jueves, 28 de noviembre de 2024
miércoles, 27 de noviembre de 2024
EL NOMBRE DE LA ROSA (The Name of the Rose, 1986)
CARTELERÍA
Umberto Eco nació el 5 de enero de 1932 en Alessandria, una localidad del Piamonte italiano. Fue un filósofo que además de ser una eminencia en semiología, era un cultivado medievalista. En la década de los 60 comenzó a escribir cuentos para niños, relatos y ensayos, pero no fue hasta la publicación en 1980 de su primera novela, “El Nombre de la Rosa”, cuando alcanzó fama mundial y se convirtió en uno de los escritores más leídos del momento
En un principio, la novela se iba a titular “La Abadía del Crimen”, pero el escritor terminó descartándolo porque pensó que los futuros lectores creerían que se trataría de una novela más de detectives.
Tras desechar también como título: “Adso de Melk” que es el nombre del personaje que narra todo el relato, optó por “El Nombre de la Rosa” porque “la rosa es una figura simbólica tan densa que desorientaría totalmente al lector, impidiéndole preconcebir una interpretación de la historia”
Eco vendió en seguida los derechos de la novela y se preparó una producción cinematográfica que terminó cancelándose debido a la muerte de uno de sus productores. En este film, el personaje principal: Guillermo de Baskerville, iba a interpretarlo Michael Caine
Finalmente, el proyecto llegó a manos del productor alemán Bernd Eichinger que reunió financiación para rodar en inglés una coproducción entre Italia, Francia y Alemania que dirigiría el director francés Jean-Jacques Annaud.
Annaud estuvo durante 5 años preparando la preproducción de la película y buscando por Europa y Estados Unidos actores con rostros muy peculiares que dieran realismo a la congregación de monjes del film
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| FRANCIA |
Cuando conoció a Umberto Eco, Annaud le dijo que tras leer el libro, había sentido que estaba predestinado a dirigir la película porque durante toda su vida había sentido fascinación por las iglesias y conventos medievales.
En los créditos del film, Annaud nos dice que la peli es “un palimpsesto sobre la novela de Eco”, es decir un manuscrito antiguo escrito sobre un pergamino ya usado que aunque se ha borrado, conserva trazos de su escritura anterior, con esto, muy astutamente, Annaud se protegía de las posibles discrepancias que pudieran aparecer con Umberto Eco por todo lo que iba a cambiar de la novela en la película
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| ALEMANIA |
La primera opción para interpretar a Guillermo de Baskerville seguía siendo Michael Caine, pero en esa época, el actor estaba muy solicitado y se había comprometido con 5 producciones que le impedían aceptar otro trabajo.
La carrera de Sean Connery se encontraba en un estado tan lamentable que en ningún momento se llegó a pensar en él para el papel. De hecho, consideraron a una larga lista de actores europeos como: Albert Finney, Richard Harris, Ian McKellen, Max von Sydow, Yves Montand, Vittorio Gassman… e incluso americanos como: Paul Newman, Marlon Brando, Jack Nicholson, Roy Scheider y el canadiense Donald Sutherland
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| ESPAÑA |
Connery estaba decidido a luchar por el papel y enviaba a su agente para que contactara con Annaud o con los productores para únicamente conseguir una audición.
Annaud era reacio a elegir a Connery porque el personaje de Guillermo de Baskerville era una mezcla de Sherlock Holmes y de Guillermo de Ockham, y el director pensaba que si a esa mezcla le añadía al actor que había interpretado a 007, la cosa podría resultar demasiado abrumadora
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| HUNGRÍA |
Por cierto, Guillermo de Ockham fue un monje franciscano inglés que en el siglo XIV promulgaba teorías filosóficas tan interesantes como que “hay que desprenderse de todo lo superfluo y quedarse con lo más sencillo a la hora de resolver un problema”, una máxima de la que Arthur Conan Doyle tomaría buena nota cuando escribió la famosa cita que Holmes utilizaba para resolver los casos más complicados: “si eliminas lo imposible, lo que queda, por improbable que parezca, ha de ser la verdad”
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| ARGENTINA |
El caso es que Annaud no encontraba al actor idóneo para hacer de Guillermo y terminó accediendo a que Sean Connery hiciera una prueba. Cuenta el director que cuando el actor leyó el papel: “Lo que estaba escuchando era lo que había escuchado dentro de mí durante casi dos años. Lo detuve en la página 3”. Lo detuvo e inmediatamente le asigno el personaje.
Hoy en día es imposible imaginar la peli con otro actor
que no fuera Connery. El actor se entregó en cuerpo y alma con su
interpretación y fue de gran ayuda para el resto de actores que intervinieron
en la producción. Todos hablaron maravillas del buen rollo que tuvieron
trabajando con él.
Guillermo de Baskerville fue el personaje que relanzó la
carrera de Sean Connery. Al año
siguiente interpretaría a Jim Malone en “Los Intocables de Eliot Ness”(1987)
papel por el que obtuvo el único Oscar de toda su carrera
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| FRANCIA |
Se seleccionaron a cientos de adolescentes para elegir al actor que interpretaría al novicio Adso de Melk, compañero de fatigas de Guillermo y el narrador de toda la historia.
