtenido por 20.000$. Ni que decir tiene que se quedó con los 30.000$ de diferencia y encima le vendió a Warner que había sido un “chollo” poder hacer la película por 50.000$.
“El zorro plateado” tenía una gran habilidad para hacer este tipo de negocios. Estaba acostumbrado a imponer sus condiciones y en los estudios se movía como “Pedro por su casa”, como si fuera su propio productor, que aunque muchas veces lo era sin acreditar, en efecto, lo era
Para escribir el guion, Hawks volvió a contar con el futuro Premio Nobel William Faulkner y para ayudarle fichó por 125$ semanales a Leigh Brackett, una joven escritora que a partir de ese momento colaboró con el director hasta el final de su carrera.
En tan solo 8 días tenían preparado un primer borrador que habían escrito alternándose la escritura de las distintas escenas del film.
Hawks solo les hizo una advertencia. Les dijo: “No jugueteéis con el libro, simplemente sacad un guion de él. Está muy bien escrito”. Cuando tuvieron el guion terminado se lo entregaron a Jules Furthman que cortó y retocó el libreto junto a Hawks que también reescribió algunas escenas
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| ITALIA |
El guion presentado era bastante fiel a la novela pero para eludir la censura impuesta por el Código Hays, se tuvieron que omitir todas las referencias a la ninfomanía, pornografía y drogadicción existentes en la obra original. Además, irónicamente después de lo que Hawks les había dicho a sus guionistas fue él quien, para darle más escenas a su protegida Lauren Bacall, cambió más cosas de la novela
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| DINAMARCA |
Bacall había sido descubierta cuando trabajaba de modelo de alta costura por Slim, la esposa de Howard Hawks, que la vio en la portada de la revista “Harper’s Bazaar” en febrero de 1943. En ese momento se llamaba Betty Joan Perke, tenía 19 años, era alta, con un fino cutis, mirada de gata y una carnosa e insolente boca hecha no solo para besar sino para soltar frases ingeniosas con esa voz ronca y seductora que sería una de sus señas de identidad.
Hawks la fichó enseguida y la hizo debutar protagonizando junto a Bogart el film “Tener y No Tener”(1944) que estaba basado en un relato corto de Ernest Hemingway y que obtuvo un gran éxito de taquilla demostrando que la química resultante de la pareja Bogart-Bacall podía dar mucho dinero
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| POLONIA |
Bogart estaba contratado por Warner Bros. y entre 1936 y 1941 había estado haciendo una media de 6 películas al año. Su consolidación había llegado interpretando a Sam Spade, el detective privado protagonista de “El Halcón Maltés”(1941) pero al año siguiente y gracias a su trabajo en “Casablanca”(1942) se había convertido en un mito. Un galán un tanto peculiar teniendo en cuenta que era un cuarentón con dentadura postiza, que actuaba con alzas en los zapatos, que empezaba a quedarse calvo y que su voz era muy parecida a la del Pato Donald solo que más cascada debido sobre todo a que fumaba y bebía como un carretero. Y que conste que todo esto lo digo desde la admiración que le tengo como actor mítico, pero que a día de hoy, aun me pregunto como fue posible
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| FRANCIA |
Bueno, el caso es que Bogart, como no podía ser de otra manera, se hizo con el papel de Philip Marlowe, un tipo duro, bebedor y fumador empedernido, de lengua afilada, descreído y todo un filósofo de la perra vida que le ha tocado vivir; más frío que un témpano de hielo y capaz de soltar una vacilada mientras el tipejo más turbio de California le está encañonando con un pistolón. Hay más de una secuencia en la película donde se disfrutan los ingeniosos diálogos que ya aparecen en la novela original de Raymond Chadler.
Otro de los personajes fundamentales de la filmografía del actor y de los que sin duda, contribuyeron a convertirlo en una leyenda
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| SUECIA |
En esta película, Hawks lo rodeó de un buen número de atractivas actrices en papeles secundarios que hizo a su Marlowe mucho más dispuesto sexualmente al descrito por Chandler en su novela.
Contrató a Dorothy Malone, una jovencísima tejana de 19 años, para interpretar a la dependienta de la librería Acme. La actriz estaba tan nerviosa rodando su escena con Bogart que Hawks tuvo que rellenar el culo de su vaso con plomo para mitigar el temblor de sus manos.
