miércoles, 26 de marzo de 2025
DOCE DEL PATÍBULO (The Dirty Dozen, 1967)
CARTELERÍA
El éxito obtenido tras el estreno de “Los Siete Magníficos”(1960) hizo que la fórmula de reunir en una misma película a un considerable grupo de estrellas y actores de prestigio, se trasladara a otros géneros cinematográficos.
El cine bélico fue el primero en repetir la jugada con “Los Cañones de Navarone”(1961), que se convirtió en una de las películas más taquilleras del año y como en el negocio de Hollywood cuando algo funciona, se repite hasta la saciedad, pues a partir de entonces hemos disfrutado de un buen montón de films de “Hazañas Bélicas” protagonizados por actores de primera. Así que hoy vamos a recordar uno de los más emblemáticos
A principio de los años 60, el novelista neoyorkino Ewin Nathanson escuchó una historia que hablaba de un escuadrón de convictos perteneciente al ejército de los EE.UU. que había sido utilizado durante la 2ª Guerra Mundial para una misión secreta. Por aquel entonces, Nathanson vivía en Los Angeles y era vecino del director Russ Meyer que tras comentarle la historia, le confirmó que era cierta porque él mismo se había topado con el grupo mientras trabajaba como fotógrafo de guerra en el frente europeo
Nathanson estuvo investigando durante mucho tiempo y aunque no encontró ninguna prueba de que el grupo hubiera existido realmente, aprovecho su trabajo para escribir una versión ficticia de una supuesta misión. La novela se tituló: “The Dirty Dozen”. Se publicó en 1965 y se convirtió rápidamente en un éxito de ventas.
Metro-Goldwyn-Mayer había comprado los derechos cinematográficos por 80.000$ mucho antes de su publicación
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| ESPAÑA |
Asignaron la producción a Kenneth Hyman, un productor que había comenzado su carrera en “La Hammer” británica y que acababa de producir para “La Metro” un film de Sidney Lumet protagonizado por Sean Connery, rodado en España y titulado: “La Colina”(1965)
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| FRANCIA |
Nathanson pidió ser él el encargado de adaptar su novela a la pantalla y aunque llegó a presentar un guion, fue rechazado. Así que Hyman encargó las tareas de escritura al veterano Nunnally Johnson, un guionista, además de productor y director, que entre otras cosas había escrito el guion de “Las Uvas de la Ira”(1940) de John Ford
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| REINO UNIDO |
Sin tener aun director, Hyman se encargo de ir buscando el reparto.
Fue a John Wayne al primero que se le ofreció el papel del Mayor John Reisman, pero lo rechazó aludiendo que en las fechas del rodaje su esposa iba a dar a luz y que no le apetecía estar rodando en el Reino Unido. Tras esta negativa, Hyman llamó a Kirk Douglas que también tuvo que rechazarlo porque se había comprometido para rodar: “Asalto al Carro Blindado” (The War Wagon, 1967), un film que casualmente terminó protagonizando junto a John Wayne
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| HUNGRÍA |
Finalmente encargaron la dirección del film a Robert Aldrich, un demócrata declarado, de pensamiento subversivo y de izquierdas que siempre le gustó dejar parte de sus creencias en los films que dirigía. Aldrich pertenecía a la generación de directores que empezaron a dirigir recién terminada la 2ª Guerra Mundial; un grupo formado por magníficos cineastas como: Richard Brooks, Sam Fuller, Richard Fleischer…
Aldrich pensó que con el guion que tenía entre manos daba para hacer una peli con buenas escenas de acción, pero sin duda lo que más le atrajo de la historia era la ironía que planteaba el hecho de que los héroes eran un grupo de criminales y psicópatas.
Para mejorar el guion, llamó a su guionista habitual Lukas Heller que compartió los créditos del libreto con Nunnally Johnson
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| POLONIA |
Aunque Burt Lancaster estuvo entre las opciones para interpretar al Mayor Reisman, finalmente el papel fue para Lee Marvin. Con este trabajo, el actor logró componer uno de los personajes más icónicos de toda su carrera dando vida al encargado de meter en cintura a un heterogéneo grupo de pseudosoldados. Marvin preparó su personaje basándose en John Miara, un amigo personal de Massachusetts con el que sirvió en el Cuerpo de Marines durante la 2ª Guerra Mundial.
