miércoles, 25 de junio de 2025
BRAVEHEART (Braveheart, 1995)
CARTELERÍA
En 1983, el guionista Randall Wallace viajó a Escocia con la idea de buscar las raíces de su apellido. Visitando el Castillo de Edimburgo encontró una estatua de William Wallace, un personaje con su mismo apellido del que nunca había oído hablar. Tras empezar a investigar sobre su historia y darse cuenta que el llamado “Guardián de Escocia” era considerado como el mayor héroe del país, decidió escribir el guion para una posible película, una película que terminaría materializándose en “Braveheart”(1995) uno de los mejores films de su década
Wallace se basó principalmente en un poema romántico del siglo XV escrito por un juglar llamado Harry “El Ciego”. El poema, escrito más de 150 años después de la muerte de William Wallace y recogido de la tradición oral, ni que decir tiene que muy fiel a la Historia no creo que sea
En 1993, el guion llegó a las manos de Alan Ladd Jr, el célebre productor responsable de poner en marcha títulos como “La Profecía” (The Omen, 1976) y “La Guerra de las Galaxias” (Star Wars, 1977). Ladd contactó con Mel Gibson para ofrecerle el papel protagonista pero el actor declinó la oferta porque pensaba que era demasiado mayor para encarnar el personaje
Tras la negativa de Gibson, se pensó en Daniel Day-Lewis, Jeff Bridges, Christopher Lambert y Liam Neeson para dar vida al personaje y en Terry Gilliam para dirigir el film, pero Gilliam estaba preparando el rodaje de “Doce Monos”(1995) y no podía hacerse cargo del proyecto
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| NUANSA ART |
Durante este periodo de tiempo, Gibson que se había interesado por indagar sobre el personaje de William Wallace se reunió con Alan Ladd Jr y le dijo que estaba dispuesto a dirigir el film. El productor aceptó y Gibson le sugirió que su idea era dar el papel protagonista a Brad Pitt o a Jason Patric
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| HUNGRÍA |
El proyecto estaba en marcha pero ahora había que buscar financiación y tanto Gibson como Ladd encontraron muchos problemas para conseguir el dinero para hacer la película.
Finalmente, “Paramount” colaboró poniendo un tercio del presupuesto a cambio de distribuir el film en Norteamérica y “La Fox” puso los otros dos tercios quedándose con los derechos de distribución al resto del mundo. Aun así, “Paramount” puso como condición que solo financiaría el film si Mel Gibson lo protagonizaba. Así que Gibson terminó siendo actor, director y uno de los productores del film. Mayor involucración, imposible
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| RUSIA |
Entre las películas que Mel Gibson visionó para inspirarse antes del rodaje están entre otras: “Espartaco”(1960) de Kubrick, “El León en Invierno”(1968) de Harvey, “Macbeth”(1971) de Polansky y “Horizontes de Grandeza” (The Big Country, 1958) de Wyler, el film que siempre cita como su peli favorita
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| BRIAN C HAILES |
Para interpretar el personaje del rey de Inglaterra Eduardo I, Gibson intentó fichar a Sean Connery, pero el actor escocés se había comprometido para rodar “Causa Justa”(1995) y tuvo que rechazar la propuesta.
David Tomblin, que era el primer ayudante de dirección de Gibson, fue quien le sugirió el nombre de Patrick McGoohan para el papel de Eduardo I
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| ALEMANIA |
La mayoría de los actores escogidos por Mel Gibson para acompañar a William Wallace en su epopeya son oriundos del Reino Unido.
Muy buenos actores escoceses como James Cosmo (Campbell), Brian Cox (Argyle Wallace), Angus Macfadyen (Robert the Bruce), David O´Hara (Stephen) o Tommy Flanagan (Morrison)… irlandeses como Sean Lawlor (Malcolm Wallace), Sean McGinley (MacClannough) o Brendan Gleeson (Hamish)… y algún que otro inglés como Alun Armstrong (Mornay)
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| ESPAÑA |
A Jodie Foster, que acababa de protagonizar “Maverick”(1994) junto a Gibson, le dieron a elegir entre los dos papeles femeninos principales: Murron, la esposa de William Wallace y la princesa Isabel de Francia. La actriz tuvo que rechazar la oferta porque se había comprometido para rodar “Nell”(1994) un papel por el que obtuvo una nueva nominación al Oscar.
