SOPA DE GANSO☺1933

 

 

 

 

AMADEUS (Amadeus, 1984)

 

CARTELERÍA

            Wolfgang Amadeus Mozart es, sin ninguna duda, uno de los músicos más populares de la Historia. Sobre él, se han escrito cientos de obras narrando su vida, exaltando su contribución a la música clásica y especulando sobre su  muerte con tan solo 35 años. Esta temprana muerte, hizo nacer en el siglo XIX, la leyenda de que Mozart había sido asesinado por Antonio Salieri, que motivado por la envidia que sentía por su talento decidió envenenarlo.

            Una leyenda cuyo argumento ha dado pie a un buen número de obras

            El 2 de noviembre de 1979, se estrenaba en Londres una obra de teatro titulada “Amadeus” escrita por Peter Shaffer, un dramaturgo que había alcanzado ya el reconocimiento de la crítica y del público gracias a “Equus” otra obra suya que ya había sido llevada al cine en 1977 por Sidney Lumet

            A una de las representaciones asistió el director de cine Milos Forman que tras ver el primer acto, le comentó al autor que si el segundo acto era tan bueno como el primero, conseguiría financiación para hacer una película

            Tras el éxito obtenido en Londres, la obra se estrenó en Broadway el 17 de diciembre de 1980. Estuvo protagonizada por Ian McKellen y Tim Curry, alcanzó 1181 representaciones y ganó el Tony a la mejor obra de ese año.

             Milos Forman llevaba tiempo intentando conseguir el dinero para sacar adelante el film, pero como era de esperar, ninguno de los grandes estudios estaba dispuesto a poner la pasta para hacer una película biográfica de 3 horas de duración sobre un compositor de música clásica 

            La única propuesta que obtuvo llevaba la condición de que Mozart fuera interpretado por Walter Matthau, pero Forman ni se lo planteó porque el actor tenía más de 60 años y Mozart solo vivió 35.

            Finalmente, Forman acudió al productor Saul Zaent, con el que ya había trabajado en “Alguien voló sobre el nido del cuco”(1975), que aceptó hacerse cargo del proyecto.

            Saul Zaent tan solo produjo 9 películas en toda su vida, pero su filmografía cuenta con autenticas joyitas como “La costa de los mosquitos”(1986), “Jugando en los campos del Señor”(1991) o “El paciente inglés”(1996)

            En febrero de 1982, Shaffer se instaló en la granja que Milos Forman tenía en Connecticut para empezar a escribir el guion. Nadie mejor que el autor de la obra teatral para hacerse cargo del guion de la película. En 4 meses tenían el libreto terminado. Habían agregado personajes, ampliado el papel de Mozart y reelaborado los monólogos de Salieri además de incluir todas las piezas musicales que se iban a mostrar en el film y que no existían en el montaje teatral

            Buscar a los dos actores que se hicieran cargo de los personajes de Mozart y Salieri fue una labor titánica.

            En un principio, un casi desconocido Kenneth Branagh iba a interpretar a Mozart y el papel de Salieri iba a recaer en el veterano Ben Kingsley que acababa de ganar el Oscar por su trabajo en “Gandhi”(1982), pero Milos Forman quería para estos dos personajes a actores norteamericanos.

            La lista de actores que audicionaron para hacerse con estos dos personajes fue muy extensa y curiosa

            Para el personaje de Mozart, probaron con Mel Gibson, Mick Jagger, Peter MacNicol y Tim Curry. Sam Waterston, David Bowie y el bailarín Mikhail Baryshnikov también fueron considerados para el papel.

            Mark Hamill, el Luke Skywalker de “La guerra de las galaxias” (Star Wars, 1977) que había sustituido a Tim Curry durante las representaciones de la obra de teatro en Broadway, habló con Milos Forman para conseguir el papel, pero el director le dijo que nadie creería en un Mozart con la cara de Luke Skywalker y ni se planteó el darle el papel. El enorme éxito obtenido por el film de George Lucas, siempre fue un auténtico lastre para la futura carrera del actor.

            Tom Hulce, que era prácticamente un desconocido y en cine había aparecido en “Desmadre a la americana” (National Lampoon's Animal House, 1978) y poco más, se hizo con el papel de su vida. Su creación de Mozart en “Amadeus” perdurará para siempre en la memoria de cualquier cinéfilo

            Las primeras opciones para interpretar a Antonio Salieri fueron  John Savage,  Burt Reynolds y Donald Sutherland que llegó a audicionar para conseguir el papel.

            F. Murray Abraham era uno de los muchos actores que se presentaron al casting para conseguir algún papel en la película. Durante una de las sesiones de lectura del libreto, Milos Forman le pidió que leyera el texto de Salieri, su lectura fue tan buena que el director decidió darle el papel

POLONIA

            Abraham llevaba ya una larga trayectoria como actor de teatro; además era un magnífico actor de doblaje, pero en el cine, aunque había trabajado en buenas películas como “Serpico”(1973) o “Todos los hombres del presidente”(1976) siempre había sido desempeñando pequeños papeles. De hecho, por aquel entonces, estaba trabajando en el film de Brian De Palma “El precio del poder” (Scarface, 1983) y ni que decir tiene que cuando comunicó a sus compañeros que había conseguido el personaje de Salieri en “Amadeus” su prestigio subió muchos enteros. En ese momento, en Hollywood,  era uno de los papeles más codiciados.