Eligieron a Christian Slater que cuando comenzó el rodaje
tenía 16 años. El joven actor había intervenido en alguna obra de Broadway y en
varias series de TV pero en cine tan solo había hecho dos pequeños papeles en
un par de producciones cinematográficas. Slater no tuvo más que elogios a la
hora de describir lo que fue trabajar con Sean Connery: “Fue como recibir una
clase magistral de interpretación… y de vida”
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| ITALIA |
Para encarnar al inquisidor Bernardo Gui, el antagonista de Guillermo y por consiguiente el malo de la peli, se necesitaba un actor a la altura de Connery y la primera opción para Annaud era Jean Rochefort, pero el actor francés rechazó la propuesta.
Bernardo Gui es un personaje histórico, un dominico que
durante los 15 años que fue inquisidor, condenó a unas 900 personas y ejecutó
al menos a 42. En la vida real, murió en 1331 en el castillo de Laroux
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| ESPAÑA |
Tras la negativa de Rochefort, Annaud pensó en Robert De Niro. Cuentan las malas lenguas que durante las pruebas de casting, De Niro se emperró en que el duelo intelectual entre su personaje y Guillermo fuese con espadas. Annaud le explicó que se trataba de una disputa intelectual, pero el actor seguía insistiendo con el tema de las espadas y Annaud terminó dándole el papel a F. Murray Abraham que acababa de ganar el Oscar por su interpretación de Salieri en “Amadeus”(1984).
Annaud tardó poco en arrepentirse de esta decisión, no
porque fuese un mal actor, sino porque era un narcisista que se comportaba en
el rodaje de forma petulante y egocéntrica dando lecciones a todo el mundo, un
engreído con el que era extremadamente difícil trabajar .
Durante la promoción de su siguiente película, “El
Oso”(1988), Jean-Jacques Annaud confesó que prefería arriesgarse a que un gran
oso pardo lo atacara que volver a trabajar con F. Murray Abraham
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| CHECOSLOVAQUIA |
Todo lo contrario fue volver a trabajar con Ron Perlman, el actor que terminó dando vida a Salvatore, sin duda, uno de los mejores personajes del film. El monje jorobado y deforme que habla en seis idiomas a la vez.
El actor, que había trabajado con Annaud en su anterior
película “En Busca del Fuego” (La guerre du feu, 1981), se puso en contacto con
el director porque deseaba conseguir el papel, pero Annaud ya había elegido a
un actor enano italiano con cabeza enorme y voz ronca. Este actor murió durante
la preproducción y el gobierno italiano, que era uno de los que financiaban la
peli, insistió en que tenía que ser reemplazado por otro actor italiano. Este
segundo actor fue despedido por no cooperar y presentarse borracho al rodaje,
lo que le dio la oportunidad a Annaud para llamar a Ron Perlman que tuvo que
coger un avión ese mismo día para presentarse en el set
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| POLONIA |
El venerable monje español Jorge de Burgos, guardián de los libros prohibidos, es un personaje creado por Umberto Eco para homenajear al escritor argentino Jorge Luis Borges, autor del cuento “La Biblioteca de Babel” que inspiró a Eco varios elementos para su novela.
El elegido para interpretar este personaje fue John
Huston, pero tuvo que declinar la proposición por problemas de salud. Fue
reemplazado por Feodor Chaliapin Jr. Un veterano actor de origen ruso que había
debutado en la época del cine mudo y que se volcó poniendo todos los medios
para dar la mayor verosimilitud a la caracterización del monje ciego. Tuvo que trabajar
con unas lentes de contacto (que simulaban sus cataratas) que hacían que sus
ojos lloraran continuamente, los decorados del film eran húmedos y muy fríos e
incluso, no aceptó que lo doblaran durante las peligrosas escenas del incendio.
Annaud estuvo constantemente preocupado por su bienestar y declaró que
Chaliapin (que tenía 80 años cuando rodó el film) había actuado por encima de
todas las expectativas
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| SUECIA |
Para interpretar al libidinoso Ubertino da Casale, contaron con otro excelente actor: William Hickey, el inolvidable Don Corrado de “El Honor de los Prizzi”(1985), el film de John Huston.
Las dos primeras opciones para meterse en la piel del
abad fueron Adolfo Celi y Philippe Noiret pero fue finalmente el francés Michael Lonsdale quien obtuvo el papel. Un
actor con más de 200 trabajos en cine y TV que había participado en films como:
“Chacal” (The Day of the Jackal, 1973), “El Fantasma de la Libertad”(1974) o
“Carros de Fuego (1981). Aunque todo el mundo lo recuerda como el malvado Hugo Drax
de “Moonraker”(1979) el film de James Bond con Roger Moore ejerciendo de 007
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| RUSIA |
El único personaje femenino del film iba a encarnarlo Mathilda May pero prefirió irse a hacer “Lifeforce: Fuerza Vital”(1985). Los productores buscaron a tres candidatas. La primera en hacer la prueba con Christian Slater fue la chilena Valentina Vargas. La actriz que tenía entonces 20 años fue todo un flechazo para el joven actor que consiguió convencer a Annaud para que no le hiciese la prueba a las otras dos actrices
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| TURQUÍA |
En la escena de amor que ambos realizan, la expresión de sorpresa y desconcierto de Adso es tan natural porque es real. El director había hablado con la actriz para que improvisara toda la seducción en silencio, sin palabras y el joven actor no tenía ni la más mínima idea de lo que la actriz le iba a hacer, de manera que todo era inesperado para todos, pero sobre todo para Christian Slater.
