miércoles, 29 de abril de 2026
EL GATOPARDO (Il Gattopardo, 1963)
CARTELERÍA
Giuseppe Tomasi, duque de Palma di Montechiari y príncipe de Lampedusa, nació en Palermo (Sicilia) en 1896 y murió en Roma en 1957. Fue un hombre culto y cosmopolita que hablaba varios idiomas. Completamente opuesto al absolutismo del régimen fascista que se estaba adueñando de su país tomó la decisión de alejarse y dedicarse a viajar por el extranjero.
Descendiente de una de las familias más aristocráticas de Sicilia, dedicó prácticamente toda su vida al estudio de la literatura
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| ITALIA |
“El Gatopardo” fue su única novela. Publicada en 1958, el título alude al leopardo que aparece en el escudo heráldico de la familia del protagonista, Don Fabrizio Salina.
Giuseppe Tomasi di Lampedusa murió sin saber que tras su publicación, su novela sería aclamada inmediatamente en toda Europa y que él alcanzaría un renombre desde entonces como uno de los más importantes novelistas del siglo, culminando de esta forma su vida con la ironía con la que tan magistralmente había hecho gala en su única novela
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| ITALIA |
Visconti, que pertenecía también a la aristocracia, conoció la novela antes de su publicación y en seguida se mostró interesado en adaptarla al cine, así que cuando el productor Goffredo Lombardo adquirió los derechos de la novela, este, no tuvo ninguna duda en asignar la realización del film al director milanés
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| FRANCIA |
A principios de 1961 se empezó a elaborar el guion; para ello, Visconti buscó a sus colaboradores habituales. En primer lugar a Suso Cecchi D’Amico, una de las mejores guionistas del cine italiano, acompañada por Enrico Medioli, Pasquale Festa Campanile y Massimo Franciosa, una tripleta de escritores de lujo que llevaban trabajando con Visconti desde “Rocco y sus Hermanos”(1960) su mayor éxito hasta ese momento
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| ESPAÑA |
Mientras tanto, el director viajaba con frecuencia a Sicilia acompañado del hijo adoptivo del príncipe de Lampedusa, para buscar localizaciones para el rodaje.
Visconti decidió que para recrear el pequeño pueblo de Donnafugata utilizaría la localidad de Palma di Montechiari donde el príncipe tenía su residencia de verano.
A principios de 1962, Visconti y su equipo de guionistas tenían terminado el guion
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| JAPÓN |
Desde un inicio, Visconti tenía claro que los personajes de Tancredi y Angelica se los iba a asignar a Alain Delon y a Claudia Cardinale. El director se consideraba el descubridor de la pareja al haberles dado su gran oportunidad en “Rocco y sus Hermanos”(1960) y Visconti era de esos directores a los que les gustaba trabajar siempre con su equipo fijo de colaboradores.
Warren Beatty intentó por todos los medios convencer a los productores para hacerse con el papel de Tancredi, pero Visconti no cedió
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| POLONIA |
El mayor problema vino para conseguir al actor que tenía que interpretar al príncipe Fabrizio di Salina, amo y señor de toda la función, para el que se necesitaba un actor de primera.
La primera opción de Visconti era Nikolay Cherkasov, el gran actor ruso protagonista de entre otros, dos peliculones de Sergei Eisenstein, me refiero a “Alexander Nevsky”(1938) y a “Ivan, El Terrible”(1944-1946), pero su estado de salud, le obligó a rechazar el papel. Tras este contratiempo, Visconti pensó en Laurence Olivier o en Marlon Brando.
Olivier, acababa de recuperarse de una enfermedad y no quería embarcarse en ningún rodaje largo y con Brando, que sí se mostró interesado en la película, no se pusieron de acuerdo con el dinero
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| ALEMANIA |
La cosa pintaba mal hasta que apareció en escena la “20th Century-Fox” que estaba interesada en formar parte de la producción del film, aportando 3.000.000$ al presupuesto. Algo por otro lado muy interesante porque además, aseguraba la distribución de la peli en Estados Unidos. Para ello, “La Fox” tan solo impuso la condición de que el protagonista tenía que ser un actor norteamericano y ofreció al productor Goffredo Lombardo que eligiera entre Anthony Quinn, Spencer Tracy y Burt Lancaster (otras fuentes añaden a Gregory Peck también).
Lombardo eligió a Burt Lancaster y en un principio, no le dijo nada a Visconti que cuando se enteró montó en cólera diciendo en pocas palabras que el actor era bueno haciendo de pirata, de gánster y de vaquero, pero que él lo que necesitaba era un príncipe aristocrático siciliano.