            Para interpretar a Salieri, el actor aprendió a tocar el piano y a dirigir música. Además, para caracterizar su aspecto anciano, estaba en manos de los maquilladores cuatro horas y media diarias

CHECOSLOVAQUIA

            Tom Hulce sabía tocar la guitarra, pero Forman lo puso a estudiar piano durante 6 meses a una media de 4 horas al día. El actor ensayaba con su maestro todas las piezas de Mozart que aparecen en el film. Mientras se filmaban las escenas, la música pregrabada era reproducida de fondo y el actor tocaba en playback.

            En cuanto a la odiosa risa de Amadeus, fue Milos Forman quien le pidió al actor que ideara algo esperpéntico para darle un toque más estrafalario a su personaje…  Y vaya si lo consiguió. Mucha gente piensa que es la risa más odiosa del 7º arte.

            También estudió imágenes de las rabietas de John McEnroe en las pistas de tenis para incorporar al personaje aspectos más ridículos y extravagantes 

COREA

            Tom Hulce y F. Murray Abraham mantuvieron, al igual que sus personajes en el film, una relación distante durante todo el rodaje. Tomaron esa decisión porque les ayudaba más a meterse en sus papeles. Aun así, ambos se ayudaron mutuamente en sus interpretaciones.

            Mientras rodaban la secuencia en la que Amadeus moribundo está dictando a Salieri el “Requiem”, Hulce olvidaba deliberadamente partes de su texto desconcertando a Abraham y acrecentando con eso el efecto de confusión que requería la secuencia.

            Inolvidable la secuencia en la que Salieri, hombre creyente y temeroso de Dios, muestra al emperador la pieza de piano que le ha escrito y por una de esas casualidades del destino, aparece Amadeus por la corte en ese momento y tras oír la música decide hacerle unos retoques. Las caras de F. Murray Abraham, que considera a Amadeus un tipo moralmente mediocre, no tienen desperdicio. Salieri, en el fondo de su ser, lo que realmente siente es envidia por el don que el Señor le ha dado a un ser que para él es poco más que un mono de feria

ESPAÑA

            Milos Forman quería para interpretar el personaje de Constance a Amy Irving, la actriz que lo había interpretado en Broadway, pero Irving no estaba dispuesta a enrolarse en un rodaje de 6 meses en Praga y rechazó el ofrecimiento.

            Tras esta negativa probaron con Rebecca de Mornay, Elizabeth McGovern, Diane Franklin, Elizabeth Berridge y Meg Tilly que fue la elegida para interpretar a la esposa de Amadeus; pero la actriz el día antes de empezar el rodaje, se rompió el ligamento de la pierna jugando un partido de futbol callejero y se quedó fuera del proyecto. Finalmente fue Elizabeth Berridge quien terminó interpretando a Constance Mozart.

            Roy Dotrice (Leopold Mozart), Simon Callow (Emanuel Schikaneder), Jeffrey Jones (Emperador Joseph II), Christine Ebersole (Katerina Cavalieri) y el veterano Charles Kay (Conde Orsini-Rosenberg) completan el reparto principal

ALEMANIA

            El rodaje se prolongó durante 6 meses entre el 31 de enero y el 20 de julio de 1983 en Checoslovaquia. Prácticamente todo se realizó en Praga. Milos Forman que era de origen checoslovaco, eligió Praga porque la ciudad, que permanecía desde hacía mucho bajo un régimen comunista, no había evolucionado apenas y bastaba con echar tierra en las calles y quitar las farolas para que se asemejara mucho a Viena en el siglo XVIII que es donde se desarrolla la acción de la película

REINO UNIDO

            Tanto el Gobierno checo como el Ministerio de Cultura dieron todo tipo de facilidades a la producción cediendo todas las localizaciones necesarias. Forman tuvo a su disposición 6 palacios completamente amueblados con antigüedades auténticas; también el “Teatro Tyl”, anteriormente conocido como “Teatro de los Estados” donde Milos Forman tuvo el lujo de poder filmar allí las escenas de la ópera “Don Giovanni”, el lugar original donde Mozart  había estrenado su obra en 1787 y que se encontraba prácticamente igual que entonces.

            Gracias a esto, en los estudios Barrandov de Praga tan solo tuvieron que construir 4 decorados: la habitación de hospital de Salieri, el apartamento de Amadeus, una escalera y el teatro popular de Emanuel Schikaneder, con capacidad para 700 personas y donde entre otras secuencias se filmó la parodia de “La flauta mágica”

POLONIA

            El presupuesto del film, que en un principio se estimó en unos 13.000.000$ se fue hasta los 18.000.000$.