Además de interpretar su papel, Marvin, que era un experimentado veterano de guerra, ejerció durante la producción de asesor técnico de uniformes, armas y métodos de combate con el fin de que las representaciones fueran lo más realista posible
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| ITALIA |
Buena parte del peculiar escuadrón estuvo interpretado por actores muy conocidos como:
Charles Bronson que interpretó a Joseph Wladislaw. Era la cuarta peli que el actor hacía a las órdenes de Robert Aldrich y al igual que Lee Marvin, tenía una muy buena relación con el director.
John Cassavetes dio vida a Victor Franco, el rebelde del grupo, un chico malo que en la versión doblada española cambió su nombre a Franchi para que no coincidiera con el de Francisco Franco, el dictador que, por aquel entonces, gobernaba España.
Esta fue la única interpretación de John Cassavetes nominada al Oscar
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| JAPÓN |
Clint Walker fue Samson Posey. El actor, un gigante de casi 2 metros de estatura, era muy popular gracias a la serie televisiva “Cheyenne”(1955-1963) y también por haber protagonizado algunos westerns a las órdenes de Gordon Douglas.
La primera opción para interpretar a Archer Maggott, fue Jack Palance. Le ofrecieron un salario de 125.000$ más 1.000$ por cada semana de producción, pero Palance lo rechazó porque no quería interpretar a un racista, misógino y fanático religioso, las cualidades predominantes de Maggott, un personaje muy turbio que terminó interpretando Telly Savalas
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| SUECIA |
Jim Brown era el “fullback” de los Cleveland Browns y considerado por muchos el mejor jugador de la NFL. Aunque en el cine tan solo había aparecido en “Río Conchos”(1964), un extraordinario western de Gordon Douglas, fue fichado para el papel de Robert Jefferson.
El rodaje del film se iba retrasando y a medida que se acercaba el inicio de la temporada, la NFL amenazó con multar y suspender a Brown si no abandonaba la producción y se presentaba a entrenar con su equipo. El jugador convocó una rueda de prensa y anunció su retiro del futbol profesional para comenzar su carrera como actor
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| ESPAÑA |
El desgarbado Vernon Pinkley fue interpretado por Donald Sutherland. El actor tan solo había trabajado en series de TV y pequeños papeles en películas de bajo presupuesto. De hecho, fue contratado para la película porque el actor que iba a hacer su papel se retiró en el último momento. Nacido en Canadá, Sutherland malvivía en Londres intentando encarrilar su carrera profesional y contaba en una entrevista que este trabajo le había salvado la vida y que los 600$ de recibía por cada semana de producción era el mejor sueldo que había tenido hasta la fecha.
La escena en la que finge ser un general tenía que hacerla Clint Walker, pero el actor no se sentía cómodo y le comentó a Aldrich el problema. El director escogió a Sutherland para que lo sustituyera y fue precisamente gracias a esta escena que Robert Altman lo eligiera para protagonizar M*A*S*H (1970), la película que lo encumbró a lo más alto
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| RUSIA |
Trini López era un famoso cantante cuando fue contratado para encarnar a Pedro Jimenez, el soldado de origen latino. Aunque lo intentó, su carrera de actor nunca llegó a despegar.
Cuentan las malas lenguas que fue Frank Sinatra quien le aconsejó que dejara la película aludiendo que los retrasos en el rodaje, estaban perjudicando su popularidad y su carrera discográfica. López siguió el consejo de Sinatra y abandonó la producción. La verdad es que el cantante había rechazado un contrato de 200.000$ para hacer la peli y cuando pidió más dinero a los productores, le dijeron que no
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| ALEMANIA |
El Sargento Bowren, mano derecha del Mayor Reisman fue interpretado por el veterano Richard Jaeckel.
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| JAPÓN |
Con un presupuesto inicial de 4.000.000$, el rodaje comenzó el 25 de abril de 1966 en Londres. Todo el film se rodó en Inglaterra en los condados de Hertfordshire y Buckinghamshire. A pesar de las precauciones tomadas para proteger la producción en caso de mal tiempo, las continuas lluvias en los meses de verano hicieron que el rodaje se prolongara hasta el 13 de octubre de ese mismo año, lo que originó que el presupuesto se elevara hasta los 5.400.000$.