Fue tras ver el trabajo del actor en el film de Stanley Kramer “Vencedores o Vencidos” (Judgment at Nuremberg, 1961) cuando Visconti pensó que, lo de darle el personaje a Lancaster, igual no era tan mala idea
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| PHILIPP VON KETTELER |
Aun así, la relación entre Lancaster y Visconti no empezó con buen pie. El duro trato de Visconti con el actor durante la primera semana de rodaje fue lamentable. Esto llevó a que un día, Lancaster se plantara en el set y le cantara las cuarenta al director. Visconti se quedó tan impresionado con la sinceridad con la que el actor le presentó sus quejas que provocó que entre ellos naciera una gran amistad y un respeto mutuo a partir de entonces. De hecho, unos años más tarde, volverían a trabajar juntos en “Confidencias” (Gruppo di famiglia in un interno, 1974) otro de los grandes films del director
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| EE.UU. |
El reparto se completó con un extraordinario conjunto de actores italianos entre los que habría que destacar a: Paolo Stoppa (Don Calogero Sedara), un veterano que los cinéfilos recordaran por su trabajo en films como: “El oro de Nápoles”(1954) de Vittorio De Sica, “Los jueves, milagro”(1957) de Berlanga o “Hasta que llegó su hora” (C'era una volta il West, 1968) de Sergio Leone. También a Romolo Valli (Padre Pirrone) otro secundario de lujo; a Mario Girotti (Conde Cavriaghi) antes de cambiar su nombre artístico por el de Terence Hill y hacerse mundialmente famoso por sus películas junto a Bud Spencer; a Rita Morelli (Princesa Maria Stella Salina), Giuliano Gemma interpretando a uno de los generales de Garibaldi y una jovencísima Ottavia Piccolo (Caterina) que debutaba en la pantalla grande con tan solo 13 años
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| AUSTRALIA |
El rodaje comenzó el 21 de mayo de 1962 y se extendió durante 4 meses en los que el equipo técnico y los actores, soportaron las 11 semanas más calurosas del año.
Los primeros problemas aparecieron por obra y gracia de la iglesia católica cuando Ernesto Ruffini, cardenal de Palermo, publicó una carta pastoral poniendo a parir la novela y el hecho de que fuera a ser llevada a la pantalla por un director marxista y amoral como Visconti. Después de solventar este contratiempo, tuvieron que arreglar el tema de la Mafia, ya que si querían rodar en Sicilia, había que pedir permiso a cada uno de los jefes locales de la organización y por supuesto, pagar el dinero estipulado por ellos para evitar “accidentes” durante el rodaje
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| PORTUGAL |
Como ya he comentado, el calor era insoportable y para la secuencia del baile que se filmó en los salones del Palazzo Valguarnera Gangi de Palermo tenían que reemplazar constantemente las flores que se marchitaban enseguida y los cientos de velas que se derretían rápidamente debido a los equipos de iluminación situados arriba de las lámparas de araña, esto ocasionaba que cada dos por tres hubiera que parar la filmación. Además, los guantes blancos que llevan todos los invitados se manchaban de sudor y Visconti insistía en que había que cambiarlos. Tanto es así que tuvieron que instalar una lavandería en las mismas dependencias del palazzo.
Para rodar las secuencias de las tropas de Garibaldi entrando en Palermo, los productores para abaratar los costes, propusieron reconstruir todo el escenario urbano en un estudio, pero Visconti que era un perfeccionista se opuso y rodó todas las secuencias en exteriores con el consiguiente trabajo de tener que eliminar del campo de visión todos los elementos modernos existentes. Además de tener que recubrir todo el asfalto con adoquines en cada una de las localizaciones de Palermo que aparecen en la filmación
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| FRANCIA |
Vamos que todo esto pudo hacerlo porque la película contaba con un presupuesto de 2.900 millones de liras lo que en aquella época venían a ser unos 4.640.000$, la producción más cara hasta ese momento en Italia. Y que conste que Visconti no se pasó ni una lira del presupuesto inicial que tenía asignado.
Y si nos ponemos a comparar en Hollywood a mediados de los 50, ya se gastaban mucha más pasta en producciones como “La Vuelta al Mundo en 80 Días”(1956), que contó con 6.000.000$, David Lean se fundió 15.000.000$ en el presupuesto de “Lawrence de Arabia”(1962) o sin ir más lejos ese mismo año se gastaron en “Cleopatra”(1963) unos 44.000.000$ de nada
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| SUECIA |
En septiembre de 1962, Visconti tenía rodada por fin, la película más ambiciosa y más costosa que había hecho en su vida y empezó a hacer el montaje con su editor de confianza, Mario Serandrei con el que llevaba trabajando desde “Obsesión”(1943) su primera película.