Por lo visto en algunas plataformas que exhiben la película
actualmente, han cortado toda esta secuencia alegando que Slater era menor de
edad en ese momento, mientras que Valentina Vargas era una mujer adulta.
¡Válgame Dios con
la mojigatería reinante en ciertos sectores de esta sociedad!
¡¡¡Penitenciagite!!!
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| REINO UNIDO |
El rodaje se realizó entre el 11 de noviembre de 1985 y el 10 de marzo de 1986.
Los interiores están rodados en los famosos Estudios
Cinecittà de Roma y en el monasterio de
Eberbach, una antigua abadía cisterciense en la comarca del Rin en Alemania.
Además, para filmar los exteriores, construyeron una réplica de la abadía en la
cima de una colina a las afueras de Roma que en ese momento se convirtió en el
complejo de rodaje más grande construido en Europa desde la filmación de
“Cleopatra”(1963).
La abadía en sí es un personaje más. Annaud nos muestra
todas las dependencias: los patios, las celdas, el refectorio, la capilla, el
scriptorium, la biblioteca… todas ellas maravillosamente recreadas y expuestas
ante los ojos del espectador para meternos de lleno en las vicisitudes de la
vida monacal en el siglo XIV.
Las catacumbas que aparecen en el film eran privadas y
pertenecían a un pequeño restaurante que frecuentaba el equipo técnico durante
la producción. La idea era rodar en las catacumbas de Roma pero las autoridades
no lo permitieron
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| JAPÓN |
Para escribir el libreto colaboraron con el director cuatro guionistas: Andrew Birkin, Howard Franklin, Alain Godard y el veterano Gérard Brach, habitual colaborador de Roman Polansky en films como “El Baile de los Vampiros”(1967).
La fotografía corrió a cargo de Tonino Delli Colli, que
ya había mostrado su maestría a las órdenes de Sergio Leone en: “El Bueno, El Feo y El Malo”(1966), “Hasta que llegó su hora” (Once Upon a Time in the West, 1968) y “Érase una vez enAmérica”(1984).
La producción contó en todo momento con Jacques le Goff y
Michel Pastoureau para asesorar al director en cualquier duda histórica y
especialmente sobre la vida monástica medieval.
La música compuesta por el genial James Horner es otro
de los puntos a favor del film
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| LASSE PEURANIEMI |
El día que se filmaron las escenas del incendio, Jean-Jacques Annaud llegó al set y por un error en el cronograma de rodaje el equipo de efectos especiales no había sido informado al respecto y a prisas y carreras, tuvieron que prepararlo todo saltándose algunas medidas del protocolo de seguridad. El hábito de Sean Connery se prendió fuego y gracias a la rápida reacción de Annaud que saltó sobre él y le hizo rodar por el suelo, la cosa no pasó de un susto.
Peor suerte corrió Feodor Chaliapin Jr. cuando parte del techo del set cayó sobre él y una gran viga de roble le golpeó la cabeza derribando al actor. Aquí sí que se dispararon las alarmas porque pensaron en lo peor. Cuando el director acudió a su lado para asegurarse que el actor estaba bien, Chaliapin le dijo: “Tengo 80 años y no viviré mucho tiempo. ¿Ha salido bien la toma?”.
La toma salió tan bien que es la que vemos en la película
El estreno en Estados Unidos fue el 24 de septiembre de 1986. En España se estrenó el 19 de diciembre de ese mismo año.
La película tuvo un presupuesto de 16.500.000$ y en los Estados Unidos fue un fracaso de taquilla pero en Europa obtuvo un rotundo éxito tanto de crítica como en la taquilla.
En 2019 se estrenó una miniserie para TV con John Turturro en el papel de Guillermo de Baskerville y Rupert Everett interpretando a Bernardo Gui.
En fin, creo que es una de las mejores películas ambientadas en la Edad Media que se han hecho y en gran medida es porque es una producción europea. Tanto los productores como el director cuidaron hasta el más mínimo detalle de la producción; con deciros que tuvieron que teñir a los cerdos de negro porque uno de los asesores históricos se dio cuenta de que en esa época no existían cerdos con la piel rosada, está dicho todo. Además de ser un film de misterio y de intriga detectivesca, muestra el viaje iniciático de un joven novicio que aprende de su maestro el arte del razonamiento deductivo en base a las evidencias y todo ello con una recreación en los escenarios y una caracterización de los personajes sencillamente magistral.
