miércoles, 27 de agosto de 2025
REGRESO AL FUTURO (Back to the Future, 1985)
CARTELERÍA
Aunque hoy en día Robert Zemeckis está considerado uno de los cineastas más influyentes del panorama cinematográfico, hay que reconocer que sus inicios como director no presagiaban nada bueno. Sus dos primeros films, aunque estuvieron apadrinados por Steven Spielberg, fracasaron en la taquilla. Con su tercera película “Tras el Corazón Verde” (Romancing the Stone, 1984) logró por fin un éxito y al año siguiente, estrenó una de esas películas que le gustan a todo el mundo
Una película que, sin duda, es una de las más exitosas de los años 80. Mezcla de comedia juvenil con ciencia-ficción y una apuesta que pese a que cueste creerlo, nadie daba un duro por ella
La inspiración para la historia surgió cuando Bob Gale, co-guionista y colaborador habitual de Zemeckis, descubrió un anuario antiguo de su padre y se preguntó: ¿si se hubieran conocido en el instituto, se habrían hecho amigos? y claro, la única forma de saberlo, sería viajando al pasado y conocer a su padre en aquella época. A Zemeckis le encantó la idea del viaje en el tiempo y a finales de 1980 empezaron a escribir el guion
En abril de 1981 el borrador estaba terminado y Zemeckis se puso manos a la obra para venderlo a algún estudio.
Las comedias de adolescentes del momento eran bastante gamberras y atrevidas en comparación con la propuesta de “Regreso al Futuro”, me refiero a títulos como: “Porky’s”(1981) o “Aquel excitante curso” (Fast Times at Ridgemont High, 1982), así que todos los grandes estudios rechazaron el guion.
En aquel momento, tan solo Spielberg creía en el proyecto
Mientras tanto, Zemeckis dirigió “Tras el Corazón Verde” (Romancing the Stone, 1984), una modesta producción de aventuras de 10.000.000$ de presupuesto que, frente a todos los pronósticos, consiguió una taquilla de 86.000.000$, y que le dio el prestigio suficiente para reemprender la búsqueda de financiación para “Regreso al Futuro”
Aunque en un principio “Columbia Pictures” se hizo con los derechos, gracias a una jugada maestra, el proyecto terminó en manos de “Universal” que casualmente tenía un acuerdo para desarrollar proyectos con “Amblin Entertainment”, la productora de Steven Spielberg.
Increíblemente, el guion había sido rechazado 44 veces.
En las clases de escritura de la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad del Sur de California, utilizan el guion de “Regreso al Futuro” como modelo de “guion perfecto”
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| ESPAÑA |
El cartel original de la película fue realizado por Drew Struzan, uno de los ilustradores más prestigiosos de la Historia. Aunque ya está retirado, fue autor de más de 200 carteles cinematográficos
Para interpretar a Marty McFly, la primera opción fue Michael J. Fox, pero el actor era la estrella de la serie de TV “Enredos de Familia” (Family Ties, 1982-1989) y los productores no podían permitirse el lujo de prescindir de él, así que tuvo que rechazar la oferta
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| ALLAN GILLET |
El rodaje comenzó con C. Thomas Howell interpretando el papel, pero a las dos semanas fue sustituido por Eric Stoltz. Después de 4 semanas de rodaje con Soltz y con 40 minutos de metraje del film hechos, Zemeckis, Gale y Spielberg decidieron que tampoco era el actor idóneo para el personaje.
Hubo una nueva reunión con Gary David Goldberg, el productor de “Enredos de Familia” y esta vez, sí que accedió a que Fox fuera a rodar la película con la condición de que se comprometiera a seguir rodando también la serie.
Michael J. Fox aceptó el papel sin tan siquiera leer el guion
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| RALF KRAUSE |
Para cumplir con ambas producciones, el actor dormía una media de 5 horas al día. Rodaba la película por las noches entre las 18:00 y las 6:00 de la mañana, y las escenas diurnas, los fines de semana. Volver a rodar las escenas que había rodado Eric Soltz, hicieron aumentar 3.000.000$ el presupuesto. La llegada de Fox a la producción hizo que por fin esta despegara porque, además de encajar perfectamente con el personaje, mejoró las actuaciones de todo el resto del reparto
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| SIMON FAIRHURST |
Ralph Macchio y Matthew Modine rechazaron el papel de Marty McFly. Johnny Depp, Charlie Sheen, John Cusack, Ben Stiller y Robert Downey Jr. fueron algunos de los actores que audicionaron o fueron considerados para el papel
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| LUDO D. RODRIGUEZ-PASCAL |
El primer candidato para interpretar al Dr. Emmett Brown fue John Lithgow, pero por problemas de agenda no pudo aceptar el papel. Fue entonces cuando Neil Canton, uno de los productores, le ofreció el personaje a Christopher Lloyd. Inicialmente, el actor lo rechazó pero la actriz Kay Tornborg, que por aquel entonces era su esposa, lo convenció para que lo aceptara
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| HUNGRÍA |
Lloyd basó la caracterización de su personaje en una combinación entre Albert Einstein y el director de orquesta Leopold Stokowski .