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| YUGOSLAVIA |
El castillo-fortaleza que aparece en el film fue construido para la película por un equipo de 85 profesionales capitaneados por el director artístico William Hutchinson. Fue uno de los decorados más grandes jamás construidos. Medía 73 metros de ancho y 15 metros de altura y estaba tan bien construido que cuando fueron a rodar la voladura, se dieron cuenta que para destruirlo necesitaban 70 toneladas de explosivos, así que les tocó hacer una réplica del castillo con materiales plásticos, de corcho y de fibra para poder volarlo.
Hasta la próxima
miércoles, 26 de febrero de 2025
DOCE MONOS (Twelve Monkeys, 1995)
CARTELERÍA
Terry Gilliam se dio a conocer en el mundillo cinematográfico gracias al aclamado grupo británico “Monty Python”. Había nacido en los Estados Unidos y tras viajar por media Europa, terminó recalando en Inglaterra donde muy pronto se unió al grupo humorístico y empezó a colaborar con ellos en el programa televisivo “Monty Python’s Flying Circus”(1969-1974)
Gilliam es un gran aficionado al comic y a la animación. Cuenta que “Senderos de Gloria”(1957) de Stanley Kubrick fue el film que cambió su percepción sobre el cine, haciéndole ver que además de para divertir, el cine era un medio ideal para lanzar mensajes y remover las conciencias de la gente
Su carrera como director ha tenido altibajos, ocasionados sin ningún género de duda por el tipo de cine que hace. En sus películas, Gilliam hace gran uso de la parodia, el surrealismo, el absurdo y el humor negro para plantearnos historias desoladoras muchas veces en mundos deprimentes
Varios de sus films, en el momento de su estreno, han sido auténticos fracasos tanto de crítica como de taquilla y hoy en día están considerados films de culto. Es un cineasta que siempre le ha costado mucho tanto financiar, como tener el control final de sus películas y los productores y algunos estudios han hecho verdaderas barbaridades en la edición final de sus películas. Por poner solo un ejemplo, la destroza que “Universal” le hizo en “Brazil”(1985)
“Doce Monos” es un film de Ci-Fi, que aunque se encuentra clasificado dentro del subgénero de “viajes en el tiempo”, transita por derroteros muy distintos a célebres referentes de este tipo de cine como pueden ser: “El Tiempo en sus Manos” (The Time Machine, 1960) o “Regreso al Futuro”(1985), principalmente por la particular manera de Gilliam de contarnos sus historias y mostrarnos sus universos
El proyecto nació cuando el productor Robert Kosberg, tras ver el cortometraje “El Muelle” (La Jetée, 1962), se puso en contacto con su director Chris Marker y le convenció para presentar la idea a “Universal Pictures” con el fin de hacer un largometraje tomando como inspiración la propuesta mostrada en su trabajo.
“Universal” aceptó el proyecto y compró los derechos
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| ALEMANIA |
Kosberg aceptó la labor de productor ejecutivo y Charles Roven, el famoso productor, entre otras de la trilogía que Christopher Nolan hizo sobre “Batman”, fue el encargado de sacar adelante la producción.
Contrataron a David Webb Peoples , el guionista de “Blade Runner”(1982) y de “Sin Perdón”(1992) para que escribiera el libreto. Un extraordinario guion que terminó firmando junto a su esposa Janet Peoples
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| NIKITA KAUN |
Aunque no había trabajado nunca con él, Charles Roven eligió a Terry Gilliam como director. La única condición que Gilliam puso fue que él sería el único responsable del montaje final, para así evitar que “Universal” metiera mano en la película acabada como había hecho anteriormente en “Brazil”(1985)
El estudio, en esas fechas estaba produciendo “Waterworld”(1995) de Kevin Reynolds. Un film que, debido a los sobrecostes, se había disparado a los 175.000.000$ de presupuesto. Esto fue motivo suficiente para aprobar para “Doce Monos” un ajustado presupuesto de tan solo 29.000.000$. Muy escaso para una película de Ci-Fi, pero que por otro lado, hizo que Gilliam (muy aficionado en ocasiones a excederse en el plano visual) se contuviera sin menguar por ello la fuerza de sus imágenes
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| MAINGER GERMAIN |
Terry Gilliam también se buscó la vida para conseguir un gran reparto.