Todo el equipo técnico del film, estuvo formado por colaboradores habituales de Visconti. La extraordinaria fotografía fue obra de Giuseppe Rotunno; el detallista diseño de producción corrió a cargo de Mario Garbuglia y para diseñar el fastuoso vestuario contó con Piero Tosi que como no podía ser de otra manera consiguió por su trabajo una merecidísima nominación al Oscar
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| ESPAÑA |
Otro aspecto a destacar es la grandiosa banda sonora que el maestro Nino Rota compuso para la película. La conmovedora partitura aportó la atmósfera perfecta para acompañar las imágenes del film.
Visconti quería una sinfonía original que contuviera todos los temas principales de la peli, así que Rota terminó una composición que había compuesto durante la 2ª Guerra Mundial y se la presentó al director que se quedó maravillado con la pieza. Además incluyó una polka, una mazurca, una quadriglia, un galop y dos valses. Uno original suyo titulado “Valzer del Commiato” y el otro fue un arreglo que hizo al “Gran Valzer Brillante” de Giuseppe Verdi, un vals inédito del gran compositor cuyo manuscrito original había sido adquirido a un anticuario romano y estaba en poder de Visconti
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| JAPÓN |
“El Gatopardo” se proyectó por primera vez en México el 2 de enero de 1963 dentro del “Festival de Cine de Acapulco”.
El estreno en Italia fue el 29 de marzo de 1963 y en España se estreno a finales de ese mismo año, el 16 de diciembre.
La primera versión duraba 205 minutos, pero tanto Visconti como su productor, pensaron que era muy larga y la redujeron a 195 minutos para su proyección en el “Festival de Cannes”; donde por cierto, ganó ese año “La Palma de Oro”. Finalmente, para su estreno comercial, suprimieron otros 10 minutos, dejando la versión definitiva en 185 minutos. Claro que esto fue para su distribución en Europa, porque lo que hicieron en Estados Unidos con el film, fue una masacre
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| BÉLGICA |
Para su estreno en Nueva York el 12 de agosto de 1963, la “20th Century-Fox”, realizó un nuevo montaje cortando todo lo que les dio la gana, cambió el sistema del color y por si eso no fuera poco, estrenaron el film sustituyendo el extraordinario doblaje en italiano doblando a los actores en inglés, perdiendo con ello la consistencia y veracidad que aportaba este detalle en la versión original. Y todo esto a espaldas de Visconti, que cuando se enteró la repudió y declaró que esa no era su película.
“La Fox” amenazó con demandar a Visconti, ya que sus declaraciones perjudicaban la carrera comercial del film. Finalmente, la sangre no llegó al río; pero el caso es que el público norteamericano, jamás pudo ver realmente la película.
En fin, la película favorita de dos maestros como Martin Scorsese y Giuseppe Tornatore no ha perdido ni uno de sus atractivos originarios. Un apasionante espectáculo en el que asistimos al momento histórico conocido como el resurgimiento, es decir, la unificación de los distintos estados existentes en la península itálica en un estado único. La película ambienta el siglo XIX cuidando hasta el más mínimo detalle y nos muestra valiéndose de los personajes una supuesta transformación de la sociedad que fue tan solo una anécdota, puesto que realmente, no implicó ningún cambio sustancial de relevancia social. La lúcida reflexión que el director nos muestra, va más allá de este preciso momento histórico, convirtiendo el mensaje a un ámbito mucho más actual y universal. De hecho, el tema que aborda es el de un mundo en descomposición que se resiste a desaparecer y para eso, debe adaptarse a los nuevos tiempos. Inolvidable la frase que el protagonista afirma: “Es preciso que todo cambie para que todo quede como está”. Sin duda una sentencia que muestra de manera realista y cínica el desengaño existente por el mundo en el que vivían, o quizás, por el mundo en el que seguimos viviendo.
Hasta la próxima
martes, 28 de abril de 2026
sábado, 25 de abril de 2026
miércoles, 25 de marzo de 2026
UN HOMBRE LOBO AMERICANO EN LONDRES (An American Werewolf in London, 1981)
CARTELERÍA
John Landis nació el 3 de agosto de 1950 en Chicago pero muy pronto se trasladó con su familia al barrio de Westwood en Los Angeles (California) donde vivió su niñez y adolescencia.