Muchos de los diálogos que escuchamos en la película fueron improvisados por el actor.
La química que logró junto a Michael J. Fox fue fundamental para el éxito del film.
Otros actores considerados para el papel fueron: James Woods, Jeff Goldblum, Donald Sutherland, John Cleese, Gene Wilder y Dick Van Dyke
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| ANDIEWINGTON |
El reparto principal se completó con: Lea Thompson (Lorraine Baines McFly), Claudia Wells (Jennifer Parker), Tom Wilson (Bliff Tannen) y Crispin Glover (George McFly) extraordinario en el rol de padre de Marty. El actor que por aquel entonces era un novato, se ponía muy nervioso durante el rodaje y en ocasiones le costaba mucho incluso articular la voz, teniéndose que doblar, durante la postproducción, algunos de sus diálogos. Este nerviosismo en lugar de ser un hándicap, mejoró su actuación ya que el apocado y tímido personaje estaba diseñado así
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| QAISER AZIM |
La máquina del tiempo en un principio iba a ser un refrigerador, pero lo desestimaron porque pensaron que igual les daba a los chavales por meterse en la nevera esperando ser teletransportados. Así que optaron por un DeLorean DMC-12 de 1981 con un motor PRV de 6 cilindros, que aunque os cueste creerlo, está considerado como uno de los peores coches de todos los tiempos. Lawrence Paul fue el responsable del diseño final.
La particular apariencia del coche con sus puertas de alas de gaviota resultaba convincente para que las personas de 1955 asumieran que podía ser una nave espacial
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| REINO UNIDO |
El DeLorean había sido inventado en 1975 y la empresa se había declarado en bancarrota en 1982, así que a Gale y a Zemeckis les pareció una forma humorística de convertirlo en su máquina del tiempo. Tras el estreno de la película recibieron una carta de John DeLorean agradeciéndoles haber inmortalizado su automóvil.
Actualmente se siguen fabricando en Texas con piezas antiguas e incorporando un condensador de flujo meramente decorativo para deleite de caprichosos y coleccionistas
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| AL ABBAZIA |
Zemeckis rodó la película en 100 días, entre el 26 de noviembre de 1984 y el 26 de abril de 1985. La idea inicial era estrenarla en agosto de ese mismo año, pero para chequear el impacto que tendría el film, hicieron una proyección con un montaje preliminar y tras el visionado, todos los asistentes estaban eufóricos.
Fue entonces cuando los productores decidieron adelantar el estreno y para eso tuvieron que contratar a dos montadores: Arthur Schmidt y Harry Keramidas que, junto a los editores de sonido, estuvieron trabajando en turnos de 24 horas al día
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| JAPÓN |
La dirección de fotografía corrió a cargo de Dean Cundey, colaborador habitual en estas labores de John Carpenter. Con Zemeckis ya había colaborado en su anterior film. Con Spielberg también ha trabajado en títulos como “Hook”(1991) y “Jurassic Park”(1993).
El diseño de producción fue obra de Lawrence G. Paull que ya había sido nominado para el Oscar por su trabajo en “Blade Runner”(1982) y Deborah L. Scott fue la diseñadora de vestuario. Fue su primer trabajo importante como responsable de este departamento. Antes había trabajado como auxiliar y supervisora de vestuario en films como: “E. T. El Extraterrestre”(1982) o “Calles de Fuego”(1984)
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| SUECIA |
Hal Gausman, un veterano que había trabajado muchos años para la Disney en películas míticas como “Mary Poppins”(1964) y “Mi Amigo El Fantasma” (Blackbeard’s Ghost, 1968), fue el encargado de capitanear un equipo para la realización de todos los decorados.