Sus primeras opciones para los dos personajes principales masculinos fueron Nick Nolte para el papel de James Cole y Jeff Bridges para encarnar a Jeffrey Goines. Pero ambos llevaban años sin obtener ningún éxito de taquilla y fueron desestimados por el estudio que quería contar para esos papeles con dos estrellas que en esos momentos, atrajesen más a la gente a ir a los cines
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| ESPAÑA |
Cuando Robert De Niro rechazó interpretar a James Cole, se barajaron varias opciones. Nicolas Cage fue la primera opción del productor y “Universal” era partidario de ofrecerle el personaje a Sylvester Stallone. Finalmente, prevaleció la opinión de Terry Gilliam y Bruce Willis fue el candidato elegido para el papel.
Gilliam había conocido a Bruce Willis durante el casting de su anterior peli: “El Rey Pescador”(1991) y aunque no consiguió el papel para esa película, ambos se profesaban un respeto mutuo. De hecho, el director se había quedado impresionado por la sensibilidad con que el actor había interpretado la secuencia de “Jungla de Cristal” (Die Hard, 1988) en la que John McClane habla de su mujer mientras se está quitando los cristales incrustados en sus pies. Hablando con Willis descubrió que todo ese diálogo había sido improvisado por el actor y eso fue razón suficiente para que Terry Gilliam lo eligiera para protagonizar el film
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| JAPÓN |
Willis tenía tanto interés de trabajar con Terry Gilliam que aceptó rebajarse ostensiblemente su caché, tanto es así, que hizo la película prácticamente gratis y tan solo cobró su salario tras el estreno y una vez que el film se había convertido en un éxito en la taquilla.
Brad Pitt también se comprometió a hacer la película aceptando un salario relativamente pequeño porque además de querer trabajar con Gilliam y saber que contaba con un presupuesto muy ajustado, en el momento que firmó para dar vida al psicótico Jeffrey Goines, Pitt aun era un actor “prometedor”. Sin embargo, cuando se estrenó “Doce Monos”, ya se habían estrenado “Entrevista con el Vampiro”(1994), “Leyendas de Pasión”(1994) y “Se7en”(1995) y Brad Pitt se había convertido en una estrella, un hecho que sin duda le vino muy bien al film de Gilliam
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| DANNY SCHLITZ |
Terry Gilliam dudaba de que Brad Pitt fuera capaz de pronunciar correctamente las escenas de verborrea delirante que tenía en la película, así que lo envió a que ensayara con un profesor de oratoria con el que trabajó varias sesiones. Cuentan las malas lenguas que finalmente, para ayudar al actor, Gilliam lo que hizo fue quitarle los cigarrillos. Hay que reconocer que aunque en algunos momentos Pitt sobreactúa algo, los acelerados e impulsivos discursos los interpreta extraordinariamente. Exactamente como Gilliam quería.
Inolvidable la secuencia en la que va explicándole a un alienado Bruce Willis las dependencias y normas del psiquiátrico.
Johnny Depp era la otra opción para interpretar este personaje si Pitt no hubiese aceptado el papel.
Brad Pitt, por su interpretación de Jeffrey Goines, obtuvo su primera nominación al Globo de Oro y al Oscar al mejor actor secundario.
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| POLONIA |
La bella actriz Madeleine Stowe fue la encargada de dar vida a la Dra. Kathryn Railly. Aunque muchos la recordareis por sus papeles en “Revenge”(1990) de Tony Scott y “El Último Mohicano”(1992) de Michael Mann, fue su trabajo en “Sola en la penumbra” (Blink, 1993) un film de Michael Apted, lo que atrajo la atención de Terry Gilliam para ofrecerle el personaje.
Entre el reparto del film, encontramos en papeles secundarios a buenos actores como: Jon Seda, David Morse y el veterano Christopher Plummer
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| PETER MAHONEY |
Fue un rodaje dificultoso realizado entre el 8 de febrero y el 6 de mayo de 1995. Prácticamente todas las localizaciones se filmaron en Filadelfia y Baltimore y debido al crudo invierno, las primeras semanas tuvieron muchos problemas con la climatología. Además, Terry Gilliam tuvo un accidente y casi se mata mientras montaba a caballo. Pese a todos estos percances, Gilliam se ajustó al presupuesto previsto y tan solo se retrasó una semana en el cronograma de rodaje.