Murron terminó interpretándola la inglesa Catherine McCormack y la francesa Sophie Marceau se hizo con el personaje de Isabel
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| TONY PRANAY |
En un principio, la idea era rodar el film en Inglaterra, pero el gobierno irlandés ofreció muchas facilidades para que el rodaje se realizase en su país.
Entre otras cosas puso a disposición de la producción a 1.600 miembros del FCA, reservistas del ejército irlandés, imprescindibles para representar a las huestes de los dos ejércitos en contienda. A cada uno de estos extras se les daba una asignación de 300 dólares a la semana y llegaban a trabajar hasta jornadas de 14 horas. Se hicieron crecer la barba y antes de empezar a rodar, se necesitaban casi 4 horas para que todos pasaran por vestuario y maquillaje
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| REPÚBLICA CHECA |
El rodaje que duró casi 5 meses, entre el 6 de junio al 28 de octubre de 1994, fue muy duro. Las escenas de batallas están tan logradas porque muchos extras se zurraban de lo lindo, de hecho hay escenas cuyo resultado fue más realista del que nunca habían imaginado.
Una organización protectora de animales que estaba convencida de que se estaba maltratando a los caballos, estuvo a punto de demandar a la producción. Tuvieron que demostrarles que los supuestos caballos maltratados eran caballos mecánicos de 90 kg de peso diseñados para las secuencias de batalla
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| SAHIN DÜZGÜN |
En dos momentos del rodaje, Gibson estuvo a punto de perder la vida. Uno cuando se cayó del caballo que montaba y este estuvo a un tris de caer sobre él y aplastarlo. El otro fue en la secuencia del ahorcamiento cuando las medidas de seguridad fallaron y casi lo ahorcan de verdad. El actor perdió el conocimiento y cuenta que cuando despertó se quedó sorprendido porque todo el equipo se encontraba de pie a su alrededor.
El actor llegó a estar hasta 105 días consecutivos en el rodaje. Se involucró en extremo con la producción y tanto sacrificio le pasó factura. Gibson declaró que el esfuerzo durante la realización de “Braveheart” física y mentalmente había sido más duro que rodar tres películas de “Arma Letal” seguidas
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| FRANCIA |
Para realzar más las escenas de violencia, Gibson tomó prestadas técnicas cinematográficas, usando cortes bruscos en las secuencias o el rodaje a diferentes velocidades, recursos aprendidos de George Miller mientras trabajaba con él en los films de “Mad Max”.
Para filmar la batalla de Stirling emplearon seis semanas. Utilizaron unos 200.000 metros de película (unas 90 horas de visionado). Gibson y Steven Roseblum, el encargado del montaje del film, emplearon tres semanas en editar esta secuencia. Además había que moderar las escenas más brutales para evitar que la película fuera clasificada para mayores de 18 años
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| CHINA |
El montaje final duraba 195 minutos, demasiado largo para los ejecutivos de “Paramount”, así que con la ayuda de Sherry Lansing, que en aquel momento era la jefa del estudio, redujeron la duración del film a los 178 minutos que conocemos.
Existe una versión de la peli, un “director’s cut”, de cuatro horas de duración que quizás algún día se estrene y podamos verla. Gibson tan solo espera a que “Paramount” y “La Fox” estén interesados
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| ITALIA |
La extraordinaria fotografía del film, corrió a cargo de John Toll un veterano que había sido operador de cámara en peliculones como “El Precio del Poder” (Scarface, 1983) y que como director de fotografía acababa de ganar el Oscar con “Leyendas de Pasión”(1994). Por su trabajo en “Braveheart” ganó su segunda estatuilla.
El diseño de producción lo llevó a cabo un equipo capitaneado por Tom Sanders, un tipo que ya había demostrado su maestría en películas como “Drácula de Bram Stoker”(1992) de Francis Ford Coppola.