Gausman fue un maestro de la decoración. En su dilatada carrera contó con 5 nominaciones al Oscar, entre ellas la que obtuvo por “Los Intocables de Eliot Ness”(1987). Zemeckis quiso homenajearlo y le dio un pequeño papel sin acreditar en el film interpretando al Mayor Red Thomas
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| ALYN SPILLER |
A Spielberg, que era uno de los productores del film, no le había entusiasmado mucho la música que Alan Silvestri había compuesto para “Tras el Corazón Verde” (Romancing the Stone, 1984), la anterior peli de Zemeckis y no pensaba contar con él para “Regreso al Futuro”.
Zemeckis, que siempre ha contado con Silvestri para componer sus bandas sonoras, había montado el montaje provisional que se pasaba antes del estreno para “chequear” al público con una pista de música provisional que Silvestri le había compuesto. Cuando Spielberg vio la proyección, se quedó maravillado de la música y le dijo a Zemeckis: “Este es el tipo de música que necesita la película” y Zemeckis le respondió: “Pues entonces tendremos que contratar a Silvestri, porque esta música es suya”. Spielberg que no lo sabía, aceptó inmediatamente contratar al músico. El tema principal que Alan Silvestri compuso para la película es todo un clásico de la música cinematográfica utilizado en infinidad de campañas publicitarias y como sintonía de eventos internacionales
Además del “score” compuesto por Silvestri, la película cuenta con un buen número de canciones inolvidables que han quedado para siempre vinculadas a las imágenes del film. Me refiero a “The Power of Love” y “Back in Time” de Huey Lewis & The News, “Earth Angel (Will You Be Mine)” de Harry Waters Jr. & The Starlighters y por supuesto el “Johnny B. Goode” de Chuck Berry, que en la película canta Mark Campbell & The Starlighters, y que sirve para que Marty McFly se pegue un desparrame guitarrero en una, a mi entender, secuencia memorable
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| YVAN QUINET |
El estreno en Estados Unidos fue el 3 de julio de 1985 y en España se estrenó el 2 de diciembre de ese mismo año.
Terminó costando 19.000.000$ y fue el film más taquillero del año manteniéndose en el nº1 de la taquilla durante tres meses seguidos. Todo un record en ese momento. Recaudó más de 385.000.000$ en todo el mundo y ganó el Oscar a los mejores efectos de sonido.
Originó 2 secuelas, una en 1989 y la otra en 1990.
Michael J. Fox, que tan solo cobró 250.000$ por hacer la película, se embolsó 5.000.000$ por cada una de las dos secuelas.
La serie de animación “Rick y Morty”(2013) está claramente inspirada en los dos personajes de “Regreso al Futuro”, sus dos protagonistas son parodias de Doc y Marty.
En fin, no cabe duda de que a Robert Zemeckis siempre le ha gustado experimentar en sus películas. Hizo evolucionar la mezcla de imagen real con animación en “¿Quién engañó a Roger Rabbit?(1988)”; también mejoró los efectos especiales con la estupenda comedia negra “La Muerte Os Sienta Tan Bien”(1992); probó nuevas técnicas fotográficas en la oscarizada “Forrest Gump”(1994); nos hizo “degustar los sonidos del silencio” en “Naúfrago”(2000), una de las joyas de su filmografía; revolucionó las técnicas de captura en movimiento con una “virguería” titulada “Polar Express”(2004)… personalmente, creo que es uno de los grandes innovadores de la industria cinematográfica. Así que celebremos el 40 aniversario de esta divertida película que es “Regreso al Futuro” porque si no hubiese sido por el empeñó de este innovador, nunca habríamos conocido a Doc y a Marty McFly, dos de los personajes cinematográficos más icónicos del siglo XX.