Para hacer más convincente la devastación acontecida en el mundo futuro (año 2035), los responsables del departamento de arte propusieron, sobre todo para el mundo subterráneo, una puesta en escena con un estilo steampunk, utilizando tecnología bastante antigua. De hecho muchos de los artefactos que aparecen en el film, fueron adquiridos en mercadillos de 2ª mano y chatarrerías
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| JAPÓN |
El diseño de producción corrió a cargo de Jeffrey Beecroft que ya había sido nominado para el Oscar por su labor en “Bailando con Lobos”(1990).
Los decorados se construyeron en edificios abandonados y lugares emblemáticos como el Teatro Senator de Baltimore, el Girard College o la Penitenciaría Estatal del Este en Filadelfia que era una prisión en desuso. El equipo de decoradores estaba capitaneado por Crispian Sallis que ya contaba con 2 nominaciones al Oscar y que lograría una tercera por los fastuosos decorados de “Gladiator”(2000)
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| BARTOSZ PIOTROWSKI |
Para la fotografía volvió a confiar en Roger Pratt, uno de sus colaboradores habituales desde la época con los Monty Python y para el montaje contó con Mick Audsley.
Un montaje que cuenta con muchas referencias, donde el tiempo y los monos juegan un papel predominante. Así, durante el metraje, podemos ver fragmentos del cortometraje “El súper vendedor prehistórico”(1969) con el Pájaro Loco viajando por un Túnel del Tiempo; del film de los hermanos Marx “Pistoleros de Agua Dulce” (Monkey Business, 1931); de “La Amenaza de Andrómeda”(1971) con los experimentos con los monos; de “Vértigo”(1958) el film de Hitchcock con la secuencia de las edades de los árboles…
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| REINO UNIDO |
Paul Buckmaster compuso una inquietante partitura. El repetitivo tema principal instrumentado a los sones de un acordeón pone de los nervios al más pintado. Para esta composición, Buckmaster elaboró una de sus majestuosas orquestaciones sobre el primer movimiento de la “Suite Punta del Este” del maestro argentino Astor Piazzolla.
Además de las composiciones de Buckmaster, en la película suenan también temas clásicos como: “What a Wonderful World”, “Sleep Walk”, “Blueberry Hill”, “Comanche”… e incluso fragmentos de composiciones de Mozart y de Schubert.
Paul Buckmaster fue uno de los músicos que colaboraron con David Bowie en el videoclip de “Space Oddity”. Un reconocido arreglista y compositor que trabajó además de con Bowie, con otras leyendas del rock como Elton John, Harry Nilsson y Los Rolling Stones
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| FRANCIA |
El film tuvo un preestreno en la ciudad de Nueva York el 8 de diciembre de 1995 y el estreno oficial en Estados Unidos fue unos días más tarde, el 27 de diciembre.
En España se estrenó el 21 de marzo de 1996.
La película fue todo un éxito de crítica y taquilla recaudando casi 170.000.000$.
Tras el estreno, el arquitecto Lebbeus Woods demandó a “Universal” porque la silla de interrogatorio frente a la esfera que aparece en las escenas donde Bruce Willis es interrogado por los científicos, era prácticamente igual que la que aparecía en una ilustración suya de 1987 titulada: “Neomechanical Tower (Upper) Chamber”. Woods logró que el tribunal detuviera la proyección en los cines y exigió a “Universal” que eliminara las escenas. Finalmente, el estudio lo solucionó llegando a un acuerdo económico con el artista y las imágenes se mantuvieron en el film
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| EDGAR ASCENSAO |
La popularidad alcanzada por la película, originó una serie de TV titulada también “12 Monos”(2015-2018) con 4 temporadas y 47 episodios.
Por cierto, lo de “El Ejército de los Doce Monos” está sacado de “La Magia de Oz” una de las novelas originales que L. Frank Baum escribió sobre “El Mundo de Oz”. En la novela hay un pasaje donde se cuenta como el Rey Nomo y Kiki Aru para conquistar Oz convencen a doce monos asegurándoles un suministro interminable de comida si se convierten en soldados para ellos.
En fin, creo que una de las cosas más interesantes del género de Ciencia- Ficción es que te haga pensar y tal como está el panorama mundial, os aseguró que la peli de Gilliam cumple este cometido con nota alta. Posiblemente sea la mejor película de toda su filmografía y desde luego, si la cosa no cambia, el mensaje que transmite va a estar de vigente actualidad hasta el fin de los días porque tras la barbaridad que supuso toda la epidemia del Covid-19, este mensaje puede resultar hasta bastante profético.