Su vocación cinéfila nació cuando tenía 8 años tras ver “Simbad y la Princesa” (The 7th Voyage of Sinbad, 1958), un film de aventuras de Nathan Juran donde el maestro de los efectos especiales Ray Harryhausen hacía diabluras con sus criaturas animadas en stop-motion
Landis pertenece a la talentosa generación de directores norteamericanos nacidos entre mediados de los años 40 y principio de los 50. Un grupo de genios que cambiaron el rumbo de la industria innovando y haciendo evolucionar tanto las técnicas como los géneros cinematográficos. Hoy en día son todos veteranos consagrados, pero en aquellos momentos, tan solo eran unos jóvenes desconocidos llamados Steven Spielberg, George Lucas, Robert Zemeckis, Joe Dante, John Carpenter… y el propio John Landis que empezó en la industria cinematográfica, desde lo más bajo
Tras varios intentos fallidos por conseguir trabajo en el sector, logró un empleo como chico de los recados en “20th Century Fox”, esto propició que muy pronto estuviera relacionándose con guionistas, productores y directores; entre ellos el veterano director Andrew Marton, a quien el joven Landis le cayó en gracia y decidió convertirlo en su protegido
Marton era un cineasta todoterreno que había dirigido desde telefilms en inolvidables series como “Flipper”(1964-1967) y “Daktari”(1966-1969) hasta peliculones como “Las Minas del Rey Salomón”(1950). Además era uno de los mejores asistentes de dirección y directores de segunda unidad del negocio, un tipo que había trabajado con la flor y nata hollywoodiense en films míticos como “Horizontes Perdidos”(1937), “La Costilla de Adán”(1949) o “Cleopatra”(1963) y ni que decir tiene que Landis aprendió muchísimo estando a su lado
En 1969, Marton se fue a Yugoslavia para hacerse cargo de dirigir la segunda unidad en “Los Violentos de Kelly” (Kelly’s Heroes, 1970) y se llevó a Landis, que tan solo tenía 19 años, como asistente de dirección. Fue precisamente allí, durante uno de los desplazamientos del rodaje, cuando el joven se topó en un cruce de caminos con un funeral en el que unos gitanos practicaban una especie de ritual con ajos y demás parafernalia, con la intención de que el tipo al que estaban enterrando, un violador al que habían abatido a tiros, no resucitara. Este suceso fue el embrión de la peli que nos ocupa, Landis tomó la decisión de escribir un guion sobre El Hombre Lobo ambientado en la vieja Europa, en un momento en que los hombres lobo estaban pasados de moda.
Aun así, tendrían que pasar muchos años para que ese guion se convirtiera en una película
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| ALEMANIA |
Landis ofreció el guion a prácticamente todos los estudios y todos venían a decirle lo mismo, que esa mezcla de humor y terror no funcionaría. Albert R. Broccoli, el veterano productor de los films de James Bond, tras leer el guion le dijo que era la cosa más rara que había leído y que no pensaba que de eso se pudiera hacer una película.
Así que Landis no tuvo más remedio que dejar aparcado el proyecto y esperar a poder contar él con el dinero para financiarlo
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| ESPAÑA |
Lo que ocurrió 10 años después, gracias al éxito de su tercera y cuarta película como director. Tanto “Desmadre a la Americana” (National Lampoon's Animal House, 1978) como “Granujas a todo Ritmo” (The Blues Brothers, 1980) fueron dos espectaculares “pelotazos” de taquilla.
Aunque en un principio a su hombre lobo lo iba a plantar en París, terminó llevándoselo a Londres, principalmente, por dos razones: Landis no hablaba ni papa de francés y por otro lado, en Inglaterra podría beneficiarse de un incentivo fiscal por el que los productores recibían un porcentaje de la recaudación nacional siempre y cuando el equipo técnico y los actores fueran en su gran mayoría británicos
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| FRANCIA |
Los productores querían a Dan Aykroyd y John Belushi para interpretar a los dos jóvenes mochileros americanos, pero Landis se lo quitó de la cabeza diciéndoles que los dos protagonistas tenían que ser actores desconocidos.
Tras ver su actuación en “The Warriors”(1979), John Landis quería para el papel protagonista a Michael Beck, pero los productores se negaron debido al fracaso tanto de crítica como de taquilla que había tenido “Xanadú”(1980) el film que acababa de protagonizar junto a Olivia Newton-John
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| PETER MAHONEY |
Landis vio a David Naughton en un anuncio televisivo de la famosa marca de refrescos Dr Pepper y lo llamó para hacerle una entrevista. Cuenta el actor que tan solo necesitó media hora de charla con Landis para conseguir el papel. Este trabajo fue sin duda el mejor de toda su carrera y pese al éxito y popularidad que obtuvo, paradójicamente sus desnudos en el film, originaron que Dr Pepper cancelara su contrato y lo despidiera.
La verdad es que el actor no ha tenido mucha suerte en sus siguientes trabajos y aunque sigue apareciendo en series y películas, ninguno de sus papeles ha sido tan relevante como su hombre lobo americano
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| AL ABBAZIA |
Su compañero de fatigas, el pobre Jack al que se cepillan a los diez minutos de peli, fue interpretado por Griffin Dunne. Un actor que apenas tenía experiencia en largometrajes y que tan solo hizo una lectura rápida del guion con Landis para conseguir el personaje.