Y también hay que resaltar la impresionante partitura compuesta por James Horner. Una maravilla de banda sonora que siempre he pensado que junto a la que compuso para “Leyendas de Pasión”(1994) forman el germen del que fue su trabajo más premiado; la música para el film de James Cameron: “Titanic”(1997), con el que ganó sus dos únicos Oscars
“Braveheart” se vio por primera vez el 18 de mayo de 1995 en Festival Internacional de Cine de Seattle. Al día siguiente tuvo un preestreno en Los Angeles y el 24 de mayo se estrenó en el resto de Estados Unidos.
El estreno en España fue el 29 de septiembre de ese mismo año.
Se estima que la peli terminó costando unos 72.000.000$. Fue todo un éxito de taquilla que recaudó más de 210.000.000$ en todo el mundo. Parte de la prensa inglesa la tildó de mostrar una exagerada anglofobia tóxica. También la crítica se cebó con la secuencia en la que Eduardo I prescinde del amante de su hijo, dijeron que incitaba a la homofobia.
El film obtuvo 10 nominaciones y ganó 5 Oscars: Mejor Película, Director, Fotografía, Efectos de Sonido y Maquillaje.
La película sirvió de inspiración para “The Clansman”, uno de los temas imprescindibles en los directos de los “Iron Maiden”.
En fin, Mel Gibson en ningún momento se planteó hacer una peli rigurosamente histórica. Su idea era ensalzar la vida de un líder guerrero durante la primera guerra de la independencia escocesa y mostrarlo al público en una épica experiencia cinematográfica. Hay que reconocer que, para ser casi un novato en la dirección, lo consiguió, le salió muy bien. La prueba está en que 30 años después de su estreno, “Braveheart” sigue manteniendo esa aureola de film legendario e inolvidable y posiblemente el trabajo más estimado de su director.
¡¡¡Pueden quitarnos la vida, pero nunca nos quitarán la libertad!!!
Hasta la próxima
martes, 24 de junio de 2025
miércoles, 26 de febrero de 2025
DOCE MONOS (Twelve Monkeys, 1995)
CARTELERÍA
Terry Gilliam se dio a conocer en el mundillo cinematográfico gracias al aclamado grupo británico “Monty Python”. Había nacido en los Estados Unidos y tras viajar por media Europa, terminó recalando en Inglaterra donde muy pronto se unió al grupo humorístico y empezó a colaborar con ellos en el programa televisivo “Monty Python’s Flying Circus”(1969-1974)
Gilliam es un gran aficionado al comic y a la animación. Cuenta que “Senderos de Gloria”(1957) de Stanley Kubrick fue el film que cambió su percepción sobre el cine, haciéndole ver que además de para divertir, el cine era un medio ideal para lanzar mensajes y remover las conciencias de la gente
Su carrera como director ha tenido altibajos, ocasionados sin ningún género de duda por el tipo de cine que hace. En sus películas, Gilliam hace gran uso de la parodia, el surrealismo, el absurdo y el humor negro para plantearnos historias desoladoras muchas veces en mundos deprimentes
Varios de sus films, en el momento de su estreno, han sido auténticos fracasos tanto de crítica como de taquilla y hoy en día están considerados films de culto. Es un cineasta que siempre le ha costado mucho tanto financiar, como tener el control final de sus películas y los productores y algunos estudios han hecho verdaderas barbaridades en la edición final de sus películas. Por poner solo un ejemplo, la destroza que “Universal” le hizo en “Brazil”(1985)
“Doce Monos” es un film de Ci-Fi, que aunque se encuentra clasificado dentro del subgénero de “viajes en el tiempo”, transita por derroteros muy distintos a célebres referentes de este tipo de cine como pueden ser: “El Tiempo en sus Manos” (The Time Machine, 1960) o “Regreso al Futuro”(1985), principalmente por la particular manera de Gilliam de contarnos sus historias y mostrarnos sus universos
El proyecto nació cuando el productor Robert Kosberg, tras ver el cortometraje “El Muelle” (La Jetée, 1962), se puso en contacto con su director Chris Marker y le convenció para presentar la idea a “Universal Pictures” con el fin de hacer un largometraje tomando como inspiración la propuesta mostrada en su trabajo.