Hasta la próxima
martes, 26 de agosto de 2025
miércoles, 30 de julio de 2025
SHUTTER ISLAND (Shutter Island, 2010)
CARTELERÍA
Dennis Lehane es un escritor estadounidense que ha colaborado como guionista en series de TV como “The Wire”(2002-2008) y “Boardwalk Empire”(2010-2014). Actualmente es productor y creador de series como: “Encerrado con el Diablo” (Black Bird, 2022) y “Smoke”(2025). Nacido en Boston en 1965, es además un exitoso novelista cuyas obras, tarde o temprano, terminan siendo adaptadas al cine
Clint Eastwood fue el primero en escoger una de sus novelas para hacer uno de sus mejores films: “Mystic River”(2003). Ben Affleck lo ha adaptado dos veces, en “Adiós Pequeña, Adiós”(2007) y “Vivir de Noche”(2016) y Martin Scorsese lo hizo para rodar la inquietante película que vamos a recordar este mes: “Shutter Island”
Publicada en el año 2003, los derechos cinematográficos de la novela de Lehane fueron rápidamente adquiridos por “Columbia Pictures”. En un principio, la idea era que la dirigiera Wolfgang Petersen pero el proyecto nunca llegó a realizarse y los derechos volvieron a manos del escritor
Fue en octubre del 2007 cuando “Paramount Pictures” comunicó que se había hecho con los derechos de “Shutter Island” con la intención de ofrecérsela a David Fincher para que la dirigiera
Tras el éxito obtenido con “Infiltrados” (The Departed, 2006), Martin Scorsese tenía planeado rodar “El Lobo de Wall Street”(2013) pero la falta de financiación había impedido que la producción saliera adelante y mientras surgía un proyecto interesante Scorsese se había ido a filmar “Shine a Light”(2008) un documental sobre la carrera de los Rolling Stones con imágenes de su gira “A Bigger Bang”
Y este proyecto interesante llegó cuando el guion escrito por Laeta Kalogridis cayó en las manos de Scorsese. El director se dio cuenta enseguida de las posibilidades que tenía la historia narrada en “Shutter Island” y sabía también que Leonardo DiCaprio era el actor idóneo para interpretar al agente federal Teddy Daniels
Esta película es la cuarta colaboración entre el actor y el director. DiCaprio se había convertido en su nuevo actor fetiche y tras leer el guion, también se sintió fascinado con la historia. Aceptó el papel y en marzo del 2008 se dio luz verde a la producción
Confeccionar el reparto no conllevó demasiados problemas. Para interpretar al agente federal Chuck Aule, compañero de fatigas del personaje interpretado por DiCaprio, consideraron a Josh Brolin y a Robert Downey Jr. pero mientras se decidían por uno u otro, Mark Ruffalo le escribió una carta a Scorsese diciendo lo que admiraba su trabajo y las ganas que tenía de trabajar con él y el director le adjudicó el personaje
Para dar vida a los dos doctores al frente de la institución, no podían haber elegido a nadie mejor que a Ben Kingsley (Dr. Cawley) y al veterano Max von Sydow (Dr. Naehring). Sencillamente, espectacular la composición de personajes que ambos realizan
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| MAX FITZGERALD |
Michelle Williams, la Marilyn Monroe de “Mi Semana con Marilyn”(2011) y que muchos recordareis acompañando a Hugh Jackman en “El Gran Showman”(2017) interpreta a Dolores, la esposa del agente Daniels.
Cuando comenzó el rodaje, la actriz acababa de perder a su expareja, el actor Heath Ledger, y no cabe duda que el momento emocional en que la actriz se encontraba tras su inesperada muerte, influyó en gran medida en ciertos matices de su interpretación
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| JOEL AMAT GÜELL |
En el reparto aparece también un trío de secundarios de lujo: Ted Levine (Warden), Elias Koteas (Laeddis) y Jackie Earle Haley (George Noyce) un veterano con muchas series de TV a sus espaldas y que por si no lo sabéis os diré que es el actor que hay bajo la máscara del Rorschach de los “Watchmen”(2009) en el film de Zack Snyder
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| LAURENT DURIEUX |
El rodaje se realizó prácticamente todo en Massachusetts entre el 6 de marzo y el 30 de junio del 2008. La peli se iba a titular “Ashecliff” que es el nombre de la institución penitenciaria, pero finalmente decidieron titularlo como la novela.
“Shutter Island” es un anagrama de “truths and lies” (verdades y mentiras) y de “truths/denials” (verdades/negaciones), un claro guiño al juego en el que se desenvuelven los personajes
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| SKOGHELL |
Desde el principio, Scorsese hace partícipe de este juego al espectador, dándole continuamente pistas para que trate de desvelar el asombroso desenlace de la historia que le está narrando.
Prácticamente durante todo el metraje, el cielo está nublado y la lluvia se va intensificando a medida que avanza la historia. De hecho, el sol solo aparece en las escenas finales. Esta es una de las referencias que el film hace a Freud, el “padre” del psicoanálisis, que describía el subconsciente como un confuso clima nublado en contraste con los cielos despejados de la consciencia
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| GARBHÁN GRANT |
Contaron con un presupuesto de 80.000.000$.
Para dar una idea del estilo que pretendía mostrar en la película, Scorsese cogió al equipo técnico y al reparto y les proyectó “Vértigo (De Entre los Muertos)”(1958) de Alfred Hitchcock y “Retorno al Pasado”(1947) de Jacques Tourneur.