            En pelucas nada más, se gastaron 500.000$, eso sí, necesitaron para todo el rodaje, más de mil quinientas.

            Milos Forman acordó con Miroslav Ondříček, su director de fotografía que para mantener la autenticidad de la época, rodarían todo el film con luz natural. Todas las secuencias en la sala de conciertos, estaba iluminada únicamente con velas, así que para tener suficiente abastecimiento contrataron durante meses, toda la producción de una fábrica cercana.

            El diseño de producción corrió a cargo de la americana Patrizia von Brandenstein, colaboradora habitual de Milos Forman y que cuenta en su filmografía con películas tan interesantes como “Los intocables de Eliot Ness”(1987) o “Armas de mujer” (Working girl, 1988)

ITALIA

            Durante los seis meses que duró el rodaje, Milos Forman, considerado por unos un traidor por huir a América y por otros un héroe local por haberse rebelado contra el régimen comunista, estuvo estrechamente vigilado por la policía secreta. Las escenas de la representación de Don Giovanni, se rodaron el 4 de julio (el Día de la Independencia de EE.UU.), durante una de las tomas, cuando Forman gritó ¡Acción!, se desplegó una enorme bandera estadounidense desde el techo del teatro y 500 extras se pusieron de pie y empezaron a cantar el conocido “The star spangled banner”. Más de 30 extras permanecieron sentados con cara de no saber lo que estaba pasando. Se presume que todos ellos eran miembros de la StB, la policía secreta checa, el principal instrumento de represión del régimen

KEVIN TONG

            El director de orquesta británico Neville Marriner, todo un experto de la música barroca y de la figura de Mozart, se encargó de supervisar toda la banda sonora del film. Tan solo les puso a Forman y a su productor una condición: no cambiaría ni una nota de la música de Wolfgang Amadeus Mozart.

            Al mes de su lanzamiento, el álbum de la banda sonora de la película, había alcanzado el nº 1 en la lista de álbumes pop de Billboard. Era la primera vez que un disco de música clásica figuraba entre los discos de artistas populares del momento

            Tras un preestreno en Westwood (California) el 6 de septiembre, “Amadeus” se estrenó en los Estados Unidos el 19 de Septiembre de 1984.

            El estreno en España fue el 1 de marzo de 1985.

            La película fue todo un éxito de crítica y de taquilla recaudando 52.000.000$ solo en Estados Unidos y Canadá. Se estima que su recaudación mundial alcanzó los 90.000.000$. Nada mal si tenemos en cuenta que es una peli histórica de casi tres horas de duración.

            De las 11 nominaciones otorgadas por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, ganó 8 Oscars,  los de  Mejor película, director, guion adaptado, dirección artística, vestuario, sonido,  maquillaje y actor principal, que se lo dieron a F. Murray Abraham (Tom Hulce, también estuvo nominado en esta categoría).

            En fin, con esta obra maestra del género, Milos Forman nos propone una especulación sobre la vida de uno de los músicos más celebres de la Historia. Para ello, se sirve de una supuesta confesión de su más acérrimo rival para hacer que reflexionemos, entre otras cosas sobre los celos, la envidia, el sufrimiento, la infelicidad, la justicia divina, el talento, la mediocridad…  La peli no es un biopic al uso, ya que no hay ninguna certeza histórica de que las cosas ocurrieran como se narran, lo que ocurre es que la ambientación, el vestuario y toda la factura técnica es tan formidable que sin querer creemos que estamos contemplando hechos históricos irrefutables. Tom Hulce no está interpretando a Mozart, sino a Amadeus, un personaje salido de la imaginación del escritor Peter Shaffer y otro tanto pasa con el personaje de Antonio Salieri, sus actos y reacciones no corresponden con las que ocurrieron en realidad sino con las que imaginó el escritor. De hecho, tras la muerte de Mozart, fue Salieri quien se hizo cargo de la tutela de su hijo menor.

            Sin duda, junto con “Barry Lyndon”(1975) de Stanley Kubrick, una de las mejores películas ambientada en el siglo XVIII de la Historia

                                                      Hasta la próxima

              

Amadeus (1984)

 

EL GATOPARDO (Il Gattopardo, 1963)

 

CARTELERÍA

            Giuseppe Tomasi, duque de Palma di Montechiari y príncipe de Lampedusa, nació en Palermo (Sicilia) en 1896 y murió en Roma en 1957. Fue un hombre culto y cosmopolita que hablaba varios idiomas. Completamente opuesto al absolutismo del régimen fascista que se estaba adueñando de su país tomó la decisión de alejarse y dedicarse a viajar por el extranjero. 

            Descendiente de una de las familias más aristocráticas de Sicilia, dedicó prácticamente toda su vida al estudio de la literatura

ITALIA

            “El Gatopardo” fue su única novela. Publicada en 1958, el título alude al leopardo que aparece en el escudo heráldico de la familia del protagonista, Don Fabrizio Salina.