Dunne con el tiempo se ha convertido en productor y director. Además ha intervenido como actor en buenas series televisivas como “This is Us”(2016-2022) y extraordinarias películas como “El Gran Azul”(1988) o “Dallas Buyers Club”(2013).
El resto del reparto se completó con actores británicos
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| AUSTRALIA |
Empezando por la chica de la película, un personaje que corrió a cargo de Jenny Agutter. La actriz estuvo a punto de rechazar el papel porque no le gustaban las películas de terror.
Nacida en Somerset (Inglaterra) había debutado en el cine con tan solo 12 años y pese a su juventud, a principio de los años 80 era ya toda una veterana que había trabajado con muy buenos directores en films como: “Ha llegado el Águila”(1976) de John Sturges y “Equus”(1977) de Sidney Lumet, también había alcanzado gran popularidad tras protagonizar junto a Michael York “La Fuga de Logan”(1976) de Michael Anderson
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| TAILANDIA |
Entre los secundarios de lujo que Landis fichó en Inglaterra encontramos a John Woodvine, un actor que había pertenecido a la prestigiosa “Royal Shakespeare Company” con infinidad de trabajos en teatro, cine y TV a sus espaldas; Woodvine interpretó al Doctor Hirsch, un personaje para el que también se barajaron los nombres de James Fox y Robert Stephens.
Al principio del film cuando la pareja de mochileros llega a “El Cordero Degollado”, un típico pub de pueblo perdido en los páramos, entre los parroquianos podemos ver a Brian Glover y a Rik Mayall jugando al ajedrez y otro rostro muy popular es el de David Schofield, el jugador de dardos, otro ex integrante de la “Royal Shakespeare Company” que muchos recordaran por su papel de Falco en “Gladiator”(2000) o como Mercer en la saga de “Piratas del Caribe
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| SCOTT WOOLSTON |
Por aquellas fechas, el gobierno británico daba los permisos de trabajo con cuentagotas. Los productores solo conseguían tres y necesitaban cuatro. Para solucionarlo, tuvieron que amenazar con llevarse la producción a París para que la oficina de equidad reconsiderara la solicitud y terminara concediendo el cuarto visado.
Estos cuatro permisos fueron para el director John Landis, los actores David Naughton y Griffin Dunne y el maestro del maquillaje y los efectos especiales Rick Baker
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| ITALIA |
Rick Baker fue sin ninguna duda uno de los pilares sobre el que se sustenta el éxito del film. Conocía a Landis desde hacía mucho tiempo, fue uno de los primeros en leer el guion de la película y empezó a preparar todas la innovaciones que iba a realizar en este film, mucho tiempo antes de que Landis consiguiese el dinero para hacerlo. De hecho, cuando se dio luz verde a la producción, Baker estaba trabajando con Joe Dante en “Aullidos” (The Howling, 1981), otro film de hombres lobo y abandonó esta producción para irse a trabajar con Landis
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| GRAHAM HUMPHREYS |
La secuencia de la transformación marca un antes y un después en el avance de los FX y del maquillaje. La Academia se vio en la obligación de crear una nueva categoría en los Oscars para premiar el mejor maquillaje, algo que hasta entonces solo se había hecho de forma testimonial u honorífica solo en dos ocasiones: en “Las 7 caras del Dr. Lao”(1964) y en “El Planeta de los Simios”(1968).
Tardaron casi una semana en rodar esta secuencia, necesitaban 5 horas en aplicar el maquillaje y 3 horas en retirarlo. Debido a esta preparación tan larga, solo había tiempo para hacer una toma. Además Baker había construido una cabeza animatrónica para hacer la protuberancia del hocico, muchísimo trabajo para un momento de la secuencia que apenas dura 7 segundos. ¿Y el crujir de huesos? Creo que el resultado es espeluznante.
Griffin Dunne también se sometía a largas sesiones de maquillaje para sus apariciones desde el Más Allá
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| MATT RYAN TOBIN |
Fue la primera vez en 15 años que la policía londinense permitió rodar una secuencia en Piccadilly Circus, desde que el director Michael Winner detonó una bomba de humo, para la que no tenía permiso, durante el rodaje de “Atraco a la inglesa” (The Jokers, 1967). Landis se cameló a la policía y consiguió poder rodar la última escena en la popular plaza londinense. El equipo estuvo ensayando meticulosamente todas las acrobacias y coreografías que había que hacer y en dos noches entre la 1 y las 4 de la madrugada consiguieron cerrar el área para realizar el rodaje
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| GABZ |
En el apartado técnico, Landis contó entre otros con Robert Paynter como director de fotografía, Malcolm Campbell su habitual colaborador en las labores de montaje y el director artístico galés Leslie Dilley, un maestro de los decorados en films como “La Guerra de las Galaxias”(1977), “Alien: El Octavo Pasajero”(1979) o “En busca del Arca Perdida” (Raiders of the Lost Ark, 1981)
La música original fue obra de Elmer Bernstein y para el film, Landis, tan solo utilizó 7 minutos. Prefirió acompañar las imágenes con clásicas canciones que hacen referencia a la luna como “Moondance” de Van Morrison, “Bad Moon Rising” de Creedence Clearwater Revival o la legendaria “Blue Moon” de Rodgers y Hart que la escuchamos en varias versiones.