“Universal” aceptó el proyecto y compró los derechos
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| ALEMANIA |
Kosberg aceptó la labor de productor ejecutivo y Charles Roven, el famoso productor, entre otras de la trilogía que Christopher Nolan hizo sobre “Batman”, fue el encargado de sacar adelante la producción.
Contrataron a David Webb Peoples , el guionista de “Blade Runner”(1982) y de “Sin Perdón”(1992) para que escribiera el libreto. Un extraordinario guion que terminó firmando junto a su esposa Janet Peoples
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| NIKITA KAUN |
Aunque no había trabajado nunca con él, Charles Roven eligió a Terry Gilliam como director. La única condición que Gilliam puso fue que él sería el único responsable del montaje final, para así evitar que “Universal” metiera mano en la película acabada como había hecho anteriormente en “Brazil”(1985)
El estudio, en esas fechas estaba produciendo “Waterworld”(1995) de Kevin Reynolds. Un film que, debido a los sobrecostes, se había disparado a los 175.000.000$ de presupuesto. Esto fue motivo suficiente para aprobar para “Doce Monos” un ajustado presupuesto de tan solo 29.000.000$. Muy escaso para una película de Ci-Fi, pero que por otro lado, hizo que Gilliam (muy aficionado en ocasiones a excederse en el plano visual) se contuviera sin menguar por ello la fuerza de sus imágenes
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| MAINGER GERMAIN |
Terry Gilliam también se buscó la vida para conseguir un gran reparto.
Sus primeras opciones para los dos personajes principales masculinos fueron Nick Nolte para el papel de James Cole y Jeff Bridges para encarnar a Jeffrey Goines. Pero ambos llevaban años sin obtener ningún éxito de taquilla y fueron desestimados por el estudio que quería contar para esos papeles con dos estrellas que en esos momentos, atrajesen más a la gente a ir a los cines
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| ESPAÑA |
Cuando Robert De Niro rechazó interpretar a James Cole, se barajaron varias opciones. Nicolas Cage fue la primera opción del productor y “Universal” era partidario de ofrecerle el personaje a Sylvester Stallone. Finalmente, prevaleció la opinión de Terry Gilliam y Bruce Willis fue el candidato elegido para el papel.
Gilliam había conocido a Bruce Willis durante el casting de su anterior peli: “El Rey Pescador”(1991) y aunque no consiguió el papel para esa película, ambos se profesaban un respeto mutuo. De hecho, el director se había quedado impresionado por la sensibilidad con que el actor había interpretado la secuencia de “Jungla de Cristal” (Die Hard, 1988) en la que John McClane habla de su mujer mientras se está quitando los cristales incrustados en sus pies. Hablando con Willis descubrió que todo ese diálogo había sido improvisado por el actor y eso fue razón suficiente para que Terry Gilliam lo eligiera para protagonizar el film
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| JAPÓN |
Willis tenía tanto interés de trabajar con Terry Gilliam que aceptó rebajarse ostensiblemente su caché, tanto es así, que hizo la película prácticamente gratis y tan solo cobró su salario tras el estreno y una vez que el film se había convertido en un éxito en la taquilla.
Brad Pitt también se comprometió a hacer la película aceptando un salario relativamente pequeño porque además de querer trabajar con Gilliam y saber que contaba con un presupuesto muy ajustado, en el momento que firmó para dar vida al psicótico Jeffrey Goines, Pitt aun era un actor “prometedor”. Sin embargo, cuando se estrenó “Doce Monos”, ya se habían estrenado “Entrevista con el Vampiro”(1994), “Leyendas de Pasión”(1994) y “Se7en”(1995) y Brad Pitt se había convertido en una estrella, un hecho que sin duda le vino muy bien al film de Gilliam
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| DANNY SCHLITZ |
Terry Gilliam dudaba de que Brad Pitt fuera capaz de pronunciar correctamente las escenas de verborrea delirante que tenía en la película, así que lo envió a que ensayara con un profesor de oratoria con el que trabajó varias sesiones. Cuentan las malas lenguas que finalmente, para ayudar al actor, Gilliam lo que hizo fue quitarle los cigarrillos. Hay que reconocer que aunque en algunos momentos Pitt sobreactúa algo, los acelerados e impulsivos discursos los interpreta extraordinariamente. Exactamente como Gilliam quería.