Otra invención de Hawks fue el papel de la servicial taxista que corrió a cargo de Joy Barlowe
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| ALEMANIA |
Pero si hay una actriz que se lleva la palma en el film esa es Martha Vickers en el papel de Carmen Sternwood, la alocada hermana pequeña del personaje de Lauren Bacall en la peli. Un papel para el que estuvieron postuladas Sonia Darrin y Nina Foch y que finalmente, “el zorro plateado” le dio a Vickers, una actriz que había debutado con 17 años en la “Universal” haciendo pequeños papeles en pelis de monstruos. Por desgracia, gran parte de su trabajo se quedó en la sala de montaje porque según se cuenta, su actuación se comía con patatas a la de Lauren Bacall que era por la que Hawks bebía los vientos
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| BÉLGICA |
El reparto principal lo completó con un estupendo plantel de actores secundarios.
Charles Waldron se encargó de dar vida al General Sternwood, fue su último papel y murió antes de que se estrenara el film.
Bob Steele, un especialista en westerns que había alcanzado gran popularidad interpretando a Billy “El Niño” en una serie de películas de bajo presupuesto a principio de los años 40, interpretó a Lash Canino.
John Ridgely que ya había intervenido en algún que otro film mítico como “Murieron con las Botas Puestas”(1941) y que ese mismo año rodó también “Arsénico por Compasión” (Arsenic and Old Lace, 1944), aceptó el rol de Eddie Mars.
Y el gran Elisha Cook Jr. uno de esos secundarios de lujo que aparece en todas las películas, fue Harry Jones
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| ESPAÑA |
El rodaje comenzó el 10 de octubre de 1944, tan solo unos meses después de finalizar el de “Tener y No Tener”(1944), y terminó el 12 de enero de 1945.
Hawks había planeado un cronograma de rodaje de 42 días pero terminó necesitando 76, entre otras cosas porque Bogart tenía problemas con su esposa la actriz Mayo Methot y muchos días llegaba borracho al estudio o no llegaba.
El equipo técnico estuvo formado entre otros por: Sidney Hickox como director de fotografía; el editor Christian Nyby que se ocupó del montaje; la dirección artística corrió a cargo de Carl Jules Weyl que ya había ganado un Oscar por su trabajo en “Robín de los Bosques” (The Adventures ofRobin Hood, 1938) y para la música del film contó con el inigualable Max Steiner
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| FRANCIA |
Como era una novata, Lauren Bacall también retrasaba mucho el rodaje porque se ponía nerviosa. Sobre todo cuando tenía delante a Bogart. Hay secuencias en las que se le nota como le temblaban las manos mientras encendía un cigarrillo o se ponía una copa, lo que originaba que se tuvieran que repetir muchas tomas
Finalmente y tras muchas borracheras que terminaban en peleas, el matrimonio de Bogart se fue al garete
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| UCRANIA |
Hawks que, además de tener a Lauren Bacall contratada personalmente, sentía una disposición paternal hacia ella, la sermoneó para que ni se le ocurriera flirtear con Bogart. Intentó emparejarla con otros actores, entre ellos con Clark Gable; pero la suerte estaba echada e inevitablemente, Bogart y Bacall se enamoraron durante el rodaje convirtiéndose contra todo pronóstico en una de las parejas más estables de Hollywood.
Esto originó que a Hawks se lo llevaran los demonios. Cedió el contrato de la actriz a Warner Bros., pero aun así, renegoció con los ejecutivos del estudio y le consiguió un salario de 1.000$ a la semana, bastante más de lo que él le pagaba
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| JAPÓN |
Y como ya vimos en su momento cuando repasamos el rodaje de “Cleopatra”(1963), en este ocurrió algo parecido. Que por culpa también de su pareja protagonista, se fue convirtiendo en un puñetero desmadre. Cuentan las malas lenguas que Hawks hasta les permitía encerrarse en el camerino de Bogart para desfogarse.
En agosto de 1945, tras terminar el montaje y la sonorización, en lugar de estrenar el film, este se envió a las bases militares para chequearlo ante las tropas americanas destinadas en el extranjero y a pesar de la buena acogida que tuvo la peli, era evidente que Bogart y Bacall carecían del impacto como pareja que habían mostrado en “Tener y No Tener”(1944). Así que Hawks y parte del equipo se volvieron a reunir el 21 de enero de 1946 y durante 6 días rodaron nuevas escenas y suprimieron parte del material montado
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| ARGENTINA |
Tras un par de preestrenos en Atlantic City y Nueva York, la versión definitiva se estrenó oficialmente en Estados Unidos el 31 de agosto de 1946.