Landis intentó por todos los medios conseguir los derechos de la canción “Moonshadow” para incluirla en el film, pero Cat Stevens, que ya se había convertido al islam, se opuso a que su canción se relacionara con una película sobrenatural del hombre lobo
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| FREDERICK COOPER |
La película se rodó entre el 2 de febrero y el 3 de marzo de 1981.
Su presupuesto final fue de 10.000.000$. Además de ganar el Oscar al mejor maquillaje, la película funcionó muy bien en la taquilla recaudando unos 62.000.000$ en todo el mundo.
En Estados Unidos se estrenó el 21 de agosto de 1981 y el estreno en España fue el 23 de octubre de ese mismo año.
A Michael Jackson le fascinó tanto la peli que contrató a John Landis y a prácticamente todo el equipo técnico del film para realizar su mítico videoclip “Thriller”(1983).
Existe una olvidable “secuela” titulada “Un Hombre Lobo Americano en París”(1997), ajena a Landis y a su equipo que es una “castaña” de peli.
En fin, una “rara avis” en la filmografía de John Landis, un director prodigado principalmente en comedias más o menos gamberras pero eso sí, muy yanquis, 100% americanas y digo esto porque “Un Hombre Lobo Americano en Londres” es una peli inglesa tanto por su diseño de producción como por sus interpretaciones. Landis la considera su mejor película y la verdad es que además de lograr un gran avance en las técnicas de maquillaje y efectos especiales fue una innovadora y entretenida puesta al día del mito de la licantropía. Es una buena peli de monstruos con ciertos toques de humor negro, pero pienso que para nada se puede considerar una comedia. Digamos que con el tiempo se ha convertido en el film de culto de su director.
Hasta la próxima
martes, 24 de marzo de 2026
sábado, 7 de marzo de 2026
miércoles, 25 de febrero de 2026
EL RENACIDO (The Revenant, 2015)
CARTELERÍA
La existencia de los tramperos ha dejado en el Western muy buenos momentos. Estos tipos duros, barbudos y vestidos con pieles que dieron la espalda a la sociedad a cambio de integrarse en la naturaleza salvaje de Norteamérica han pululado en las Películas del Oeste desde los inicios del cine mudo, es más, hasta me atrevería a decir que dentro del Western existe un subgénero dedicado exclusivamente a ellos. Películas donde los espacios abiertos y la naturaleza predominan ante otros elementos. Me refiero a films como: “Más allá del Missouri”(1951) de William Wellman, “Las aventuras de Jeremiah Johnson”(1972) de Sydney Pollack o “El valle de la furia” (The mountain men, 1980) de Richard Lang, por citar solo tres
La película que hoy repasamos pertenece también a este subgénero y es sin lugar a dudas, la mejor realizada de estos últimos años.
Un film inspirado en la hazaña de Hugh Glass, uno de estos tramperos, que pasó a la Historia por sobrevivir al ataque de una osa grizzli y después de ser dado por muerto, conseguir la proeza de recorrer mal herido más de 320 km. hasta Fort Kiowa, el lugar habitado más cercano y todo ello desarmado, sin equipo y atravesando unos parajes inhóspitos plagados de indios hostiles
Esta odisea, alimentada por la leyenda y el folklore hicieron que escritores como John G. Neihardt, Dale L. Morgan o Fredrick Manfred, documentaran las andanzas de Glass en bastantes publicaciones.
“El Renacido” se basa en parte de una novela de Michael Punke publicada en 2002. Antes de su publicación, el productor Akiva Goldsman se hizo con los derechos para llevarla a la pantalla, pero fue un proyecto que nunca llegó a realizarse
En 2010, se puso en marcha una nueva producción cuando el guionista Mark L. Smith escribió una nueva adaptación de la novela de Punke. El primer director asignado fue John Hillcoat que acababa de estrenar “La Carretera”(2009) basada en la post-apocalíptica novela de Cormac McCarthy y el papel protagonista iba a ser para Christian Bale
Hillcoat se borró del proyecto y aunque Jean-François Richet sonó para hacerse cargo de la dirección, esta recayó en Alejandro G. Iñárritu, que desde un principio tenía claro que quería a Leonardo DiCaprio y a Sean Penn para interpretar los dos papeles principales.