Hasta la próxima
martes, 26 de noviembre de 2024
viernes, 15 de noviembre de 2024
martes, 12 de noviembre de 2024
jueves, 7 de noviembre de 2024
miércoles, 30 de octubre de 2024
ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO (One Flew Over the Cuckoo's Nest, 1975)
CARTELERÍA
Ken Kesey (1935-2001) fue un escritor estadounidense considerado el enfant terrible del movimiento underground que propició la llamada revolución contracultural norteamericana. Un tipo brillante, rebelde y transgresor precursor de la cultura hippie que durante sus estudios universitarios se presentó voluntario a un programa organizado por el gobierno para experimentar sobre el efecto que producirían las drogas psicotrópicas en el ser humano
Allí probó el LSD, peyote, mescalina, cocaína y unas cuantas inas más. Por las noches trabajaba como guarda en un hospital psiquiátrico de California donde pudo relacionarse con los internos y presenciar la forma de funcionar de la institución. Basándose en todas estas experiencias escribió “Alguien voló sobre el nido del cuco” que inmediatamente se convirtió en un Best Seller y que aún hoy sigue siendo considerada una novela de culto
Kirk Douglas conoció el libro antes de publicarse y tras leerlo, compró los derechos por 20.000$. Lo primero que hizo fue preparar una producción para Broadway que se estrenó en Nueva York el 13 de noviembre de 1963 y tras 82 funciones, bajó el telón el 25 de enero de 1964. En el elenco, además de Kirk Douglas que interpretaba a McMurphy, estaban entre otros William Daniels como Dale Harding y Gene Wilder en el papel de Billy Bibbit
Kirk Douglas estuvo un montón de años intentando que algún estudio se interesara en hacer la película, pero no lo logró y cuando vio que por la edad ya no podría protagonizarla, le cedió los derechos a su hijo Michael, quedándose un porcentaje de las ganancias en el caso de que algún día él pudiera producirla
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| FRANCIA |
Finalmente y tras una década, Michael Douglas y Saul Zaentz lograron poner en marcha una producción independiente de la “Fantasy Films”.
La contratación de Milos Forman para dirigir el film, estuvo respaldada por Kirk Douglas y por Lawrence Hauben, uno de los guionistas de la película
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| POLONIA |
Intentaron que Ken Kesey escribiese el guion, pero las diferencias creativas que aparecieron entre él y los productores hicieron que abandonara el proyecto a las dos semanas. De hecho, Milos Forman rechazó todo lo escrito por Kesey que sin ver siquiera el film, demandó a los productores exigiendo el 5% de la recaudación y 800.000$ por daños y perjuicios. Todo se arregló cuando Kesey terminó aceptando un 2,5% de la recaudación
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| CHECOSLOVAQUIA |
El guion fue obra de Bo Goldman y Lawrence Hauben y por supuesto que cambiaron y eliminaron cosas de la novela. De no ser así, la peli no pertenecería a ese escogido grupo de buenas películas basadas en buenas novelas como: “La Noche del Cazador”(1955), “Pequeño Gran Hombre”(1970), “Tiburón” (Jaws, 1975)…
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| HUNGRÍA |
De hecho, desde la publicación de la novela en 1962, la sociedad había cambiado mucho y en 1974, cuando se empezó a preparar la película, aparecieron los primeros problemas a la hora de confeccionar el reparto. El movimiento feminista había reemplazado a los derechos civiles y a la Guerra de Vietnam como asunto de interés social de la época. Los productores no querían hacer una película que pudiera ofender una causa que por otra parte, ellos admiraban. Y la verdad es que la novela de Kesey había sido muy comentada por su contenido “sexista”. Prueba de ello es que estrellas como Anne Bancroft, Faye Dunaway, Jane Fonda y Ellen Burstyn fueron las primeras en rechazar el papel de la enfermera Ratched
Durante todo ese año de 1974, Douglas y Zaent le ofrecieron el personaje a otras actrices como: Jeanne Moreau, Angela Lansbury, Audrey Hepburn, Geraldine Page y Shirley MacLaine. Ninguna de estas estrellas, aceptó el papel.
Fue Fred Roos, el director de casting de “El Padrino”(1972) quien le sugirió a Milos Forman el nombre de Louise Fletcher como alternativa.
La actriz tuvo que realizar 4 o 5 audiciones ante Forman y los productores para asegurarse el papel. Trabajó durante 11 semanas y cobró 10.000$ de salario
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| TURQUÍA |
Los actores secundarios del film que dan vida al variopinto grupo de enfermos del hospital psiquiátrico realizan todos unas inmejorables actuaciones.
Danny DeVito (Martini) fue el primero en ser elegido. Era muy amigo de Michael Douglas y además, ya había interpretado el mismo papel en la reposición de la obra de teatro en el Off-Broadway en 1971.
Sydney Lassick (Cheswick) que se metió tanto en su papel que casi se queda ingresado en el psiquiátrico para el resto de su vida. Los productores llegaron a temer muy seriamente por su salud mental real
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| GRECIA |
Scatman Crothers (Turkle) que muchos recordaréis por su papel en el film de Stanley Kubrick: “El Resplandor”(1980) y William Redfield (Harding) dos de los pocos actores veteranos del reparto.