Inolvidable la secuencia en la que va explicándole a un alienado Bruce Willis las dependencias y normas del psiquiátrico.
Johnny Depp era la otra opción para interpretar este personaje si Pitt no hubiese aceptado el papel.
Brad Pitt, por su interpretación de Jeffrey Goines, obtuvo su primera nominación al Globo de Oro y al Oscar al mejor actor secundario.
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| POLONIA |
La bella actriz Madeleine Stowe fue la encargada de dar vida a la Dra. Kathryn Railly. Aunque muchos la recordareis por sus papeles en “Revenge”(1990) de Tony Scott y “El Último Mohicano”(1992) de Michael Mann, fue su trabajo en “Sola en la penumbra” (Blink, 1993) un film de Michael Apted, lo que atrajo la atención de Terry Gilliam para ofrecerle el personaje.
Entre el reparto del film, encontramos en papeles secundarios a buenos actores como: Jon Seda, David Morse y el veterano Christopher Plummer
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| PETER MAHONEY |
Fue un rodaje dificultoso realizado entre el 8 de febrero y el 6 de mayo de 1995. Prácticamente todas las localizaciones se filmaron en Filadelfia y Baltimore y debido al crudo invierno, las primeras semanas tuvieron muchos problemas con la climatología. Además, Terry Gilliam tuvo un accidente y casi se mata mientras montaba a caballo. Pese a todos estos percances, Gilliam se ajustó al presupuesto previsto y tan solo se retrasó una semana en el cronograma de rodaje.
Para hacer más convincente la devastación acontecida en el mundo futuro (año 2035), los responsables del departamento de arte propusieron, sobre todo para el mundo subterráneo, una puesta en escena con un estilo steampunk, utilizando tecnología bastante antigua. De hecho muchos de los artefactos que aparecen en el film, fueron adquiridos en mercadillos de 2ª mano y chatarrerías
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| JAPÓN |
El diseño de producción corrió a cargo de Jeffrey Beecroft que ya había sido nominado para el Oscar por su labor en “Bailando con Lobos”(1990).
Los decorados se construyeron en edificios abandonados y lugares emblemáticos como el Teatro Senator de Baltimore, el Girard College o la Penitenciaría Estatal del Este en Filadelfia que era una prisión en desuso. El equipo de decoradores estaba capitaneado por Crispian Sallis que ya contaba con 2 nominaciones al Oscar y que lograría una tercera por los fastuosos decorados de “Gladiator”(2000)
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| BARTOSZ PIOTROWSKI |
Para la fotografía volvió a confiar en Roger Pratt, uno de sus colaboradores habituales desde la época con los Monty Python y para el montaje contó con Mick Audsley.
Un montaje que cuenta con muchas referencias, donde el tiempo y los monos juegan un papel predominante. Así, durante el metraje, podemos ver fragmentos del cortometraje “El súper vendedor prehistórico”(1969) con el Pájaro Loco viajando por un Túnel del Tiempo; del film de los hermanos Marx “Pistoleros de Agua Dulce” (Monkey Business, 1931); de “La Amenaza de Andrómeda”(1971) con los experimentos con los monos; de “Vértigo”(1958) el film de Hitchcock con la secuencia de las edades de los árboles…
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| REINO UNIDO |
Paul Buckmaster compuso una inquietante partitura. El repetitivo tema principal instrumentado a los sones de un acordeón pone de los nervios al más pintado. Para esta composición, Buckmaster elaboró una de sus majestuosas orquestaciones sobre el primer movimiento de la “Suite Punta del Este” del maestro argentino Astor Piazzolla.
Además de las composiciones de Buckmaster, en la película suenan también temas clásicos como: “What a Wonderful World”, “Sleep Walk”, “Blueberry Hill”, “Comanche”… e incluso fragmentos de composiciones de Mozart y de Schubert.