            Giuseppe Tomasi di Lampedusa murió sin saber que tras su publicación, su novela sería aclamada inmediatamente en toda Europa y que él alcanzaría un renombre desde entonces como uno de los más importantes novelistas del siglo, culminando de esta forma su vida con la ironía con la que tan magistralmente había hecho gala en su única novela

ITALIA

            Visconti, que pertenecía también a la aristocracia, conoció la novela antes de su publicación y en seguida se mostró interesado en adaptarla al cine, así que cuando el productor Goffredo Lombardo adquirió los derechos de la novela, este, no tuvo ninguna duda en asignar la realización del film al director milanés

FRANCIA

            A principios de 1961 se empezó a elaborar el guion; para ello, Visconti buscó a sus colaboradores habituales. En primer lugar a Suso Cecchi D’Amico, una de las mejores guionistas del cine italiano, acompañada por Enrico Medioli, Pasquale Festa Campanile y Massimo Franciosa, una tripleta de escritores de lujo que llevaban trabajando con Visconti desde “Rocco y sus Hermanos”(1960) su mayor éxito hasta ese momento

ESPAÑA

            Mientras tanto, el director viajaba con frecuencia a Sicilia acompañado del hijo adoptivo del príncipe de Lampedusa, para buscar localizaciones para el rodaje.

            Visconti decidió que para recrear el pequeño pueblo de Donnafugata utilizaría la localidad de Palma di Montechiari donde el príncipe tenía su residencia de verano.

            A principios de 1962, Visconti y su equipo de guionistas tenían terminado el guion

JAPÓN

            Desde un inicio, Visconti tenía claro que los personajes de Tancredi y Angelica se los iba a asignar a Alain Delon y a Claudia Cardinale. El director se consideraba el descubridor de la pareja al haberles dado su gran oportunidad en “Rocco y sus Hermanos”(1960) y Visconti era de esos directores a los que les gustaba trabajar siempre con su equipo fijo de colaboradores.

            Warren Beatty intentó por todos los medios convencer a los productores para hacerse con el papel de Tancredi, pero Visconti no cedió

POLONIA

            El mayor problema vino para conseguir al actor que tenía que interpretar al príncipe Fabrizio di Salina, amo y señor de toda la función, para el que se necesitaba un actor de primera.

            La primera opción de Visconti era Nikolay Cherkasov, el gran actor ruso protagonista de entre otros, dos peliculones de Sergei Eisenstein, me refiero a “Alexander Nevsky”(1938) y a “Ivan, El Terrible”(1944-1946), pero su estado de salud, le obligó a rechazar el papel. Tras este contratiempo, Visconti pensó en Laurence Olivier o en Marlon Brando.

            Olivier, acababa de recuperarse de una enfermedad y no quería embarcarse en ningún rodaje largo y con Brando, que sí se mostró interesado en la película, no  se pusieron de acuerdo con el dinero

ALEMANIA

            La cosa pintaba mal hasta que apareció en escena la “20th Century-Fox” que estaba interesada en formar parte de la producción del film, aportando 3.000.000$ al presupuesto. Algo por otro lado muy interesante porque además, aseguraba la distribución de la peli en Estados Unidos. Para ello, “La Fox” tan solo impuso la condición de que el protagonista tenía que ser un actor norteamericano y ofreció al productor Goffredo Lombardo que eligiera entre Anthony Quinn, Spencer Tracy y Burt Lancaster (otras fuentes añaden a Gregory Peck también).

            Lombardo eligió a Burt Lancaster y en un principio, no le dijo nada a Visconti que cuando se enteró montó en cólera diciendo en pocas palabras que el actor era bueno haciendo de pirata, de gánster y de vaquero, pero que él lo que necesitaba era un príncipe aristocrático siciliano.

            Fue tras ver el trabajo del actor en el film de Stanley Kramer “Vencedores o Vencidos” (Judgment at Nuremberg, 1961) cuando Visconti pensó que, lo de darle el personaje a Lancaster,  igual no era tan mala idea

PHILIPP VON KETTELER

            Aun así, la relación entre Lancaster y Visconti no empezó con buen pie. El duro trato de Visconti con el actor durante la primera semana de rodaje fue lamentable. Esto llevó a que un día, Lancaster se plantara en el set y le cantara las cuarenta al director. Visconti se quedó tan impresionado con la sinceridad con la que el actor le presentó sus quejas que provocó que entre ellos naciera una gran amistad y un respeto mutuo a partir de entonces. De hecho, unos años más tarde, volverían a trabajar juntos en “Confidencias” (Gruppo di famiglia in un interno, 1974) otro de los grandes films del director

EE.UU.