Fue el debut cinematográfico de tres actores que luego hemos visto en infinidad de películas: Will Sampson (El Jefe Bromden) que con su silencioso papel y su gigantesca planta crea uno de los inolvidables personajes de la peli. Christopher Lloyd (Taber) al que todo el mundo recuerda por sus papeles en “Regreso al Futuro”(1985) y “La Familia Addams”(1991) sale en el film con el pelo rapado y una cara de loco que asusta y por último, Brad Dourif (Billy Bibbit) con una extraordinaria interpretación que le valió una nominación al Oscar. Un papel que inicialmente iba a interpretar Michael Douglas.
Josip Elic (Bancini), Michael Berryman (Ellis), William Duell (Sefelt) y Vincent Schiavelli (Fredrickson) también aparecen en el reparto
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| ALEMANIA |
Por último, tenían que elegir al actor que interpretaría a McMurphy. Milos Forman quería contar con una estrella en el papel principal porque al estar rodeado de actores desconocidos facilitaría que lo aceptaran en su rol de líder.
James Caan fue la primera opción, pero rechazó la oferta, al igual que hicieron Marlon Brando, Gene Hackman y Steve McQueen. Finalmente, la duda estaba entre darle el papel a Burt Reynolds (el preferido de Milos Forman) o a Jack Nicholson (el preferido de Michael Douglas).
Como suele suceder en estos dilemas, la partida la ganó el productor y Nicholson se hizo con el papel
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| ESPAÑA |
La película era una producción independiente que inicialmente, tan solo contaba con un modesto presupuesto de 2.000.000$, así que el actor aceptó reducir su salario a cambio de un porcentaje de las ganancias. Una decisión que les vino muy bien a los productores, ya que abarataba los costes iniciales. Además, en ese momento, Nicholson era una garantía porque llevaba dos años consecutivos siendo nominado al Oscar como Mejor Actor por “El Último Deber” (The Last Detail, 1973) y “Chinatown”(1974)
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| ITALIA |
El equipo de filmación visitó cuatro instituciones mentales antes de decidirse por el pabellón psiquiátrico del Hospital Estatal de Oregón. Para tener una idea de lo que era estar hospitalizado en un lugar así, todos los actores que interpretaron a pacientes vivieron allí durante toda la producción. Para meterse en la piel de su personaje, dos semanas antes de comenzar el rodaje, Jack Nicholson convenció a los responsables del psiquiátrico para que le dejaran mezclarse con los pacientes más perturbados e incluso, con aquellos que estaban bajo el mismo tratamiento de shock al que su personaje se veía sometido en el film.
El director del hospital, el doctor Dean Brooks interpretó al confuso aunque bien intencionado doctor Spivey.
Algunos pacientes reales aparecen como “extras” porque Forman solía poner en marcha las cámaras, sin que nadie se enterara, mientras los actores interactuaban conviviendo con los internos
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| POLONIA |
El rodaje se realizó entre el 13 de enero y el 13 de abril de 1975. Enseguida aparecieron los primeros problemas porque Milos Forman y Jack Nicholson tenían ideas muy diferentes sobre cómo desarrollar el sistema de trabajo. De hecho, el actor convenció a parte del elenco para que se negaran a que Forman dirigiera los ensayos. El director tuvo que tragar con esta especie de “golpe de estado” y Nicholson terminó dirigiendo todos los ensayos.
Este choque de egos originó que durante toda la producción Forman y Nicholson se hablaran entre sí a través del director de fotografía, sin embargo fingían una buena relación cuando los medios y los ejecutivos del estudio aparecían por el set
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| JAPÓN |
Exceptuando las secuencias del día de pesca que se rodaron al final, la película se filmó de forma secuencial.
A la mitad del rodaje, el veterano director de fotografía Haskell Wexler fue reemplazado por Bill Butler. Ambos recibieron una nominación al Oscar por su trabajo. El segmento del día de pesca lo filmó William A. Fraker que no aparece en los créditos del film.
Otra de las nominaciones al Oscar que obtuvo la película fue a la Mejor Edición por el montaje que hicieron Sheldon Kahn y Lynzee Klingman
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| GREG RUTH |
La música del film corrió a cargo de Jack Nietzche, que en los años 60 y 70 era arreglista y teclista ocasional de entre otros The Rolling Stones y Neil Young y que con el tiempo se recicló en compositor de bandas sonoras cinematográficas.
La formidable partitura que compuso para acompañar las imágenes es deliciosamente turbadora y elegir un serrucho, musicalmente ejecutado por Robert Armstrong, para acompañar la orquestación me parece una decisión brillante. Ese inusual sonido es perfecto para evocar y transmitir al espectador: la tristeza, la melancolía, el desconcierto e incluso, la alegría… es decir, los distintos estados de ánimo por los que pasan los internos en un pabellón de psiquiatría.
La banda sonora de Jack Nietzche también obtuvo una nominación para el Oscar
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| REINO UNIDO |
El cronograma de rodaje se alargó más de la cuenta y el presupuesto inicial de 2.000.000$ se disparó hasta los 4.400.000$. El productor Saul Zaentz, que financió personalmente la peli, puso el dinero pidiendo un préstamo que obtuvo poniendo de garantía su compañía discográfica: “Fantasy Records”.