Hasta la próxima
martes, 25 de febrero de 2025
miércoles, 29 de enero de 2025
RÍO BRAVO (Rio Bravo, 1959)
CARTELERÍA
Aunque hoy en día está considerada como una de las mejores películas sobre el Antiguo Egipto, “Tierra de Faraones”(1955) fue, en el momento de su estreno, un rotundo fracaso en la taquilla. Desilusionado por las críticas recibidas, su productor y director Howard Hawks, se tomó un año sabático y se fue a vivir a Europa
Fue durante este retiro donde comenzó a preparar una nueva película para Warner Bros. que se iba a llamar “África” y que iba a protagonizar Gary Cooper. El rodaje estaba programado para que comenzara el mes de septiembre de 1956 en el continente africano, pero en agosto de ese mismo año Gary Cooper decidió que prefería irse a rodar en París “Ariane” (Love in the Afternoon, 1957) con Billy Wilder, y dejó plantado a Hawks con su proyecto africano. El director demandó a “la Warner” por más de 1.000.000$ en concepto de daños y perjuicios y la productora llegó a un acuerdo con él asegurándole el apoyo en su siguiente proyecto
Como Hawks era uno de esos tipos hechos a la vieja usanza que no pegan puntada sin hilo y que además piensan que la venganza se debe tomar en plato frío, pues no se le ocurrió otra cosa que hacer un western a modo de respuesta al mayor éxito de Cooper en el género: “Solo ante el Peligro” (High Noon, 1952) corrigiendo todo lo que a él, como patriota y anticomunista declarado, no le cuadraba.
“No me parece que un sheriff deba correr por la ciudad como un polluelo asustado pidiendo ayuda, y que al final sea su esposa cuáquera quien lo salve. Esa no es la idea que yo tengo de un buen sheriff” argumentaba Hawks en una entrevista
Durante su estancia en Europa, el director se había dado cuenta de lo populares que se habían hecho las series televisivas ambientadas en el Oeste, percatándose de que al público le interesaban más los personajes de estas series que las tramas de los telefilms. Así que decidió que su nuevo western, en lugar de tener una trama principal, centraría toda la atención en los personajes, unos personajes que abordarían varias líneas argumentales desarrolladas simultáneamente
En un principio, los jefazos de Warner Bros. se negaron, pero cambiaron de opinión cuando Hawks les dijo que iba a convencer a John Wayne para que protagonizara el film.
Wayne no había hecho un western desde “Centauros del Desierto” (The Searchers, 1956) y la verdad es que desde entonces, ninguna de sus películas habían sido nada del otro mundo, además Hawks sabía que al actor tampoco le había gustado nada “Solo ante el Peligro” (High Noon, 1952)
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| ALEMANIA |
El actor había tachado el film de Fred Zinnemann de “antiamericano”, declarando que la historia de ese director extranjero representaba a la sociedad americana como cobarde y cínica, desentendiéndose de los verdaderos valores patrióticos estadounidenses.
Además, Wayne era un gran defensor de las listas negras confeccionadas por el “Comité de Actividades Antiamericanas” del senador McCarthy y hay que recordar que muchos vieron en “Solo ante el Peligro” una alegoría del lamentable comportamiento que mucha gente de Hollywood demostró ante la “caza de brujas” del inefable senador
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| FRANCIA |
Hawks y Wayne no habían vuelto a trabajar juntos desde que hicieron “Río Rojo”(1948), pero desde entonces les unía una gran amistad, así que cuando le contó lo que se proponía hacer en “Río Bravo”, el actor ni se lo pensó y aceptó enseguida el papel.
Por interpretar al sheriff John T. Chance, John Wayne cobró 750.000$ y fue la última película en la que lució el sombrero que llevaba desde “La Diligencia”(1939)
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| SUECIA |
El guion de la película se basa en el relato de B.H. McCampbell, que en realidad era Barbara Hawks, la hija del director. Hawks contrato al veterano Jules Furthman, un escritor que ya le había escrito los guiones para “Solo los Ángeles tienen Alas”(1939), “Tener y No Tener”(1944) y “El Sueño Eterno”(1946); y a Leigh Brackett, una novelista de Ci-Fi con la que seguiría contando el resto de su carrera.