La censura franquista impidió que la película se estrenara en España, donde no se vio hasta el 4 de abril de 1972 en una emisión televisiva.
Michael Winner dirigió un remake de la película en color titulado: “Detective Privado” (The Big Sleep, 1978) que aunque tiene muy buen reparto, no le llega ni a la altura del tobillo al film de Howard Hawks
En fin, Hawks dirigió una de las películas fundamentales del Cine Negro Clásico. Cambió cosas de la novela, por un lado para burlar a la censura, por otro para darle más papel a su pupila y por otro más, para ahorrarse dinero en la producción. Digo esto porque por cambiar, cambió hasta el final de la peli. El final de la novela se desarrolla en un campo petrolífero abandonado y eso hubiera sido demasiado para una peli filmada completamente en estudio con un limitado presupuesto de 200.000$ que terminó costando 50.000$ más.
El “zorro plateado” tenía deudas de juego y además Hacienda se llevaba un buen pellizco de su salario en Warner Bros., así que el hombre se aseguraba de que su participación en los beneficios valiese la pena, es decir que hacía películas para ganar dinero y no se "comía mucho el coco" esperando dejar una obra para la posteridad, de esas transcendentales e imperecederas que son el objetivo de muchos directores en la actualidad. Y la prueba de esto que digo se ilustra muy bien con una anécdota que el propio Raymond Chadler contaba sobre este film:
“Cuando Hawks estaba haciendo El Sueño Eterno, él y Bogart tuvieron una discusión sobre si uno de los personajes (Owen Taylor) era asesinado o se suicidaba. Me enviaron un telegrama preguntándomelo, y, maldita sea, yo tampoco lo sabía”.
En la película, Hawks dejó también esa trama en el aire y tras el éxito del film juró que nunca más se preocuparía por ser lógico, ya que este éxito reforzaba la convicción que tenía de que al público no le importaba si una determinada trama tenía sentido o no, siempre y cuando se hubiera divertido con la película.
Hasta el mes que viene
lunes, 26 de enero de 2026
martes, 30 de diciembre de 2025
ATRAPADO EN EL TIEMPO (Groundhog Day, 1993)
CARTELERÍA
La mayoría de aficionados al cine, recuerdan a Harold Ramis (1944-2014) por dar vida en la pantalla al Dr. Egon Spengler, el miembro más “cuerdo” del equipo de “Los Cazafantasmas”(1984), pero lo que muchos desconocen es que antes de hacerse mundialmente famoso gracias al film de Ivan Reitman, Ramis había escrito algunas de las comedias más gamberras y populares de finales de los 70 y principios de los 80, me refiero a títulos como: “Desmadre a la Americana” (National Lampoon's Animal House, 1978), “El Club de los Chalados” (Caddyshack, 1980) donde debutó como director o “El Pelotón Chiflado” (Stripes, 1981) donde debutó también como actor
Prácticamente toda su filmografía como director está compuesta por comedias, algunas buenas como: “Una Terapia Peligrosa” (Analyze This, 1999) y otras no tanto, pero entre todas ellas, hay una que le salió francamente bien y me atrevo a decir que posiblemente sea una de las mejores comedias de la década ochentera, me refiero a “Atrapado en el Tiempo” (Groundhog Day, 1993), la película que vamos a repasar para terminar el año
En 1990, Danny Rubin era un escritor que intentaba colocar alguno de sus escritos en alguna productora de Hollywood.
Rubin llevaba tiempo trabajando en una historia sobre un tipo que se despertaba siempre el mismo día. Tras leer la novela de Anne Rice “Entrevista con el Vampiro”, y plantearse como sería lo de vivir eternamente, se le ocurrió escribir un guion fusionando esas dos ideas. La historia la tuvo tan clara, que en dos meses tenía terminado el libreto
El guion tuvo un periplo por distintas productoras y en 1991 cayó en las manos de Harold Ramis que buscaba algo distinto a lo que había hecho hasta ese momento. Aunque en un principio estuvo trabajando junto a Rubin, fue Harold Ramis quien realizó la reescritura final del guion cambiando incluso el final de la historia
Para el papel principal, la primera elección de Ramis fue Tom Hanks, pero el actor lo rechazó alegando que él era un tipo demasiado agradable para interpretar al hastiado y malhumorado Phil Connors.