             El reparto se completó con un extraordinario conjunto de actores italianos entre los que habría que destacar a:  Paolo Stoppa (Don Calogero Sedara), un veterano que los cinéfilos recordaran por su trabajo en films como: “El oro de Nápoles”(1954) de Vittorio De Sica, “Los jueves, milagro”(1957) de Berlanga o “Hasta que llegó su hora” (C'era una volta il West, 1968) de Sergio Leone. También a Romolo Valli (Padre Pirrone) otro secundario de lujo; a Mario Girotti (Conde Cavriaghi) antes de cambiar su nombre artístico por el de Terence Hill y hacerse mundialmente famoso por sus películas junto a Bud Spencer; a Rita Morelli (Princesa Maria Stella Salina), Giuliano Gemma interpretando a uno de los generales de Garibaldi y una jovencísima Ottavia Piccolo (Caterina) que debutaba en la pantalla grande con tan solo 13 años

AUSTRALIA

            El rodaje comenzó el 21 de mayo de 1962 y se extendió durante 4 meses en los que el equipo técnico y los actores, soportaron las 11 semanas más calurosas del año.

            Los primeros problemas aparecieron por obra y gracia de la iglesia católica cuando Ernesto Ruffini, cardenal de Palermo, publicó una carta pastoral poniendo a parir la novela y el hecho de que fuera a ser llevada a la pantalla por un director marxista y amoral como Visconti. Después de solventar este contratiempo, tuvieron que arreglar el tema de la Mafia, ya que si querían rodar en Sicilia, había que pedir permiso a cada uno de los jefes locales de la organización y por supuesto, pagar el dinero estipulado por ellos para evitar “accidentes” durante el rodaje

PORTUGAL

            Como ya he comentado, el calor era insoportable y para la secuencia del baile que se filmó en los salones del Palazzo Valguarnera Gangi de Palermo tenían que reemplazar constantemente las flores que se marchitaban enseguida y los cientos de velas que se derretían rápidamente debido a los equipos de iluminación situados arriba de las lámparas de araña, esto ocasionaba que cada dos por tres hubiera que parar la filmación. Además, los guantes blancos que llevan todos los invitados se manchaban de sudor y Visconti insistía en que había que cambiarlos. Tanto es así que tuvieron que instalar una lavandería en las mismas dependencias del palazzo.

            Para rodar las secuencias de las tropas de Garibaldi entrando en Palermo, los productores para abaratar los costes, propusieron reconstruir todo el escenario urbano en un estudio, pero Visconti que era un perfeccionista se opuso y rodó todas las secuencias en exteriores con el consiguiente trabajo de tener que eliminar del campo de visión todos los elementos modernos existentes. Además de tener que recubrir todo el asfalto con adoquines en cada una de las localizaciones de Palermo que aparecen en la filmación

FRANCIA

            Vamos que todo esto pudo hacerlo porque la película contaba con un presupuesto de 2.900 millones de liras lo que en aquella época venían a ser unos 4.640.000$, la producción más cara hasta ese momento en Italia. Y que conste que Visconti no se pasó ni una lira del presupuesto inicial que tenía asignado.

            Y si nos ponemos a comparar en Hollywood a mediados de los 50, ya se gastaban mucha más pasta en producciones como “La Vuelta al Mundo en 80 Días”(1956), que contó con 6.000.000$, David Lean se fundió 15.000.000$ en el presupuesto de “Lawrence de Arabia”(1962) o sin ir más lejos ese mismo año se gastaron en “Cleopatra”(1963) unos 44.000.000$ de nada

SUECIA

            En septiembre de 1962, Visconti tenía rodada por fin, la película más ambiciosa y más costosa que había hecho en su vida y empezó a hacer el montaje con su editor de confianza, Mario Serandrei con el que llevaba trabajando desde “Obsesión”(1943) su primera película.

            Todo el equipo técnico del film, estuvo formado por colaboradores habituales de Visconti. La extraordinaria fotografía fue obra de Giuseppe Rotunno; el detallista diseño de producción corrió a cargo de Mario Garbuglia y para diseñar el fastuoso vestuario contó con Piero Tosi que como no podía ser de otra manera consiguió por su trabajo una merecidísima nominación al Oscar

ESPAÑA

            Otro aspecto a destacar es la grandiosa banda sonora que el maestro Nino Rota compuso para la película. La conmovedora partitura aportó la atmósfera perfecta para acompañar las imágenes del film.

            Visconti quería una sinfonía original que contuviera todos los temas principales de la peli, así que Rota terminó una composición que había compuesto durante la 2ª Guerra Mundial y se la presentó al director que se quedó maravillado con la pieza. Además incluyó una polka, una mazurca, una quadriglia, un galop y dos valses. Uno original suyo titulado “Valzer del Commiato” y el otro fue un arreglo que hizo al “Gran Valzer Brillante” de Giuseppe Verdi, un vals inédito del gran compositor cuyo manuscrito original había sido adquirido a un anticuario romano y estaba en poder de Visconti

JAPÓN

            “El Gatopardo” se proyectó por primera vez en México el 2 de enero de 1963 dentro del “Festival de Cine de Acapulco”.

            El estreno en Italia fue el 29 de marzo de 1963 y en España se estreno a finales de ese mismo año, el 16 de diciembre.