Paul Buckmaster fue uno de los músicos que colaboraron con David Bowie en el videoclip de “Space Oddity”. Un reconocido arreglista y compositor que trabajó además de con Bowie, con otras leyendas del rock como Elton John, Harry Nilsson y Los Rolling Stones
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| FRANCIA |
El film tuvo un preestreno en la ciudad de Nueva York el 8 de diciembre de 1995 y el estreno oficial en Estados Unidos fue unos días más tarde, el 27 de diciembre.
En España se estrenó el 21 de marzo de 1996.
La película fue todo un éxito de crítica y taquilla recaudando casi 170.000.000$.
Tras el estreno, el arquitecto Lebbeus Woods demandó a “Universal” porque la silla de interrogatorio frente a la esfera que aparece en las escenas donde Bruce Willis es interrogado por los científicos, era prácticamente igual que la que aparecía en una ilustración suya de 1987 titulada: “Neomechanical Tower (Upper) Chamber”. Woods logró que el tribunal detuviera la proyección en los cines y exigió a “Universal” que eliminara las escenas. Finalmente, el estudio lo solucionó llegando a un acuerdo económico con el artista y las imágenes se mantuvieron en el film
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| EDGAR ASCENSAO |
La popularidad alcanzada por la película, originó una serie de TV titulada también “12 Monos”(2015-2018) con 4 temporadas y 47 episodios.
Por cierto, lo de “El Ejército de los Doce Monos” está sacado de “La Magia de Oz” una de las novelas originales que L. Frank Baum escribió sobre “El Mundo de Oz”. En la novela hay un pasaje donde se cuenta como el Rey Nomo y Kiki Aru para conquistar Oz convencen a doce monos asegurándoles un suministro interminable de comida si se convierten en soldados para ellos.
En fin, creo que una de las cosas más interesantes del género de Ciencia- Ficción es que te haga pensar y tal como está el panorama mundial, os aseguró que la peli de Gilliam cumple este cometido con nota alta. Posiblemente sea la mejor película de toda su filmografía y desde luego, si la cosa no cambia, el mensaje que transmite va a estar de vigente actualidad hasta el fin de los días porque tras la barbaridad que supuso toda la epidemia del Covid-19, este mensaje puede resultar hasta bastante profético.
Hasta la próxima
martes, 25 de febrero de 2025
sábado, 29 de junio de 2024
SEVEN (Se7en, 1995)
CARTELERÍA
David Fincher nació en Denver en 1962. Cuenta que tras ver “Dos Hombres y Un Destino” (Butch Cassidy and The Sundance Kid, 1969) supo que se dedicaría a hacer películas. Con 19 años ya estaba trabajando en “ILM” (Industrial Light & Magic) la empresa de efectos especiales propiedad de George Lucas. Muy pronto dio el salto a la publicidad, realizando spots para prestigiosas marcas y videos musicales para cantantes y grupos de primer nivel
Su primer largometraje fue “Alien3”(1992), una peli que no tuvo el éxito de taquilla esperado, sobre todo, porque los productores se gastaron lo que no estaba escrito (50.000.000$) y porque James Cameron, en la anterior película de la saga “Aliens: el regreso”(1986) había dejado el pabellón muy alto
Este fracaso taquillero en su primera incursión cinematográfica sumió a Fincher en una gran depresión, planteándose muy seriamente abandonar la dirección de films y centrarse únicamente en la realización de videos musicales y spots publicitarios. De hecho, estuvo casi dos años sin querer leer un guion cinematográfico
Andrew Kevin Walker trabajaba en Nueva York como dependiente en una de las tiendas de música de la cadena “Tower Records”. Mal pagado y casi depresivo malvivía escribiendo en sus ratos libres guiones con el fin de colocárselos a alguna productora. Había estado dos años trabajando en el guion de un thriller psicológico de tintes lúgubres y desoladores donde un asesino en serie mataba a sus víctimas inspirándose en los siete pecados capitales
El libreto estuvo dando tumbos por varias productoras hasta que “New Line Cinema” lo compró.