Otro actor que rechazó el papel y hoy en día sigue arrepintiéndose, fue Michael Keaton.
Robin Williams, John Travolta, Steve Martin y Chevy Chase también fueron considerados para el papel
Finalmente y tras pensarlo mucho, Ramis le ofreció el personaje a su amigo Bill Murray, una decisión acertadísima porque viendo los resultados, nadie mejor que él para dar vida a un personaje que con tan solo una película ha resultado tan carismático y reconocible. Y eso que la relación entre ambos durante el rodaje, no fue precisamente una balsa de aceite.
Murray estaba pasando por un mal momento porque se estaba divorciando. Obsesionado con su papel en el film, llamaba a Ramis de madrugada para preguntarle cosas de su personaje o reprocharle ideas con las que no estaba de acuerdo. Harto de él, Ramis le envió al guionista Danny Rubin para que le aclarara todas sus dudas. Y esto es algo que al actor le sentó muy mal
La tensión durante el rodaje fue subiendo y las diferencias creativas entre ambos (Murray quería más filosofía y Ramis tan solo pretendía hacer una comedia romántica y sin tanta transcendencia) terminaron por casi hacer zozobrar todo el proyecto. Es más, tras el rodaje no se volvieron a hablar durante años y tan solo poco antes de la muerte de Ramis fue cuando hicieron las paces.
Ramis conocía de sobra a Bill Murray puesto que habían colaborado ya en seis proyectos juntos y sabía que el actor tendía a disminuir su interés y entusiasmo según iba avanzando el rodaje, así que filmó primero todas las escenas alegres en las que intervenía Murray y dejó para el final las escenas con las que comienza la película y en las que el actor está bastante más malhumorado.
Bill Murray cobró por protagonizar el film: 10.000.000$
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| ESPAÑA |
Para acompañar a Murray, se pensó en la cantante Tori Amos, pero Harold Ramis se decantó al final por Andie MacDowell. Al director le había cautivado su interpretación en el film de Michael Lindsay-Hogg “Objeto de Seducción”(1991) donde daba la réplica a John Malkovich. Además si había alguna duda de que era la elección correcta para interpretar a Rita, esta quedó disipada el día que se reunió con Bill Murray para leer el guion. Todos salieron maravillados de la química que transmitían juntos.
Andie MacDowell cita esta peli como la favorita de toda su filmografía
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| ANDRE M. BARNETT |
El reparto principal lo completan Chris Elliott como Larry, el cámara que acompaña a Phil y a Rita; Stephen Tobolowsky como Ned Ryerson, un agente de seguros con el que Phil se encuentra una y otra vez en unas inolvidables secuencias que ambos actores improvisaban y Brian Doyle-Murray que interpreta a Buster Green y que por si alguno no lo sabe, le diré que es el hermano mayor de Bill Murray en la vida real
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| STEVE THOMAS |
El rodaje se realizó en 86 días entre el 16 de marzo y el 10 de junio de 1992. Aunque la película se desarrolla en Punxsutawney (Pensilvania), Harold Ramis prefirió filmar en Woodstock, un pequeño pueblo de Illinois que se amoldaba mejor a la idea de localidad costumbrista que había imaginado.
Este cambio disgustó tanto a los dirigentes de Punxsutawney que se negaron a prestar a la auténtica marmota Phil para que apareciese en el film. Para sustituirla, la producción se hizo con “Scooter” la marmota protagonista y tres marmotas más por si “Scooter” se encontraba indispuesta. Será por marmotas…
A Bill Murray tuvieron que vacunarle contra la rabia, porque en la secuencia en la que secuestra a la marmota, el bicho le mordió un par de veces
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| JOHN DUNN |
La ceremonia que todos los años se celebra en Punxsutawney, proviene de una tradición de la década de 1880. Cuentan las crónicas que un grupo de amigos de esta localidad salieron al bosque, el Día de la Candelaria, a buscar marmotas y que esta práctica se convirtió desde 1887 y hasta nuestros días, en una costumbre para los lugareños.