La apretada agenda de DiCaprio obligó a que la producción se retrasara. El actor tenía que rodar a las órdenes de Martin Scorsese “El lobo de Wall Street”(2013) así que Iñárritu se dedicó a dirigir la aclamada “Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)”(2014)
Luego, para poder hacer la película, DiCaprio tuvo que rechazar el papel protagonista de “Steve Jobs”(2015) que también le habían propuesto.
Con quien no pudieron contar fue con Sean Penn que en esos momentos estaba dirigiendo a Javier Bardem y a Charlize Theron en “Diré tu nombre” (The Last Face, 2016).
Tenían que encontrar a un sustituto que estuviera a la altura de Penn para acompañar a DiCaprio y se barajaron los nombres de Joaquin Phoenix, Michael Fassbender y Daniel Day-Lewis
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| JAPÓN |
Finalmente, el candidato para sustituir a Sean Penn fue Tom Hardy. El actor, por lo visto, no suele leer los guiones que le envían y pensaba que le estaban ofreciendo el personaje de Hugh Glass. Cuando se enteró que el personaje propuesto era el de John Fitzgerald, rechazó la oferta. Fue DiCaprio quien le pidió que leyera el guion y tras leer la mitad, aceptó el papel. Cuenta Hardy que para componer su actuación se inspiró en el sargento Barnes interpretado por Tom Berenger en “Platoon”(1986)
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| ESPAÑA |
DiCaprio aceptó el papel como un desafío a sí mismo. Su personaje era muy distinto a todos los que había interpretado hasta ese momento. La mayoría del tiempo que aparece en la pantalla, está completamente solo, sin hablar y pensó que era todo un reto el intentar transmitir al público el intenso dolor tanto físico como emocional que sentía Hugh Glass. De hecho, si juntamos todo el diálogo del actor en el film, apenas alcanza los 10 minutos
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| HUNGRÍA |
Según declaraciones suyas, la considera la actuación más difícil de toda su carrera. Entre otras cosas, tuvo que aprender a disparar con mosquete, encender una hoguera, hablar pawnee y arikara, aprendió también técnicas de curación ancestrales… en una entrevista, el actor declaró: “Puedo nombrar 30 o 40 secuencias que fueron de las cosas más difíciles que he tenido que hacer en toda mi vida. Como entrar y salir de ríos congelados, dormir sobre cadáveres de animales o comer hígado crudo de bisonte y todo eso, soportando un frío glacial y una posible hipotermia constantemente”
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| HANS WOODY |
El rodaje fue de una dureza extrema, un auténtico infierno que empezó a finales de septiembre de 2014 y terminó en agosto de 2015. Algunos miembros del equipo terminaron desertando y otros fueron despedidos por el director.
Iñárritu había calculado un cronograma de unos 80 días de rodaje extendido en un periodo de unos 9 meses, pero las inclemencias del tiempo, la filmación únicamente con luz natural y el rodar en lugares tan remotos que cuando llegaban ya se había consumido la mitad de la jornada, hizo que este se retrasara. Debido a este retraso, llegó el verano y la nieve canadiense se derritió y tuvieron que trasladar toda la producción a “Tierra del Fuego” al sur de Argentina, donde las condiciones climatológicas eran similares a las que tenían en Canadá
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| BARRY BLANKENSHIP |
Esto originó que el presupuesto inicial de 60.000.000$ aumentara a los 95.000.000$ y tras tantos problemas la película terminara costando 135.000.000$.
El reparto se completó con: Domhall Gleeson (Capitán Andrew Henry), Will Poulter (Jim Bridger), Paul Anderson (Anderson), Kristoffer Joner (Murphy), Arthur RedCloud (Hikuc) y Forrest Goodluck (Hawk)
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| LEVENTE SZABO |
La película comienza con un plano secuencia impresionante en el que vemos un ataque de los Arikara a un grupo de tramperos. Para filmar esta secuencia, los actores y los figurantes estuvieron ensayando durante un mes e increíblemente tan solo necesitaron hacer un par de tomas para completarla.
Otra de las secuencias inolvidables del film es la del ataque del oso. Una auténtica barbaridad por lo bien hecha que está. Para hacer al oso, un especialista se enfundaba un traje azul con cabeza de oso. Luego en post producción los técnicos de ILM (Industrial Light & Magic) pintaron pelo a pelo el traje azul y consiguieron engañarnos a todos. Pero lo importante en este tipo de secuencias son los detalles y el detalle de la baba del oso cayéndole a DiCaprio en la cara mientras el oso lo tiene inmovilizado con la pata encima de su cabeza, es total.
Casi todos los animales que aparecen en el film fueron generados por CGI
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| IGNACIO RC |
Casualmente, estas dos secuencias son las únicas de toda la película que hay referencias históricas de que ocurrieron realmente.