“Alguien voló sobre el nido del cuco” fue todo un éxito de taquilla que recaudó unos 120.000.000$. De las 9 nominaciones al Oscar, ganó las 5 estatuillas más importantes: Mejor Película, Dirección, Guion Adaptado, Actor y Actriz Principal. Un logro que tan solo había obtenido (y hacía más de 40 años) el film de Frank Capra: “Sucedió una Noche”(1934). Después de la peli de Milos Forman, la única película que lo ha vuelto a conseguir ha sido “El Silencio de los Corderos”(1991) de Jonathan Demme
El estreno en Estados Unidos fue el 19 de noviembre de 1975. En España su estreno oficial fue el 7 de octubre de 1976 aunque se había proyectado antes dentro del Festival de Cine de Valladolid de ese mismo año el 2 de mayo.
En los cines suecos, el film se exhibió ininterrumpidamente entre los años 1975 y 1987, lo que a día de hoy, sigue siendo un record.
De origen checoslovaco, Milos Forman había emigrado a Estados Unidos huyendo del régimen comunista que imperaba en su país natal. Pertenecía a la Nueva Ola de cine checo y aunque llevaba desde 1960 dirigiendo películas, “Alguien voló sobre el nido del cuco” era su segundo largometraje en Hollywood. Después dirigiría peliculones como: “Ragtime”(1981), “Valmont”(1989) y por supuesto “Amadeus”(1984), obra maestra que le valió su segundo Oscar.
En fin, personalmente creo que la peli de Forman es mejor que la novela de Kesey y lo digo porque los responsables del film supieron replantear la obra elaborando un guion que reconstruía el espíritu del libro pero para un público contemporáneo; de hecho, la película no ha perdido ni un ápice de la frescura y veracidad que tuvo en el momento de su estreno. Eliminar toda la parte surrealista del libro y todo el tema de la batalla de sexos fue, sin duda el gran acierto de los productores porque en la novela tanto una cosa como la otra, terminan resultando bastante pesadas. Si a eso, le añadimos la brillante ambientación con una puesta en escena prodigiosa, la dirección de Forman y el realismo que transmiten Nicholson, amo y señor de la función, y el resto del reparto, no me queda más que reconocer que “Alguien voló sobre el nido del cuco” es una de las imperecederas obras maestras del 7º arte.
Hasta la próxima
martes, 29 de octubre de 2024
miércoles, 25 de septiembre de 2024
JUNGLA DE CRISTAL (Die Hard, 1988)
CARTELERÍA
Dentro del negocio cinematográfico, podemos decir que fue en los años 80 cuando irrumpió el llamado cine de acción. Un género donde por desgracia, hay algunas películas buenas y mucha morralla. Esto es debido a que en la mayoría de los casos se trabaja muy poco el guion, relegando el argumento del film a que el héroe en cuestión se cepille a todos los malos que le pongan por delante sin escatimar guantazos ni balazos. Si además es con abundante despliegue pirotécnico y destructivo de material (todo tipo de vehículos y edificios), pues todavía mejor
El film que hoy repasamos es uno de los mejores del género. Una película perfecta como vehículo de evasión donde todo encaja a las mil maravillas, gracias a un guion bien trabajado y que inteligentemente acentúa su propuesta ajustando toda la acción en un solo edificio y durante una sola noche, un no parar. Un planteamiento que, sin duda, incrementa mucho la incertidumbre y el desasosiego del espectador
De un espectador que además se va a identificar enseguida con el protagonista, porque John McClane ni es un superpolicía , ni un soldado de operaciones especiales, es un tipo normal y corriente con mucho sentido del humor, que se ve metido en una movida muy gorda
La peli es una producción de 20th Century Fox. Los productores Lawrence Gordon y Joel Silver encomendaron la tarea de escribir el guion a Jeb Stuart. Para ello, tenía que adaptar la novela de Roderick Thorp “Nada dura para siempre” que era la continuación de otra novela suya titulada “El detective”, que tuvo su adaptación cinematográfica en 1968 dirigida por Gordon Douglas y con Frank Sinatra como protagonista
De hecho, los productores de “Jungla de Cristal”, al primero que tuvieron que ofrecer el papel protagonista del film, fue a Frank Sinatra. Estaban obligados por contrato. El bueno de Frank que tenía ya 71 años, declinó la oferta diciéndoles que era demasiado viejo y demasiado rico para ir pegando tiros en una peli. Así que cambiaron todos los nombres de los personajes, cortando cualquier conexión con el film de Sinatra y aprovecharon para rejuvenecer al personaje que pasó de ser un poli retirado a un joven oficial de policía
Para desarrollar el arco argumental del guion, ficharon a Steven E. de Souza, guionista veterano en series televisivas que ya había demostrado sus buenas cualidades en films como: “Límite: 48 horas”(1982), “Commando”(1985) y “Perseguido” (The Running Man, 1987)
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| ITALIA |
La primera opción para dirigir la película fue Richard Donner que acababa de triunfar en la taquilla con “Arma Letal”(1987) pero tuvo que rechazar la oferta porque estaba comprometido para rodar “Los fantasmas atacan al jefe” (Scrooged, 1988).