Para componer el personaje de Teddy Daniels, el rol interpretado por DiCaprio, Scorsese tomó como referencia al teniente McPherson, el detective que Dana Andrews inmortalizó en “Laura”(1944) de Otto Preminger
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| ESPAÑA |
Toda la realización en el apartado técnico es un portento. Scorsese, como siempre, se rodeó de los mejores profesionales en la materia. Empezando por el director de fotografía Robert Richardson, habitual colaborador en esta faceta en los films de Oliver Stone y que con Scorsese ya había trabajado en “Casino”(1995) y “El Aviador”(2004). Es responsable también de la fotografía en muchas pelis de Tarantino como: “Malditos Bastardos”(2009) y “Los Odiosos Ocho”(2015)
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| MEDIAENTHUSIAST02 |
También hay que hacer mención del extraordinario montaje realizado por Thelma Schoonmaker, habitual editora de Scorsese y con la que ya había ganado 3 Oscars. Espectacular la manera que tiene de insertar los numerosos flashbacks que nos muestran los horribles recuerdos que carga el personaje de DiCaprio
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| RUSIA |
Pero donde Scorsese demuestra realmente su talento, es en la fascinante puesta en escena y para ayudarlo en estos menesteres contó con el diseño de producción del maestro Dante Ferretti, un tipo que comenzó su carrera en su Italia natal a las órdenes de grandes directores como Pasolini, Fellini, Liliana Cavani… y que ya llevaba tiempo trabajando con él.
Ferretti como siempre contó con Francesca Lo Schiavo, su habitual diseñadora de decorados. Una pareja de expertos que han adornado películas tan inolvidables como: “El Nombre de la Rosa”(1986) o “Entrevista con el Vampiro”(1994)
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| JAPÓN |
Para la banda sonora de la película, en lugar de contar con Howard Shore, compositor con el que estaba trabajando en sus anteriores films y que ya había demostrado su valía en algún que otro thriller psicológico como “El Silencio de los Corderos”(1991) o “Seven”(1995), Scorsese contactó con el supervisor musical Robbie Robertson que confeccionó una selección de temas musicales que se acoplan brillantemente a las imágenes del film.
Una selección donde encontramos entre otras: el cuarteto para piano y cuerdas en A menor de Gustav Mahler que suena en la secuencia donde se presenta el Dr. Naehring, el personaje interpretado por Max von Sydow. Además hay un buen número de piezas sinfónicas de compositores contemporáneos como un fragmento de la sinfonía nº 3 del polaco Krzysztof Penderecki o la melancólica composición de Max Richter “On the Nature of Daylight” y canciones de los años 50 como el “Cry” de Johnnie Ray o “Wheel of Fortune” de Kay Starr
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| HANS WOODY |
“Shutter Island” se iba a estrenar en octubre de 2009 para competir por los “Oscars” de ese año pero fue imposible. Problemas con la financiación y con la agenda de DiCaprio que estaba inmerso en un nuevo rodaje hicieron inviable promocionar la película.
Aun así, tuvo una proyección “secreta” en diciembre del 2009 en el Festival de Cine de Austin. A los críticos que asistieron a la proyección, se les pidió que no publicaran sus reseñas hasta la fecha oficial de su estreno que finalmente fue en Alemania, el 13 de febrero del 2010 dentro del Festival de Cine de Berlín.
Cuatro días después, el 17 de febrero, se estrenó en Nueva York y el 19 fue su estreno en España.
Obtuvo grandes elogios de la crítica y se convirtió en la película más taquillera de Scorsese recaudando unos 295.000.000$ en todo el mundo.
En fin, el cinéfilo veterano encontrará referencias a clásicos en los que se mezclan las situaciones reales con las vivencias oníricas del protagonista, me refiero a películas como “Recuerda” (Spellbound, 1945) y “Vértigo (De Entre los Muertos)”(1958) de Hitchcock o “Jennie” (Portrait of Jennie, 1948) de Dieterle, pero el film de Scorsese es mucho más perturbador y asfixiante. Por esta razón creo que se encuentra más cerca del “Corredor sin retorno” (Shock Corridor, 1963) de Sam Fuller. Impresionante la emotiva escena final del lago, el último flashback de la peli donde se esclarece todo el entuerto y donde el director demostrando su maestría omite la música y tan solo escuchamos el piar de los pájaros, realzando de esta manera la sobrecogedora crudeza de toda la secuencia.
Siendo completamente fiel a la estupenda novela de Lehane, Scorsese construyó el peliculón más “kafkiano” de toda su filmografía.
Hasta la próxima