Al primer director que le ofrecieron el proyecto fue a David Cronenberg que, incomprensiblemente rechazó la oferta. Luego fue Guillermo del Toro el elegido, pero el realizador mexicano tampoco quiso hacerse cargo de la dirección del film
Tras estas dos negativas, el guion terminó llegando a las manos de David Fincher que tras su lectura pensó que el mejor enfoque era plantear el film como una “meditación sobre el mal” en lugar de hacer una “Buddy Movie” o peli sobre policías coleguitas tipo “Arma Letal” (Lethal Weapon, 1987) que en manos de otro director, lamentablemente sería en lo que se podría haber convertido
Las primeras opciones para protagonizar la película fueron Al Pacino para el papel del veterano detective William Somerset que terminó interpretando Morgan Freeman, mientras que para el novato e impulsivo David Mills (Brad Pitt) pensaron en Derzel Washington. Ambos actores rechazaron el ofrecimiento y tanto uno como el otro, tras ver el film, declararon su pesar por no haber aceptado este trabajo
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| ALEMANIA |
Antes de que Freeman se hiciese con el papel, el personaje fue ofrecido a un buen puñado de extraordinarios actores: William Hurt, Gene Hackman, Robert Duvall y Harrison Ford.
El detective Somerset interpretado por Morgan Freeman es una de las inolvidables creaciones del actor. Un policía inteligente, culto, metódico y ordenado. Un tipo frío y experimentado asqueado de toda la podredumbre que tiene que presenciar cada día durante sus inacabables jornadas laborables
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| JAPÓN |
Por otro lado, el detective Mills es un tipo duro, un joven que se quiere labrar una brillante carrera limpiando las calles de escoria delictiva. Un policía nuevo en la ciudad que rápidamente se da cuenta de lo mucho que puede aprender de su compañero. Brad Pitt bordó su interpretación, involucrándose completamente en el proyecto y aportando muchas ideas durante la producción.
El actor cobró 7.000.000$ por su trabajo interpretando un personaje para el que se barajaron también los nombres de Sylvester Stallone, Kevin Costner y Nicolas Cage
Al contrario de sus compañeros de reparto, Gwyneth Paltrow sí fue la primera opción para dar vida a Tracy, la esposa de Mills. En un principio, la actriz rechazó el trabajo y entonces “New Line Cinema” pensó en ofrecerle el papel a Christina Applegate pero David Fincher pensaba que era un personaje hecho a la medida de Paltrow y le pidió a Brad Pitt que convenciera a la actriz. Pitt convenció a Paltrow que también está sensacional en la peli y durante el rodaje se convirtieron en la vida real, en una de las parejas más populares del Hollywood del momento
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| ESPAÑA |
Por increíble que parezca, la primera opción para interpretar el rol de John Doe, el asesino en serie que lleva de cabeza a la pareja de detectives, fue Michael Stipe, el cantante de R.E.M. (me encanta R.E.M. pero la verdad es que no se qué se habían fumado los ejecutivos de New Line Cinema esa mañana). Afortunadamente Stipe rechazó el trabajo.
Val Kilmer también rechazó el papel
R. Lee Ermey al que todos recordamos por su papel de sargento instructor en el film de Stanley Kubrick “La Chaqueta Metálica” (Full Metal Jacket, 1987) audicionó para el papel de John Doe. Fincher no quedó totalmente satisfecho y siguió probando a otros actores. Aun así, Ermey se quedó en la película interpretando al jefe de la policía.
Cuando Kevin Spacey hizo la prueba todas las dudas quedaron disipadas, él tenía que hacer de John Doe. El problema vino cuando la productora dijo que no había dinero para pagar el salario que pedía el actor. La tenacidad de Brad Pitt para conseguirle el papel a Spacey fue lo que finalmente convenció al estudio. Los productores dieron el visto bueno dos días antes de comenzar el rodaje
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| BRASIL |
Un rodaje que David Fincher realizó, a pesar de los accidentes, en tan solo 55 días, entre el 12 de diciembre de 1994 y el 5 de febrero de 1995.