El productor Joel Silver pensó entonces en Paul Verhoeven que acababa de estrenar “RoboCop”, pero el director holandés tampoco quiso hacerse cargo de la dirección
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| TURQUÍA |
Tras esta negativa, los productores le ofrecieron el trabajo a John McTiernan que, en un principio, también lo desechó pero que finalmente terminó aceptándolo con la condición de cambiar ciertos aspectos del guion.
Tanto en la novela como en el guion original, la acción se desarrollaba durante tres días, McTiernan, posiblemente inspirado en la obra de Shakespeare “El sueño de una noche de verano”, decidió que en el film todo ocurriera durante una sola noche
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| POLONIA |
Tampoco quería que el argumento liara al público con rollos políticos y demás monsergas así que los malos dejaron de ser terroristas para convertirse en ladrones que se hacían pasar por terroristas en busca de un suculento botín.
John McTiernan tenía claro desde el principio que si aceptaba dirigir la película, tendrían que dejarle hacer el film que él quería y lo que tenía muy claro era que primase el entretenimiento
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| JAPÓN |
Robert De Niro y Nick Nolte fueron los dos primeros actores que rechazaron el papel de John McClane. John Travolta que por entonces estaba considerado un actor fracasado, fue rechazado por el estudio.
Al Pacino, Burt Reynolds, Richard Gere, Harrison Ford, Mel Gibson, Tom Berenger, Clint Eastwood, Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger y unos cuantos más, también rechazaron protagonizar la película
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| ARGENTINA |
Elegir a Bruce Willis para dar vida a John McClane fue otro de los grandes aciertos de la producción y eso que en aquel momento el actor estaba encasillado en papeles de comedia. En televisión protagonizaba junto a Cybill Shepherd la exitosa serie “Luz de Luna”(1985-1989) y de su curriculum cinematográfico lo más destacable eran un par de comedias dirigidas por Blake Edwards: “Cita a Ciegas” (Blind Date, 1987) y “Asesinato en Beverly Hills” (Sunset, 1988)
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| ESPAÑA |
Cuando salieron los primeros trailers de “Jungla de Cristal”, el público pensaba que iba a ser una comedia. Es más, en los primeros carteles norteamericanos de la película, se eliminó el rostro del actor para evitar que los espectadores pensaran que era una peli de cachondeo. Tan solo aparecía el edificio Nakatomi. Tras la respuesta positiva recibida en el estreno, se volvió a añadir el rostro de Bruce Willis en el cartel.
El actor que siempre ha declarado que John McClane es el personaje favorito de todos los que ha interpretado, cobró 5.000.000$ por protagonizar el film. Un buen salario si tenemos en cuenta que por aquel entonces, no era una estrella
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| NEIL DAVIES |
Un gran héroe necesita de antagonista a un gran villano, y para este cometido, los productores buscaron a un actor que aunque era una estrella teatral y contaba con una amplia carrera televisiva, nunca había participado en una producción cinematográfica.
Alan Rickman estuvo a punto de rechazar el papel de Hans Gruber como había hecho Sam Neill. Rickman acababa de llegar a Hollywood y estaba horrorizado de que su primer papel cinematográfico fuera el villano de una película de acción. En parte, tenía razón pues tras el éxito del film y su magnífica interpretación estuvo cierto tiempo encasillado en papeles de malvado
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| BRYAN JOHNSON |
La escena en la que Hans Gruber se encuentra por primeravez con John McClane se filmó el primer día de rodaje. Esta escena no fue ensayada, aprovechando que Rickman y Willis no se conocían, los productores y el director decidieron que improvisaran el encuentro para que resultase todo más espontaneo.
Rickman se había lesionado un cartílago de la rodilla y llevaba un aparato ortopédico debajo de los pantalones; hizo toda la secuencia de pie y apoyado sobre la pierna no dañada todo el tiempo
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| ANDI EWINGTON |
Fue Bruce Willis quien recomendó a Bonnie Bedelia para que hiciera el papel de Holly, su ex pareja en el film. El actor la había visto en “Corazón sobre Ruedas” (Heart Like a Wheel, 1983) y le había encantado su actuación.
El sargento Al Powell iba a interpretarlo Gene Hackman pero por problemas de agenda no lo pudo hacer. El departamento de casting decidió entonces buscar a un actor poco conocido. Reginald VelJohnson le ganó la partida a Wesley Snipes y se hizo con el papel. A VelJohnson todos lo recordaréis por interpretar a Carl Winslow, el vecino de Steve Urkel en la divertida serie de TV: “Cosas de Casa” (Family Matters, 1989-1998)
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| ALEMANIA |
El reparto principal se completó con Alexander Godunov como Karl, el lugarteniente de Hans Gruber; De’voreaux White como Argyle, el chaval de la limusina y Paul Gleason en el papel de Dwayne T. Robinson.