El ataque a los tramperos ocurrido el 2 de junio de 1823 y la pelea contra el oso fue en agosto de ese mismo año. Ambos sucesos ocurrieron en las llanuras de Dakota del Sur, no había bosques, ni nieve, ni montañas.
El resto de la trama es fruto de la imaginación de los guionistas porque no se sabe con certeza que Glasss tuviera algún hijo y lo que sí está documentado es que el desenlace del Capitán Henry y de Fitzgerald, dos de los personajes históricos que acompañan a Glass, no fue como se narra en el film
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| RUSIA |
En una de las secuencias oníricas del film, Glass encuentra una enorme pila de cráneos de bisonte. Originalmente, Iñárritu había imaginado esa escena con cráneos humanos para que simbolizara el futuro exterminio de los nativos americanos, pero Jack Fisk que se encargaba del diseño de producción, le mostró una fotografía de 1850 en la que se veía a un grupo de hombres entre una montonera de cráneos de bisonte y le explicó el terrible problema que originó la matanza indiscriminada de este animal para el pueblo indígena. Quedaron privados de su fuente de alimento por un gobierno que fomentaba esta matanza para controlar y manipular a los indios. Fisk convenció al director y la secuencia se hizo finalmente con cráneos de bisonte, pues pensaron que era una visión premonitoria de Glass que representaba el fin de un pueblo tal como lo había conocido hasta entonces
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| JAPÓN |
La maravillosa fotografía de la película estuvo a cargo de Emmanuel Lubezki, un maestro que ya había demostrado su valía en: “Como Agua para Chocolate”(1992), “El Nuevo Mundo”(2005) o “Gravity”(2013). Para lograr el máximo realismo, Lubezki e Iñárritu, acordaron filmar solo con luz natural. Era invierno, disponían de pocas horas de luz al día así que requirieron de una cuidadísima planificación para entre otras cosas poder aprovechar la continuidad de las tomas. Por su trabajo, Lubezki ganó su tercer Oscar. Llevaba tres años seguidos ganando el Oscar a la mejor fotografía.
El montaje fue obra de Stephen Mirrione que es el habitual editor de Iñárritu y la música fue compuesta por el japonés Ryuichi Sakamoto que ya había ganado el Oscar por “El Último Emperador”(1987) y por el músico alemán Alva Noto. Además de la partitura original, se utilizaron fragmentos musicales de otros autores como: John Luther Adams, Eliane Radigue, Olivier Messiaen, Vladislav Delay, Bryce Dessner…
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| KRYSTEN NEWDE |
“El Renacido” se proyectó por primera vez el 16 de diciembre de 2015 en un preestreno en Hollywood. El 25 de diciembre se estrenó en un número limitado de salas de Estados Unidos y tras verse el 3 de enero de 2016 en el Festival de Cine de Palm Springs, el día 8 de enero fue su estreno oficial en todo el país.
El estreno en España fue el 5 de febrero de 2016.
Recaudó en todo el mundo más de 532.000.000$ convirtiéndose en el segundo western más taquillero de todos los tiempos, detrás de “Bailando con Lobos”(1990).
Tras el frenético rodaje y la dura experiencia vivida, DiCaprio, se tomó a partir de entonces la vida de otra manera. Estuvo tres años sin hacer ninguna película. En junio de 2018 comenzó a rodar “Érase una vez en… Hollywood”(2019) a las órdenes de Tarantino
Por su actuación, DiCaprio ganó 32 premios, entre ellos su primer Oscar al mejor actor principal.
De las 12 nominaciones a los Oscars que obtuvo la película, ganó solo 3 estatuillas, las 2 ya comentadas y la de mejor dirección para Alejandro González Iñárritu.
El film de Richard C. Sarafian titulado “El Hombre de una Tierra Salvaje”(1971) protagonizado por Richard Harris y John Huston está basado también en la odisea de Hugh Glass, solo que aquí les cambiaron el nombre a los personajes, supongo que para no pagar derechos.
En fin, “El Renacido” visualmente es un prodigio. He leído por ahí críticas que dicen que el director abusa del plano secuencia y chorradas de ese tipo. Si abusa del plano secuencia es porque este tipo de cine, se presta a eso, a mostrar unos paisajes espectaculares que vistos en una pantalla enorme hacen que te sientas sumergido en ellos y para eso, cuantos menos cambios de plano hagas, mejor. Además Iñárritu contaba para ello con Emmanuel Lubezki, que sin duda es, uno de los mejores, si no el mejor director de fotografía actualmente. Un peliculón que bebe de las fuentes del cine de Terrence Malick, del “Apocalypse Now”(1979) de Coppola y por supuesto, del “Dersu Uzala”(1975) de Kurosawa.
Hasta la próxima
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