En 1977, George Lucas contrató a Brackett para que ayudara a Lawrence Kasdan a escribir el guion de “El Imperio Contraataca”(1980), la secuela de “La Guerra de las Galaxias”(1977) y aunque la guionista falleció en 1978, poco después de presentar el primer borrador, muchas de sus ideas fueron incluidas en el film
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| CHECOSLOVAQUIA |
Walter Brennan (Stumpy) fue el primer fichaje de Howard Hawks para formar el equipo de ayudantes del sheriff. Hawks sabía de la buena química que el actor tenía con John Wayne porque lo había comprobado en “Río Rojo”(1948) y además, Brennan siempre era una garantía en todas las películas en las que intervenía
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| ITALIA |
La primera opción para interpretar el papel de Dude fue Frank Sinatra. Hawks negoció con el actor pero finalmente no llegaron a un acuerdo.
Tras el rechazo de Sinatra, se puso en contacto con Montgomery Clift, pero el actor era un demócrata liberal convencido y un reconocido bisexual en el mundillo de Hollywood y rechazó el trabajo porque no quería volver a trabajar con John Wayne y Walter Brennan, ambos de ideas muy conservadoras y con los que ya había trabajado en “Río Rojo”(1948). Aun así, Clift fue el que le sugirió a Hawks que le diera el papel a Dean Martin con el que acababa de trabajar en “El Baile de los Malditos” (The Young Lions, 1958)
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| ESPAÑA |
Sinatra, que era intimo amigo de Dean Martin, ya le había hablado de la película que estaba preparando Hawks, así que Martin envió inmediatamente a su agente a que se reuniera con el director.
Hawks aceptó reunirse con el actor a las 9:30 de la mañana siguiente. Cuentan las crónicas que cuando Hawks se enteró de que Martin había hecho un espectáculo en Las Vegas hasta altas horas de la madrugada y que había contratado un vuelo privado para llegar puntual a la reunión, quedó tan impresionado que inmediatamente le dio el papel
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| YUGOSLAVIA |
Para dar vida al personaje de Colorado, Hawks quería a alguien que conectara con los adolescentes, con el fin de que estos acudieran a los cines a ver la peli. Las malas lenguas aseguran que con el primero que contactó fue con Elvis Presley, que estaba entusiasmado con la oportunidad de trabajar en el film, pero por desgracia para él, su representante el coronel Parker, pidió demasiado dinero y un lugar junto a Wayne en los títulos de crédito, consiguiendo que Elvis fuera descartado para el papel
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| FRANCIA |
Hawks continuó la búsqueda y actores como Tony Curtis, Ty Hardin y Michael Landon estuvieron entre las opciones que se planteó el director. Finalmente terminó eligiendo a Ricky Nelson. Cantante de rock `n’ roll e ídolo de adolescentes del momento que había debutado con 12 años en una serie televisiva: “Las aventuras de Ozzie y Harriet”(1952-1966) acompañando a sus padres que también eran actores.
Ricky cumplió 19 años en el set de “Río Bravo” y a Hawks la jugada le salió perfecta porque fue el western más taquillero de 1959, recaudando más de 12.500.000$.
Fue el último largometraje en el que intervino el extraordinario actor de reparto Ward Bond. Esta era la 22ª peli que hacía junto a John Wayne.
John Russell y Claude Akins fueron los hermanos Burdette, los malos de la función.
Pedro González y Estelita Rodríguez interpretaron al simpático matrimonio mexicano que regenta el hotel “El Álamo”
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| DINAMARCA |
En las películas de Howard Hawks, las chicas siempre son personajes con mucho carácter. Mujeres decididas, aventureras e independientes que vuelven loco al más pintado y que no se limitan a ponerle tiritas al héroe de turno. Solo hay que recordar personajes como el de Katharine Hepburn en “La Fiera de mi Niña” (Bringing Up Baby, 1938); o el de Barbara Stanwyck en “Bola de Fuego”(1941), para entender lo que digo.
Para el papel de Feathers, Hawks barajó nombres como el de Rhonda Fleming, Carolyn Jones o Donna Reed pero terminó eligiendo a Angie Dickinson tras ver su actuación en “El Caso del Testigo Tuerto” un telefilm de la serie “Perry Mason”(1957-1966)
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| ARGENTINA |
Howard Hawks contó con un presupuesto de algo más de 1.200.000$ y filmó la película en 61 días de rodaje entre el 1 de mayo y el 23 de julio de 1958.