Durante las dos primeras semanas de rodaje, Bruce Willis trabajaba durante el día rodando la serie “Luz de Luna” y por la noche rodaba en “Jungla de Cristal”, una auténtica locura; así que John McTiernan le pidió al guionista Steven E. de Souza que reforzara los papeles de los personajes secundarios. La idea era hacerle a Willis la jornada laboral más llevadera. Una idea que le vino muy bien al film porque el darles más tiempo en pantalla, ayudó a definir mucho mejor a todos los personajes
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| LAURENT DURIEUX |
El rodaje se efectuó entre el 2 de noviembre de 1987 y el 4 de marzo de 1988.
El Nakatomi Plaza, el edificio donde se desarrolla toda la acción, era la sede de oficinas de 20th Century Fox. El edificio no estaba terminado y tan solo algunos de los pisos intermedios estaban utilizados por oficinas y despachos administrativos por lo que tenían prácticamente todo el resto de pisos para poder rodar. Aun así, las escenas que incluían disparos tenían que rodarlas después del horario laboral porque los empleados que estaban trabajando, empezaron a quejarse del ruido
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| TAILANDIA |
El especialista encargado de las armas empleadas en el film, ideó un sistema para trucar las armas con estruendosas balas de fogueo y que además producían destellos extremos en la boca del cañón, lo que hacía los tiroteos mucho más realistas.
En una de estas secuencias, Bruce Willis sufrió graves daños auditivos en su oído izquierdo perdiendo dos tercios de la audición del oído para el resto de su vida, de hecho, el actor ha usado un audífono durante muchos años sin que la mayoría de gente lo supiera
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| PAUL BUTCHER |
Durante el rodaje Bruce Willis utilizó 17 camisetas interiores en distintos estados de deterioro.
Para las secuencias en las que John McClane tiene que correr descalzo sobre cristales rotos, Bruce Willis llevaba unos zapatos de goma especiales con la forma de sus pies. Si os fijáis, comprobaréis que hay planos en los que los pies de McClane parecen un poquito grandes.
El salto de McClane desde la azotea con una manguera atada a la cintura, lo hizo Bruce Willis y no un doble, se filmó con el actor saltando desde una plataforma de 12 pisos de altura.
Para rodar la caída de Hans Gruber desde lo alto del Nakatomi Plaza, el especialista que supervisaba la escena le dijo a Alan Rickman que contaría hasta 3 y lo soltaría, pero lo soltó cuando dijo 2, cogiéndolo desprevenido y aunque solo era una caída de 6 metros de altura sobre una colchoneta de aire, logró que su cara expresase el miedo que hacía falta
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| KSGCREATIONS |
Aunque la película no ganó ningún Oscar, obtuvo 4 nominaciones en el apartado técnico en las siguientes categorías: mejor montaje, sonido, efectos sonoros y efectos especiales.
La banda sonora contiene además de conocidos temas navideños, algunas piezas de música clásica. John McTiernan quería incluir “la Oda a la Alegría” de la 9ª sinfonía de Beethoven como tema principal de los supuestos terroristas. El compositor de la partitura original del film, Michael Kamen pensaba que era un “sacrilegio” utilizar la música de Beethoven en una peli de acción, y le dijo a McTiernan: “Haré “picadillo” a Wagner o a Strauss si quieres, pero no me pidas que incluya a Beethoven”. Cuando el director le contestó que “la Oda a la Alegria” había sido el tema de la ultraviolencia en “La Naranja Mecánica”(1971) de Stanley Kubrick, Kamen que era un admirador de Kubrick, aceptó.
Durante la secuencia de la reunión corporativa al principio de la película se escucha una parte del primer movimiento del Concierto de Brandenburgo nº 3 de Juan Sebastián Bach
La película tuvo un pre-estreno en Westwood (California) el 12 de julio de 1988 y ocho días más tarde, el 20 de julio, fue su estreno oficial en Estados Unidos.
El estreno en España fue el 30 de septiembre de ese mismo año.
“Jungla de Cristal” terminó costando 28.000.000$ y fue todo un “pelotazo” en la taquilla que recaudó unos 140.000.000$ en todo el mundo. Este gran éxito comercial originó 4 secuelas y que el resto de estudios se mostrasen muy interesados en copiar la fórmula del film, lo que llenó las carteleras de la siguiente década de producciones en las que un tipo atrapado en un espacio cerrado, luchaba contra terroristas. Véanse “Alerta Máxima” (Under Siege, 1992), “Decisión Crítica” (Executive Decision, 1996) y “Air Force One”(1997) porque son de las más entretenidas del género.
En fin, independientemente de que el film funciona como un minucioso mecanismo de relojería de impecable dirección y ágil montaje, creo que su mejor baza la tiene en la composición que Bruce Willis logra dando vida a John McClane. Un antihéroe a la fuerza, un golfo malhablado que lo único que quiere es reconciliarse con su ex pasando una buena Nochebuena en familia y que todo se le fastidia por culpa de una banda de pistoleros. A diferencia de los héroes encarnados hasta entonces por Stallone y Schwarzenegger que en muchos de sus films terminaban sin un rasguño, John McClane termina hecho migas, aunque hay que reconocer que el fulano es más duro que los huevos cocidos… Yippee-ki-yay, motherfucker!
Hasta la próxima
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