            La primera versión duraba 205 minutos, pero tanto Visconti como su productor, pensaron que era muy larga y la redujeron a 195 minutos para su proyección en el “Festival de Cannes”; donde por cierto, ganó ese año “La Palma de Oro”. Finalmente, para su estreno comercial, suprimieron otros 10 minutos, dejando la versión definitiva en 185 minutos. Claro que esto fue para su distribución en Europa, porque lo que hicieron en Estados Unidos con el film, fue una masacre

BÉLGICA

            Para su estreno en Nueva York el 12 de agosto de 1963, la “20th Century-Fox”, realizó un nuevo montaje cortando todo lo que les dio la gana, cambió el sistema del color y por si eso no fuera poco, estrenaron el film sustituyendo el extraordinario doblaje en italiano doblando a los actores en inglés, perdiendo con ello la consistencia y veracidad que aportaba este detalle en la versión original. Y todo esto a espaldas de Visconti, que cuando se enteró la repudió y declaró que esa no era su película.

            “La Fox” amenazó con demandar a Visconti, ya que sus declaraciones perjudicaban la carrera comercial del film. Finalmente, la sangre no llegó al río; pero el caso es que el público norteamericano, jamás pudo ver realmente la película.

            En fin, la película favorita de dos maestros como Martin Scorsese y Giuseppe Tornatore no ha perdido ni uno de sus atractivos originarios. Un apasionante espectáculo en el que asistimos al momento histórico conocido como el resurgimiento, es decir, la unificación de los distintos estados existentes en la península itálica en un estado único. La película ambienta el siglo XIX cuidando hasta el más mínimo detalle y nos muestra valiéndose de los personajes una supuesta transformación de la sociedad que fue tan solo una anécdota, puesto que realmente, no implicó ningún cambio sustancial de relevancia social. La lúcida reflexión que el director nos muestra, va más allá de este preciso momento histórico, convirtiendo el mensaje a un ámbito mucho más actual y universal. De hecho, el tema que aborda es el de un mundo en descomposición que se resiste a desaparecer y para eso, debe adaptarse a los nuevos tiempos. Inolvidable la frase que el protagonista afirma: “Es preciso que todo cambie para que todo quede como está”. Sin duda una sentencia que muestra de manera realista y cínica el desengaño existente por el mundo en el que vivían, o quizás, por el mundo en el que seguimos viviendo.

                                                       Hasta la próxima

            

El Gatopardo (1963)

 

 

El Gatopardo (1963)

UN HOMBRE LOBO AMERICANO EN LONDRES (An American Werewolf in London, 1981)

 

CARTELERÍA

            John Landis nació el 3 de agosto de 1950 en Chicago pero muy pronto se trasladó con su familia al barrio de Westwood en Los Angeles (California) donde vivió su niñez y adolescencia.

            Su vocación cinéfila nació cuando tenía 8 años tras ver “Simbad y la Princesa” (The 7th Voyage of Sinbad, 1958), un film de aventuras de Nathan Juran donde el maestro de los efectos especiales Ray Harryhausen hacía diabluras con sus criaturas animadas en stop-motion

            Landis pertenece a la talentosa generación de directores norteamericanos nacidos entre mediados de los años 40 y principio de los 50. Un grupo de genios que cambiaron el rumbo de la industria innovando y haciendo evolucionar tanto las técnicas como los géneros cinematográficos. Hoy en día son todos veteranos consagrados, pero en aquellos momentos, tan solo eran unos jóvenes desconocidos llamados Steven Spielberg, George Lucas, Robert Zemeckis, Joe Dante, John Carpenter…  y el propio John Landis que empezó  en la industria cinematográfica, desde lo más bajo

            Tras varios intentos fallidos por conseguir trabajo en el sector, logró un empleo como chico de los recados en “20th Century Fox”, esto propició que muy pronto estuviera relacionándose con guionistas, productores y directores; entre ellos el veterano director Andrew Marton, a quien el joven Landis le cayó en gracia y decidió convertirlo en su protegido

            Marton era un cineasta todoterreno que había dirigido desde telefilms en inolvidables series como “Flipper”(1964-1967) y “Daktari”(1966-1969) hasta peliculones como “Las Minas del Rey Salomón”(1950). Además era uno de los mejores asistentes de dirección y directores de segunda unidad del negocio, un tipo que había trabajado con la flor y nata hollywoodiense en films míticos como “Horizontes Perdidos”(1937), “La Costilla de Adán”(1949) o “Cleopatra”(1963) y ni que decir tiene que Landis aprendió muchísimo estando a su lado

            En 1969, Marton se fue a Yugoslavia para hacerse cargo de dirigir la segunda unidad en “Los Violentos de Kelly” (Kelly’s Heroes, 1970) y se llevó a Landis, que tan solo tenía 19 años, como asistente de dirección. Fue precisamente allí, durante uno de los desplazamientos del rodaje, cuando el joven se topó en un cruce de caminos con un funeral en el que unos gitanos practicaban una especie de ritual con ajos y demás parafernalia, con la intención de que el tipo al que estaban enterrando, un violador al que habían abatido a tiros, no resucitara. Este suceso fue el embrión de la peli que nos ocupa, Landis tomó la decisión de escribir un guion sobre El Hombre Lobo ambientado en la vieja Europa, en un momento en que los hombres lobo estaban pasados de moda.