Los exteriores se rodaron en los estudios Old Tucson, una réplica de ciudad del Oeste en el estado de Arizona, cerca del desierto de Sonora, donde se habían filmado westerns como: “Arizona”(1940) y “Duelo de Titanes” (Gunfight at the O.K. Corral, 1957). El rodaje al aire libre fue un infierno debido a los 48ºC de temperatura y a las nubes de langostas que en ocasiones cubrían los sets.
Los interiores se filmaron en el Stage 4 de los estudios Warner Bros. en Burbank
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| JAPÓN |
Allí un equipo de profesionales liderado por el director artístico Leo K. Kuter y el decorador Ralph S. Hurst, que acababa de ser nominado al Oscar por los decorados de “Gigante”(1956), se encargaron de construir el salón, la oficina del sheriff y el hotel. Los tres escenarios donde prácticamente se desarrolla toda la acción del film.
Como director de fotografía volvió a contar con Russell Harlan, un profesional que aunque estuvo 6 veces nominado al Oscar, incomprensiblemente nunca llegó a ganarlo. Fue todo un maestro tanto en el blanco y negro como con el color y lo demostró en films como: “Matar un Ruiseñor”(1962), “La Carrera del Siglo” (The Great Race, 1965) y “El Loco del Pelo Rojo” (Lust for Life, 1956)
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| ITALIA |
La película tiene escenas memorables. Hawks tomó la audaz decisión de dirigir la secuencia de apertura homenajeando la era del cine mudo. Un arranque que por sí mismo es toda una clase magistral de buen cine. No diré que es improvisada, pero sí que fue planificada en el mismo momento del rodaje.
Hawks disfrutaba creando situaciones inesperadas en los rodajes. Algunas escenas las cambiaba sin consultar a los actores con el fin de alentarlos a que improvisaran y sugirieran nuevas ideas.
Inolvidable la secuencia de la gota de sangre cayendo en la jarra de cerveza
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| BRASIL |
Dimitri Tiomkin compuso una extraordinaria partitura para el film. También adaptó su tema “Settle Down” que había compuesto para “Río Rojo”(1948) convirtiéndolo en la mítica canción “My rifle, my pony and me” que Martin y Nelson cantan en la película en otra de las escenas inolvidables.
Aprovechando que el film estaba protagonizado por dos cantantes, Hawks introdujo dos canciones más en la peli: “Cindy” cantada por Nelson a continuación de la antes citada y “Río Bravo” que Dean Martin canta en los créditos finales.
Johnny Cash escribió un tema titulado: “Restless kid” para que Nelson lo cantara en el film, pero fue rechazado por Tiomkin que prefería que en la película se cantaran sus canciones. “Restless kid” resumía en apenas 2 minutos a Colorado, el personaje interpretado por Ricky Nelson en el film. Ese mismo año, Nelson lo grabó en su tercer LP titulado “Ricky sings again”(1959)
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| ESPAÑA |
El estreno oficial en Estados Unidos fue el 4 de abril de 1959 en el “Roxy Theatre” de Nueva York.
En España se estrenó el 23 de noviembre de ese mismo año.
La película fue un rotundo éxito de taquilla, tanto es así, que Hawks volvió a repetir la fórmula en “El Dorado”(1966) su penúltima película.
“Río Bravo” ha sido fuente de inspiración para películas como “Asalto a la comisaría del distrito 13”(1976) de John Carpenter e incluso comics, como “El hombre de la estrella de plata” de la sensacional serie “El teniente Blueberry” creada por Jean-Michel Charlier y Jean Giraud.
En fin, no sé si fue a José Luis Garci a quien oí decir que “Río Bravo” era el “corazón” de la filmografía de Howard Hawks, puede ser una buena definición. Para mi es ante todo, un canto a la amistad. El film donde su director nos muestra todas sus cartas, las señas de identidad con las que construye a sus personajes. Unos tipos que ante todo son unos profesionales. Que cobran por hacer las cosas bien y ponen todo su empeño en hacerlas de esta manera. Es también una de esas películas en las que John Wayne dice más con sus miradas que con sus palabras y sin duda, el mejor trabajo de Dean Martin en la pantalla. Uno de los westerns imprescindibles y una de las películas que cuanto antes la ves, antes empiezas a amar el Cine.
Hasta la próxima