Desde el estreno de la película, la ciudad se ha convertido en una importante atracción turística y la famosa ceremonia que se celebra cada 2 de febrero en el paraje de “Gobbler’s Knob” donde unos tipos con chistera consultan con la marmota lo que va a durar el invierno, atrae a unas 30.000 personas
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| FRANCIA |
La producción contó con un holgado presupuesto de 28.000.000$ que le permitió al diseñador de producción Dave Nichols y a su equipo construir los sets del “Tip Top Café”, de “Gobbler’s Knob”, de los interiores de la casa de huéspedes donde se hospeda Phil, de su dormitorio… tras el éxito del film, el set del “Tip Top Café” que se había construido en la plaza del pueblo de Woodstock se quedó abierto como restaurante. Hoy en día creo que es un restaurante mexicano llamado “La Plazita”.
Las figuras de hielo que aparecen en el film fueron esculpidas por Randy Rupert “El Mago de la Motosierra”
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| CHINA |
Fue un rodaje bastante duró porque hacía un frío que pelaba. La temperatura rondaba los 7ºC bajo cero y no paraba de nevar.
Para alentar a los 400 o 500 “extras” que se necesitaban para algunas secuencias, la producción sorteaba cada hora premios en dinero en efectivo con el fin de que el frío que pasaban fuera más soportable
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| REPÚBLICA CHECA |
La dirección artística corrió a cargo de Peter Landsdown Smith que al año siguiente conseguiría una nominación al Oscar por su trabajo en “Cadena Perpetua” (The Shawshank Redemption, 1994).
Como director de fotografía ficharon a John Bailey, un veterano que ya había mostrado su valía en títulos como “Silverado”(1985) o “El Turista Accidental”(1988) y que ese mismo año filmó también “En la Linea de Fuego”(1993) a las órdenes de Wolfgang Petersen.
Pembroke J. Herring, editor de “Memorias de África”(1985) se encargó del montaje del film
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| ALEMANIA |
Mención especial merece la extraordinaria banda sonora de la película. Por un lado por la partitura original compuesta por George Fenton, un músico que ya contaba con gran solvencia gracias a la composición de la música para “Gandhi”(1982), “Grita Libertad”(1987) o “El Rey Pescador”(1991). Y por otro por la selección de canciones y piezas de otros autores.
Entre las melodías de Fenton hay que resaltar el “Quartet Nº 1 in D – The Groundhog”, el sensual tema “Phil Getz The Girl” con un delicado saxo interpretado por Dan Higgins y por supuesto “Clouds”, un claro homenaje al maestro Nino Rota.
Y entre las composiciones de otros autores tenemos entre otras: la inolvidable “I Got You Babe” cantada por Sonny & Cher, “Pennsylvania Polka” interpretada por Frankie Yankovic, el clásico estándar “Almost Like Being In Love” en versión Nat King Cole y el “Medley: Phil's Piano Solo/ Eighteenth Variation From Rapsodie On A Theme Of Paganini” que suena en la secuencia en la que Phil deja embobada a Rita cuando esta descubre lo bien que toca el piano
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| RUSIA |
La película tuvo un preestreno en Dubois (Pensilvania) el 2 de febrero de 1993. El estreno oficial en Estados Unidos fue unos días más tarde, el 12 de febrero.
En España se estrenó el 25 de junio de ese mismo año.
El film fue todo un éxito tanto de crítica como de taquilla. En tan solo 2 semanas había amortizado el presupuesto de 28.000.000$.
Tras el rotundo éxito, aparecieron varios escritores afirmando que la historia les pertenecía y demandaron a Hamis y Rubin por plagio. Ninguna de las demandas prosperó y Rubin declaró que su única inspiración había sido un cuento publicado en 1892 de William Dean Howells titulado “Navidad todos los días”
En fin, estamos ante una de esas películas que le gustan a todo el mundo. Un film que gracias a su formidable guion, le saca punta a todas las vicisitudes por las que puede transitar un tipo atrapado en un bucle temporal. Original, romántica, divertida y con ese puntito de mala leche tan característico de su director y su protagonista. Personalmente me recuerda, salvando las distancias, a esas extraordinarias comedias de los años 40 con buen rollo y un toque sobrenatural, me refiero a títulos como “La Mujer del Obispo”(1947) o “El Invisible Harvey” (Harvey, 1950) ambas de Henry Koster e incluso al “Qué Bello es Vivir” (It’s a Wonderful Life, 1946) de Frank Capra que como “Atrapado en el Tiempo”, las considero obras maestras del género.
Hasta el año que viene