            Aun así, tendrían que pasar muchos años para que ese guion se convirtiera en una película

ALEMANIA

            Landis ofreció el guion a prácticamente todos los estudios y todos venían a decirle lo mismo, que esa mezcla de humor y terror no funcionaría. Albert R. Broccoli, el veterano productor de los films de James Bond, tras leer el guion le dijo que era la cosa más rara que había leído y que no pensaba que de eso se pudiera hacer una película.

            Así que Landis no tuvo más remedio que dejar aparcado el proyecto y esperar a poder contar él con el dinero para financiarlo

ESPAÑA

            Lo que ocurrió 10 años después, gracias al éxito de su tercera y cuarta película como director. Tanto “Desmadre a la Americana” (National Lampoon's Animal House, 1978) como “Granujas a todo Ritmo” (The Blues Brothers, 1980) fueron dos espectaculares “pelotazos” de taquilla.

            Aunque en un principio a su hombre lobo lo iba a plantar en París, terminó llevándoselo a Londres, principalmente,  por dos razones: Landis no hablaba ni papa de francés y por otro lado, en Inglaterra podría beneficiarse de un incentivo fiscal por el que los productores recibían un porcentaje de la recaudación nacional siempre y cuando el equipo técnico y los actores fueran en su gran mayoría británicos

FRANCIA

            Los productores querían a Dan Aykroyd y John Belushi para interpretar a los dos jóvenes mochileros americanos, pero Landis se lo quitó de la cabeza diciéndoles que los dos protagonistas tenían que ser actores desconocidos.

            Tras ver su actuación en “The Warriors”(1979), John Landis quería para el papel protagonista a Michael Beck, pero los productores se negaron debido al fracaso tanto de crítica como de taquilla  que había tenido “Xanadú”(1980) el film que acababa de protagonizar junto a Olivia Newton-John

PETER MAHONEY

            Landis vio a David Naughton en un anuncio televisivo de la famosa marca de refrescos Dr Pepper  y lo llamó para hacerle una entrevista. Cuenta el actor que tan solo necesitó media hora de charla con Landis para conseguir el papel. Este trabajo fue sin duda el mejor de toda su carrera y pese al éxito y popularidad que obtuvo, paradójicamente sus desnudos en el film, originaron que Dr Pepper cancelara su contrato y lo despidiera.

            La verdad es que el actor no ha tenido mucha suerte en sus siguientes trabajos y aunque sigue apareciendo en series y películas, ninguno de sus papeles ha sido tan relevante como su  hombre lobo americano

AL ABBAZIA

            Su compañero de fatigas, el pobre Jack al que se cepillan a los diez minutos de peli, fue interpretado por Griffin Dunne. Un actor que apenas tenía experiencia en largometrajes y que tan solo hizo una lectura rápida del guion con Landis para conseguir el personaje.

            Dunne con el tiempo se ha convertido en productor y director. Además ha intervenido como actor en buenas series televisivas como “This is Us”(2016-2022) y extraordinarias películas como “El Gran Azul”(1988) o  “Dallas Buyers Club”(2013).

            El resto del reparto se completó con actores británicos

AUSTRALIA

            Empezando por la chica de la película, un personaje que corrió a cargo de Jenny Agutter. La actriz estuvo a punto de rechazar el papel porque no le gustaban las películas de terror.

            Nacida en Somerset (Inglaterra) había debutado en el cine con tan solo 12 años y pese a su juventud, a principio de los años 80 era ya toda una veterana que había trabajado con muy buenos directores en films como: “Ha llegado el Águila”(1976) de John Sturges y “Equus”(1977) de Sidney Lumet, también había alcanzado gran popularidad tras protagonizar junto a Michael York “La Fuga de Logan”(1976) de Michael Anderson

TAILANDIA

            Entre los secundarios de lujo que Landis fichó en Inglaterra encontramos a John Woodvine, un actor que había pertenecido a la prestigiosa “Royal Shakespeare Company” con infinidad de trabajos en teatro, cine y TV a sus espaldas; Woodvine interpretó al Doctor Hirsch, un personaje para el que también se barajaron los nombres de James Fox y Robert Stephens.

            Al principio del film cuando la pareja de mochileros llega a “El Cordero Degollado”, un típico pub de pueblo perdido en los páramos, entre los parroquianos podemos ver a Brian Glover y a Rik Mayall jugando al ajedrez y otro rostro muy popular es el de David Schofield, el jugador de dardos, otro ex integrante de la “Royal Shakespeare Company” que muchos recordaran por su papel de Falco en “Gladiator”(2000) o como Mercer en la saga de “Piratas del Caribe

SCOTT WOOLSTON

            Por aquellas fechas, el gobierno británico daba los permisos de trabajo con cuentagotas. Los productores solo conseguían tres y necesitaban cuatro. Para solucionarlo, tuvieron que amenazar con llevarse la producción a París para que la oficina de equidad reconsiderara la solicitud y terminara concediendo el cuarto visado.