Durante la escena que Mills persigue a John Doe bajo la lluvia, Brad Pitt resbaló en el capó de un coche y cayó sobre el parabrisas atravesándolo con el brazo. Se rompió el brazo y le tuvieron que dar casi 100 puntos de sutura, lo que Fincher aprovechó para incluir el accidente en el argumento y así justificar el aparatoso vendaje que el actor lleva en el brazo durante buena parte del metraje
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| ITALIA |
Además, el motivo de que en la peli llueva todos los días exceptuando el último, es porque Brad Pitt se había comprometido para el rodaje de “12 Monos”(1995), por lo que empezaron a rodar todas las escenas en las que aparecía el actor y coincidió que todas esas primeras jornadas de rodaje estuvo lloviendo, así que la razón fue más de tipo logístico que argumental.
En ningún momento se dice el nombre de la ciudad donde se desarrolla toda la acción del film, pero se supone que es Nueva York. Aunque la peli se rodó en Lancaster y Los Ángeles (California)
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| JAMES RHEEM DAVIS |
David Fincher es un perfeccionista al estilo de Stanley Kubrick, un tipo al que no le importa rodar las escenas infinidad de veces hasta que considera que tiene la toma perfecta. Un creador de atmósferas impresionante que cuida el detalle hasta el límite; recuerdo por ejemplo el del apartamento todo lleno de ambientadores colgados del techo, detalles que como digo, pueden pasar desapercibidos en un primer visionado pero que aportan una gran verosimilitud al relato que nos muestra
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| CHINA |
En “Se7en” también le gusta jugar con el simbolismo. El número 7 está siempre rondando durante todo el metraje. Toda la acción del film se desarrolla en 7 días; en la primera escena que comparten los dos detectives, van caminando por una calle en la que todos los números de los portales empiezan por 7; hay tomas aéreas en que la forma de los edificios es un 7; 7 son los pecados capitales en los que se basa toda la trama del film…
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| ARGENTINA |
David Fincher contó con un presupuesto de 33.000.000$ y se rodeó de un equipo técnico extraordinario.
El diseño de producción fue asignado a Arthur Max, habitual colaborador de Ridley Scott en títulos como “Gladiator”(2000).
El espectacular montaje con el que cuenta el film fue obra de Richard Francis-Bruce, un tipo que ya había mostrado su maestría en films como “Cadena Perpetua” (The Shawshank Redemption, 1994) por la que fue nominado al Oscar
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| ALEKSANDER WALIJEWSKI |
También contó con la inestimable ayuda del director de fotografía Darius Khondji que utilizó un original tratamiento de imagen que otorga al film una oscuridad y unos tonos azules y verdosos que van perfectos para la historia sórdida y macabra que Fincher nos está contando.
Para el vestuario eligió a Michael Kaplan, un veterano que había empezado su carrera diseñando el vestuario de “Blade Runner”(1982) y que a partir de su trabajo en “Se7en” ha sido uno de los colaboradores habituales de Fincher en todos sus films.
La música corrió a cargo de Howard Shore, el compositor de la partitura de “El Silencio de los Corderos”(1991) y de la saga de “El Señor de los Anillos”
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| CHANGETHETHINK STUDIO |
La película tuvo un preestreno en Nueva York el 15 de septiembre de 1995 y el estreno oficial en Estados Unidos fue una semana después, el 22 de septiembre.
En España se estrenó el 10 de enero de 1996.
Fue todo un éxito de taquilla que recaudó más de 300.000.000$, originando muchos films de asesinos en serie que, sinceramente, no le llegan ni a la altura de los tobillos al film de David Fincher.
En fin, viendo ya los impactantes títulos de crédito con los que comienza el film, con esa inquietante música de "Nine Inch Nails", podemos adivinar que estamos ante una película muy, pero que muy… original.
El film de David Fincher cuenta además con uno de los mejores guiones de los 90, cerrado con una secuencia final impactante, rodada y montada tan perfectamente que tendría que estudiarse en las escuelas de cine. Y si a eso añadimos una solvente actuación de los actores, unos brillantes diálogos y la labor de un director que cuida hasta el más mínimo detalle de la producción, creo que bien puedo decir que “Se7en” es un peliculón como la copa de un pino.
Hasta la próxima