            Estos cuatro permisos fueron para el director John Landis, los actores David Naughton y Griffin Dunne y el maestro del maquillaje y los efectos especiales Rick Baker

ITALIA

            Rick Baker fue sin ninguna duda uno de los pilares sobre el que se sustenta el éxito del film. Conocía a Landis desde hacía mucho tiempo, fue uno de los primeros en leer el guion de la película y empezó a  preparar todas la innovaciones que iba a realizar en este film, mucho tiempo antes de que Landis consiguiese el dinero para hacerlo. De hecho, cuando se dio luz verde a la producción, Baker estaba trabajando con Joe Dante en “Aullidos” (The Howling, 1981), otro film de hombres lobo y abandonó esta producción para irse a trabajar con Landis

GRAHAM HUMPHREYS

            La secuencia de la transformación marca un antes y un después en el avance de los FX y del maquillaje. La Academia se vio en la obligación de crear una nueva categoría en los Oscars para premiar el mejor maquillaje, algo que hasta entonces solo se había hecho de forma testimonial u honorífica solo en dos ocasiones: en “Las 7 caras del Dr. Lao”(1964) y en “El Planeta de los Simios”(1968).

            Tardaron casi una semana en rodar esta secuencia, necesitaban 5 horas en aplicar el maquillaje y 3 horas en retirarlo. Debido a esta preparación tan larga, solo había tiempo para hacer una toma. Además Baker había construido una cabeza animatrónica para hacer la protuberancia del hocico, muchísimo trabajo para un momento de la secuencia que apenas dura 7 segundos. ¿Y  el crujir de huesos? Creo que el resultado es espeluznante.

            Griffin Dunne también se sometía a largas sesiones de maquillaje para sus apariciones desde el Más Allá

MATT RYAN TOBIN

            Fue la primera vez en 15 años que la policía londinense permitió rodar una secuencia en Piccadilly Circus, desde que el director Michael Winner detonó una bomba de humo, para la que no tenía permiso, durante el rodaje de “Atraco a la inglesa” (The Jokers, 1967). Landis se cameló a la policía y consiguió poder rodar la última escena en la popular plaza londinense. El equipo estuvo ensayando meticulosamente todas las acrobacias y coreografías que había que hacer y en dos noches entre la 1 y las 4 de la madrugada consiguieron cerrar el área para realizar el rodaje

GABZ

            En el apartado técnico, Landis contó entre otros con Robert Paynter como director de fotografía, Malcolm Campbell su habitual colaborador en las labores de montaje y el director artístico galés Leslie Dilley, un maestro de los decorados en films como “La Guerra de las Galaxias”(1977), “Alien: El Octavo Pasajero”(1979) o “En busca del Arca Perdida” (Raiders of the Lost Ark, 1981)

            La música original fue obra de Elmer Bernstein y para el film, Landis, tan solo utilizó 7 minutos. Prefirió acompañar las imágenes con clásicas canciones que hacen referencia a la luna como “Moondance” de Van Morrison, “Bad Moon Rising” de Creedence Clearwater Revival o la legendaria “Blue Moon” de Rodgers y Hart que la escuchamos en varias versiones.

            Landis intentó por todos los medios conseguir los derechos de la canción “Moonshadow” para incluirla en el film, pero Cat Stevens, que ya se había convertido al islam, se opuso a que su canción se relacionara con una película sobrenatural del hombre lobo

FREDERICK COOPER

            La película se rodó entre el 2 de febrero y el 3 de marzo de 1981.

            Su presupuesto final fue de 10.000.000$. Además de ganar el Oscar al mejor maquillaje, la película funcionó muy bien en la taquilla recaudando unos 62.000.000$ en todo el mundo.

            En Estados Unidos se estrenó el 21 de agosto de 1981 y el estreno en España fue el 23 de octubre de ese mismo año.

            A Michael Jackson le fascinó tanto la peli que contrató a John Landis y a prácticamente todo el equipo técnico del film para realizar su mítico videoclip “Thriller”(1983).

            Existe una olvidable “secuela” titulada “Un Hombre Lobo Americano en París”(1997), ajena a Landis y a su equipo que es una “castaña” de peli.

            En fin, una “rara avis” en la filmografía de John Landis, un director prodigado principalmente en comedias más o menos gamberras pero eso sí, muy yanquis, 100% americanas y digo esto porque “Un Hombre Lobo Americano en Londres” es una peli inglesa tanto por su diseño de producción como por sus interpretaciones. Landis la considera su mejor película y la verdad es que además de lograr un gran avance en las técnicas de maquillaje y efectos especiales fue una innovadora y entretenida puesta al día del mito de la licantropía. Es una buena peli de monstruos con ciertos toques de humor negro, pero pienso que para nada se puede considerar una comedia. Digamos que con el tiempo se ha convertido en el film de culto de su director.

                                                           Hasta la próxima